Penna e Carta. Simona Bua

When winter comes New Delhi lights up

2011-12-05T07:25:00.005+01:00

With a 9-month-long unbearable hot season, every year New Delhi simply forgets about her nasty foggy wintertime. But then again December comes and the whole city runs for cover.

Millions of blankets, shawls and sweaters wrap up delhitians across town. Everyone looks for repair and even dogs agree to wear little coats especially made for them.

In a few days New Delhi changes look. A thick gray fog envelopes everything form sunrise to sunset, but when the night comes something spectacular happens out there: thousands of little fires light up at once to fight the nastiest season.

“We light a bonfire every day at around 8 pm,” said rickshaw driver Mohammud Salim. “We get wood sticks from the park next by and light the fire with kerosene oil. Then we sit in circle and keep the fire alive until we fall asleep”.

Salim is one of the dozens of rickshaw drivers who live at the edge of Nizammuddin East, New Delhi upper class neighborhood. On the street. During wintertime, bonfires become part of his life.

“I have been leaving on the street for the past 24 years. I have 2 children and a wife in Bihar but I can’t effort them living here. I earn about 100-200 rupees per day. I rather send them money and sleep in a pipe on the street,” he continued.

“This is the second bonfire of this winter,” said his friend Kamal. “Usually we start in November, but this year it wasn’t so cold.”

“Winter came a bit late,” said Mr Venak of the Regional Meteorologial Center of New Delhi. “The temperature runs from 11 to 26 degrees, still 1 or 2 degrees above the normal, but we expect a drastic decrease by the end of the month.”

Though winter in Delhi is never extreme with night lows at about 3 / 4 degrees, for those thousands of people who live on the streets, this means a real challenge.

According to Mother NGO for Homeless over 70 thousand people live on the streets of Delhi and some of them don’t survive the cold season. “At least 18 homeless died last year,” reported Doctor Javed Khan of Mother NGO for Homeless. “This year we’ll try to minimize that number by providing 9 more shelters across the city by the end of next week.”

As the cold increases, many more fires pop up on the streets.

But bonfires in India are more than survivor kits. They are actually life-long traditions.

Many of India’s festivals and celebrations are conceived around the fire. Lohri in Punjab, Bhogali Bihu in Assam, Boghi in Andra Pradesh, Tamil Nadu and Mumbai are some of them. They all fall in January, the beginning of a new year. For them lighting up fires means new life, change, prosperity.

For many others it is a symbol for socialization.

“We have heaters in the house where we work, but every day at about 9 pm after work, we like to come here, light a bonfire, sit around it to chat a bit and relax,” said 22 year old cook Ahmed and driver Vinud who work for a wealthy family in Nizammuddin East.

A couple of friends come to sit together with Ahmed and Vinud around the little fire. Eight arms stretched toward the warmth. Someone else passes by and stops close to them. The group expands; there is space for everyone. A fire is a fire, fascinating and democratic.

It’s night in New Delhi. The thermometer reaches 10 degrees. The air is humid and thick but those sitting around their bonfires can forget about it for a little while.

“No money, give us food!” claimed West Bengal farmers to Indian Government

2011-12-01T11:48:00.008+01:00

NEW DELHI, 8 Nov 2011 – Hundreds of farmers travelled over one thousand miles from West Bengal to demand change in India’s Food Distribution System.

“We came to New Delhi, facing a difficult three day-long journey, because it’s here that decisions are taken” said one of the protestors. “We want a dialog with the Government”, added a second one.

Early in October India’s Government set the Poverty Line at 32 Rupees per day in Urban Areas and 27 Rupees in Country Sides. By April 2012 it is also expected to sign out a Bill for Right to Food to support people under the Poverty Line. But protestors argue many people will still left behind.

“The current Public Distribution System is very flawed. People are supposed to be targeted in Above and Below Poverty Line (APL and BPL) but the Poverty Line itself is extremely low. It is actually a starvation line, which doesn’t allow anybody to survive with dignity. Furthermore the identification of those families Below Poverty Line is very problematic so that about half of them don’t even have a BPL card”, explained Right to Food Campaign activist and Economist Prof. Drèze.

“Now we want answers,” cried the colorful and passionate chorus of women from West Bengal. Over 80% of the protestors were in fact women farmers.

“Men from our village are mostly migrant constructor workers,” said one of them. “It is our duty to take care of our family nutrition. We only know what it means when your child comes in tears seeking for food,” she continued.

And as the Bengali chorus intoned, “Politics is a game and politicians are playing with poor people”, sprinkles of hope the crowd for a few minutes, before falling again into frustration and anger.

Representatives of Right to Food Campaign were in fact allowed to meet official members of the Ministry, but “the meeting was very disappointing,” reported Anuradha Talwar, New Trade Union Initiative representative, coming out from Kristi Bhavan. “In Principal they agreed with everything, but unfortunately they are not willing to do anything! The minister doesn’t even speak any language but English. How does he expect to talk to people if he doesn’t speak any Hindi?” she asked herself.

Chants and raised harms were the sole weapons displayed in this peaceful protest called ROTI BHAAT SATYAGRAH (Rice and Bread fasting) but as the group reached the Planning Commission, police officers brought it to Jantar Mantar, were the action was officially supposed to take place.

And as the Police Bus left, feminine voices continued, “We are not here to do riots, we are here for the country which is hungry. We will continue until we get what we are asking for”.

Milind Khandekar at WMA delhi

2011-11-30T07:13:00.002+01:00

New Delhi, November 16 – Another leading face of the Indian Media Industry joined World Media Academy delhi today to discuss the current state of journalism.

Milind Khandekar is Star News Managing Editor and one of the most influential members of India’s growing Broadcast Industry.

“Journalism changed drastically in the past 20 years,” said Khandekar to WMA delhi students. “Nowadays journalists have to be ‘one man armies’ able to write, shoot, edit, record, voice over and be on camera all on their own,” he continued.Khandekar flew from Mumbay at 8 am to meet WMA delhi students and discuss what means to be good journalists and how to get prepared to one of the most competitive Industries across the country.

Though he said is not a good speaker, he was able to catch students’ attention for more than 3 hours.

“First of all you cannot be ashamed to ask questions even if you feel they could be silly. Someone else could be interested in your question. Second to be a good journalist you need to have a curious mind and be interested in the subject you are covering. Finally I believe you should always write in the language you think in. This will allow you to express yourself better as a communicator”.

With over 17 year of experience in the News, Khandekar is aware of the ‘audience power’ in the Media Market and when a few students asked whether gossip or daily updates on a famous sitcom could be considered news, he said: “I like to compare today news to an Indian Thali, a selection of many different small dishes where you get a little bit of everything. Our audience is very diversified and each person out there has a different taste. Of course, you won’t have sugar or desserts as main course, but probably at the end of the meal you won’t be satisfied if you don’t get at least a bit of them.”

First Bill Keller from The New York Times, then Vivey Tewari from Cnn IBN, now Khandekar. Who will be next at WMA delhi?

Holy cow on my way...

2011-11-21T16:29:00.002+01:00

Bill Keller at WMA delhi

2011-11-03T19:14:00.008+01:00

New Delhi, October 31, 2011 - The Former New York Times Executive Editor, Bill Keller, met this morning journalism students at World Media Academy to share some insightful moments of his professional career.

“I come from a different moment when journalism was a craft that could be learned through the experience on the field. I didn’t even study journalism at school, I just started working very hard for smaller newspapers by covering any kind of stories” said Keller.

"Little by little I improved my skills, I become foreign correspondent in Moscow and Johannesburg for the NYT and one day someone asked me to become the Executive Editor,” he continued.

Bill Keller came to New Delhi to attend the official launch of the NYT’s new blog, “India Ink”. Although the meeting lasted only a hour, Keller discussed many crucial subjects: Wikileaks, the kidnaping of the NYT journalists in Libya, the difference between writing for the online and the print copy of the NYT and the important balance between analysis and opinions in journalism.

And of course the Internet.

"How can technology and multimedia save the Journalism Industry?" asked a student from Nepal. “This is the main issue for many Newspaper Editor at the moment,” answered Keller. “I believe that Internet came actually at the right time to save Journalism, but you have to remember that even though multimedia is a very precious tool for today journalists, the essential craft you need to learn is how to deal with information first and be able to acquire, test, analyze and present it to the audience”.

Il museo della mafia da Salemi a Venezia

2011-06-10T17:21:00.003+02:00

L'opera di Inzerillo è tra le poche apprezzate all'interno del discusso Padiglione Italia curato da Vittorio Sgarbi

PALERMO - Commentata, disprezzata, straparlata, l'ultima provocazione culturale di Vittorio Sgarbi, continua a echeggiare sulla stampa nazionale e internazionale. Il suo Padiglione Italia alla 54esima Biennale di Venezia, con il titolo «L’arte non è cosa nostra» e l’intento di destrutturare quel “Sistema Arte” governato da critici, curatori, collezionisti e pochi artisti “eletti”e patinati d’oro e diamanti, ha sollevato pesanti critiche tra i giornalisti di The Guardian, The New York Times e Le Monde: «assurdo insieme di scorie», «noiosamente provocatorio», «minimo storico mai raggiunto in una Biennale», e ancora «indegno e discutibile».

Eppure, tra le oltre 250 opere esposte, non proprio tutto è stato demolito da giudizi negativi. Incastonato come un budello carcinogeno nell’ultima Tesa dell’Arsenale, «Il Museo della Mafia», già realizzato per il comune di Salemi dall’artista palermitano Cesare Inzerillo per volere dello stesso Sgarbi, ha unito le opinioni di critici, giornalisti e visitatori. Il critico d’arte Gillo Dorfles, dall’alto dei suoi 101 anni, ha confidato a Vincenzo Trione del Corriere della Sera.it di essere rimasto colpito «dall’atmosfera tenebrosa e dolorosa» generata dal Museo, e persino uno dei più acerrimi nemici di Sgarbi, Achille Bonito Oliva, che ha criticato aspramente la selezione del Padiglione Italia paragonandola a un «karaoke» privo di responsabilità curatoriale, ha sottolineato che se c’è un solo elemento da salvare, questo è certamente il «Museo della Mafia».

Scenografo teatrale e cinematografico, a fianco dei registi siciliani Daniele Ciprì e Franco Maresco da oltre 10 anni, Cesare Inzerillo ha allestito un percorso espositivo per documentare la storia della mafia, dal 1860 a oggi, attraverso un labirinto sensoriale di immagini, suoni, luci, ombre e odori, capace di evocare suggestioni fortissime. Il percorso inizia con la Sala della Cronostoria, uno stretto corridoio, scuro e buio, nel quale le prime pagine dei quotidiani italiani ripercorrono i più importanti fatti di mafia nei suoi 150 anni di vita. Sullo sfondo, il rumore dei tasti di una “Olivetti 22”, che a tratti ricorda quello di una mitragliatrice, suggerisce giochi semantici tra il potere dell’informazione e gli attentati a scapito degli stessi giornalisti. Superata la Cronostoria, la Sala del Compianto, buia e inquietante, con il gruppo scultoreo realizzato dallo stesso Inzerillo come citazione delle mummie delle catacombe dei cappuccini di Palermo, è avvolta da un silenzio tanto assoluto da rimbombare in maniera quasi assordante.

Al piano superiore poi, numerate in maniera disordinata, si aprono 10 piccole cabine “elettorali”, chiave di volta del sistema mafioso «perché è al loro interno che ogni cittadino partecipa alle sorti politiche del Paese». Ogni cabina, attraverso un supporto audio e video, affronta uno dei principali temi legati alla mafia: ci sono le due cabine del Colloquio, separate da una parete di vetro, per suggerire l’idea degli incontri nelle carceri; e poi Il Pizzo, La Violenza, La Sanità, L’Acqua, Il Potere, L’Informazione, La Religione e La Famiglia, ognuna con le proprie didascalie informative, con un repertorio fatto d’immagini, di testimonianze, di ricordi. Ritornando al piano inferiore, si giunge infine alla Sala dell’Abuso Edilizio, con i video che raffigurano Palermo prima e dopo il “Il Sacco” in dialogo, e la scultura che dà nome alla sala stessa, e che, per via della sua forza comunicativa, ha lasciato a bocca aperta persino l’imperturbabile Oliviero Toscani.

Un’opera d’arte/museo, insomma, concepita come struttura itinerante, compiuta ed emozionante che, da sola, vale certamente la pena di una visita al discusso Padiglione curato da Sgarbi. Tra le altre opere esposte all’interno del “Museo della Mafia” alla Biennale di Venezia 2011 ci sono le opere del pentito Gaspare Mutolo, del pittore fiammingo Patrick Ysebaert, di Mimmo Centonze, Antonio Manfredi, Flavia Mantovan, Marilena Manzella, Francesco Pirella, Omar Ronda, Paolo Vegas e Giuseppe Veneziano che hanno raccontato la Mafia a modo loro.

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Le copertine dei libri?

2011-06-10T09:56:00.007+02:00

Con il letame degli elefanti dello Sri Lanka

PALERMO - Una piacevole eco-sorpresa tutta siciliana è stata presentata al Salone Internazionale del Libro di Torino: la giovane casa editrice palermitana «:duepunti edizioni» ha sfornato una collana, la «Zoo Scritture animali», nella quale le copertine dei volumi sono ricavate, pensate un po', dal letame degli elefanti dello Sri Lanka.

La «:duepunti edizioni» , che pubblica narrativa, saggistica, romanzi, classici poco noti di autori europei rilevanti, è stata fondata a Palermo nel 2004 da Andrea L. Carbone, Giuseppe Schifani e Roberto Speziale: distribuita in tutt’Italia, è stata la prima casa editrice italiana, e per adesso anche l’unica, ad aver colto il progetto di eco-sostenibilità e salvaguardia ambientale promosso dalla Millennium Elephant Foundation, utilizzando la speciale carta «Elephant Dung Paper», assolutamente sterile e inodore, prodotta a partire da escrementi di elefante (Premio BBC Worldchallenge 2006).

«Cercavamo un supporto che fosse in linea con la collana "Zoo Scritture animali” diretta da Giorgio Vasta e Dario Voltolini, un progetto editoriale che ruota attorno al rapporto uomo-animale attraverso lo sguardo di autori contemporanei come Matteo Bianchi, Carlo D’Amicis, Davide Enia, Giuseppe Genna, Mario Giorgi, Nicola Lagioia e Giulio Mozzi, e abbiamo trovato una carta lei stessa "un po’ animale"», raccontano i protagonisti di questa piccola perla dell’editoria indipendente siciliana, tra i cui autori spicca il premio Nobel per la Letteratura 2008, Le Clézio. «Il resto delle pagine», spiegano, «è fatto di carte ecologiche certificate Fsc (Forest Stweardship Council), stampate con inchiostri a base di oli vegetali e materie prime naturali e rinnovabili». Grande apertura mentale quella di :duepunti edizioni, sottolineata anche dallo stesso nome: «dopo i due punti c’è sempre qualcosa» sorride Andrea Carbone.

Un altro volume con la copertina ricavata dal letame di elefante
Un altro volume con la copertina ricavata dal letame di elefante
Ma oltre alle larghe vedute, alla creatività e all'impegno per l'ecosostenibilità, ciò che sorprende guardando a questa piccola e instancabile squadra palermitana, è che i suoi papà, pur essendo solo in tre, svolgono i compiti di un gruppo che potrebbe essere tre o quattro volte più grande, curando da sé le strategie editoriali e la ricerca degli autori, l’ufficio stampa, i rapporti con i fornitori, le relazioni con il pubblico, ma anche l’allestimento degli eventi, il sito internet (www.duepuntiedizioni.it), l’intera grafica editoriale, e persino gran parte delle stesse traduzioni.

L'econovità della casa editrice, come dicevamo, è stata presentata alla 24esima edizione del Salone Internazionale del Libro di Torino (12-16 maggio 2011) : 1.500 espositori, disseminati tra i tre padiglioni del Lingotto Fiere e il nuovissimo Oval, dedicato alle regioni italiane e alla mostra «1861-2011. L’Italia dei Libri», allo spazio «Libro e Cioccolato» e a quello del Bookstock Village, con grandi letture e laboratori di scrittura per i più piccoli. Il tutto condito da oltre 200 incontri con altrettanti prestigiosi ospiti.

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La Mostra: «I do not love Shopping»

2011-03-03T22:24:00.005+01:00

Donne sull'orlo di una disperata ricerca di sé

NAPOLI - Sognatrici e disincantate, leggere e raffinate, martiri, sensuali, innocenti, ma soprattutto alla disperata ricerca della propria personalità, sono le donne di Giulia D’Anna, in mostra fino al 31 marzo alla Feltrinelli di Napoli.

CITANDO «SEX AND THE CITY» - Venti storie al femminile che l’illustratrice napoletana di adozione parigina anima con l’inchiostro di china della sua penna, con il vigore cromatico, l’equilibrio e la delicatezza dei suoi collage. Dietro il titolo, «I do not love Shopping», prende così vita una sottile e profondissima riflessione sul significato dello shopping per la donna moderna, accecata dalla promettente aspettativa di riconoscersi dentro alcuni cliché, disposta a tutto pur di farne parte, ma che finisce poi per ritrovarsi profondamente nuda, irrimediabilmente priva di identità. Esplicito è, in questo senso, un riferimento critico a romanzi best seller come «I Love Shopping» di Sophie Kinsella, a serie televisive come «Sex And The City», o successi cinematografici come «Il Diavolo Veste Prada» che, sublimando alcuni semplici gesti quotidiani, come quello di fare la spesa, propongono buste di personalità preconfezionate da indossare al momento opportuno, per donne fotocopia, tutte uguali, impeccabili, esteticamente perfette.

DONNE VERE - Le donne di Giulia sono invece reali. Alcune di loro hanno i fianchi larghi, altre indossano gli occhiali, altre ancora hanno capelli spettinati o visi irregolari. Sono donne normali, diverse le une dalle altre, eppure accomunate dalla ricerca di un cliché al quale appartenere. C’è la donna che ha appena acquistato il suo seno e quella che porta nella busta della spesa un nuovo cervello; la donna che trascina una busta pesantissima colma di aspettative, quella che vola leggera sognando come potrebbe diventare e quella disorientata che vaga nel buio con la busta dello shopping sugli occhi. Se Gustave Flaubert dichiarava “Madame Bovary, c’est moi!”, Giulia D’Anna potrebbe dire lo stesso delle sue creature illustrate: «C’è una parte di me in ognuna di queste donne, altrimenti non sarei riuscita a pensare a loro. Anch’io subisco il fascino dello shopping, però il più delle volte mi fermo all’immaginazione dell’acquisto e trovo appagamento in questo modo. Vado in giro per negozi, provo una borsa, un cappello, vedo una cucina che mi piace; mi informo, la guardo e poi vado via».

I DO NOT LOVE SHOPPING - La mostra segna così un momento professionalmente importante per l’artista napoletana, non soltanto in virtù dell’inaugurazione nella sua Napoli, ma soprattutto perché, con questa esposizione, si concretizza una lunga ricerca artistica che fa del semplice disegno a china, il punto di forza dell’opera: «Per me il disegno è tutto perché è lì che in pochi istanti si materializza l’idea – racconta Giulia – Una stessa idea che poi mi piace declinare in varie forme, sotto vari aspetti – e continua – Professionalmente devo moltissimo a Riccardo Mannelli, che mi ha aiutato nella ricerca dell’illustrazione come forma critica, come atteggiamento disturbante. Inoltre credo di esser stata influenzata particolarmente dal lavoro del fotografo ungherese André Kertész, che ritraeva corpi di donne, deformandoli con l’aiuto di alcuni specchi, e da quello dell’amico regista georgiano Otar Joseliani, apprezzato per la sottilissima ironia dei suoi film».

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Aldo Filiberto, «obiettivo» siculo a Hollywood

2011-03-03T22:18:00.005+01:00

Fotografo e regista, studia alla New York Film Academy

PALERMO - Vivere, a Los Angeles, sulla Hollywood Walk of Fame, la passeggiata delle celebrità. Raggiungere gli Universal Studios, per seguire lezioni di John Carpenter (regista di La cosa, Halloween, 1997: Fuga da New York), di Ron Howard (Apollo 13, A Beautiful Mind, Il Codice da Vinci) o di Buck Henry (sceneggiatore de Il Laureato). Passeggiare, all’interno dei sound stage hollywoodiani - hangar dentro i quali vengono costruiti i set - attraverso strade e quartieri di New York o Parigi fedelmente riprodotti. Fermarsi sul portico di un tipico saloon, in un set western, e respirare a pieni polmoni alcuni dei più importanti capitoli della storia del cinema. Sembrerebbe una di quelle vite da magazine e tv, una di quelle storie capaci di ricordarci la magnitudine di terra e mare che ci separa dalla California. Eppure questa è la quotidianità di Aldo Filiberto, giovanissimo fotografo e regista palermitano in giro per il mondo da quasi 10 anni. Dopo aver studiato fotografia nel Regno Unito e aver ritratto volti e paesaggi di tutt’Europa, nel 2001, grazie a una borsa di studio, è approdato negli States per un master in Film-making alla New York Film Academy di Los Angeles. E, mentre il suo ultimo cortometraggio, Redention, partecipa a festival di cinema indipendente di Usa ed Europa, The interviewer, il suo primissimo lungometraggio, è adesso in fase di pre-produzione.

Prima la fotografia, adesso il cinema. Scelta o pura casualità?
«La passione per la fotografia è nata dall’incontro inaspettato con un libro del fotogiornalista francese Henri Cartier-Bresson. Dopo aver letto il suo concetto “zen” della fotografia, come caccia al momento perfetto, ed essermi innamorato della poesia dei suoi scatti, ho preso la vecchia Olympus di mio padre e scattato le mie prime foto. Da allora non ho più smesso. Il passaggio al cinema, invece, credo rappresenti la perfetta sublimazione del mio amore per la fotografia. Cinema e fotografia parlano un linguaggio comune. Entrambe hanno il potere di trasformare la soggettività di una sola persona in un’emozione talmente forte e concreta da diventare oggettivamente condivisa. La fotografia lo fa attraverso l’uso delle immagini. Il cinema utilizza anche suono, musica e movimento, amplificandone il risultato in maniera eccezionale».

Cosa manca in Italia per vivere un’esperienza come quella che stai vivendo in California?«Credo che al cinema italiano manchi quell’elemento che rende il cinema americano vivo e sempre in evoluzione, che è la produzione indipendente. In Italia, la maggior parte dei film si basa su finanziamenti statali. Si tratta di produzioni a parecchi zeri con accordi di distribuzione già in piedi ancor prima che il film stesso sia stato girato. In questo modo, il numero di produzioni rimane inevitabilmente basso. Negli Stati Uniti, invece, il panorama del cinema auto-finanziato è molto interessante e sono tantissime le produzioni che nascono, vivono e fioriscono al di fuori del sistema degli Studios. Ci sono produttori che lavorano soltanto con film indipendenti, interi mercati di distribuzione per film indipendenti e sale cinematografiche che proiettano solo produzioni indipendenti. Tutto ciò permette a giovani film-maker senza grossi capitali di affacciarsi a un mercato cinematografico ugualmente vivo. Ed è proprio da questo bacino artistico che il cinema delle grosse case di produzione americane trae spesso idee o talenti. In Italia tutto questo non esiste.

Date queste premesse, è difficile immaginare un tuo rientro a Palermo… «Amo Palermo con tutti i suoi pregi e difetti e ne porto sempre un po’ con me, ma per il momento ho ancora bisogno di scoprire il mondo. C’è però un progetto che sto provando a realizzare insieme a un amico produttore e alcuni soci. Si tratta di un film ambientato Palermo: una produzione americana con cast e crew rigorosamente siciliani. Vediamo cosa succede...».

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Une Passante, note pop-folk baudelairiane

2011-03-03T22:11:00.002+01:00

Il progetto musicale della palermitana Giulia Sarno

PALERMO - A tredici anni rimane sedotta dall’opera di Charles Baudelaire, dieci anni più tardi, compone il suo primo brano musicale, traducendo in inglese la poesia del maestro A Une Passante. Si chiama Giulia Sarno, è nata a Palermo ventisette anni fa, ed è una delle giovani cantautrici italiane – alt folk, art rock, pop – più promettenti del momento. Voce calda, intensa, cresciuta con i Radiohead e Bjork, sguardo di ambra incorniciato dal segno deciso delle sopracciglia.

TRA POP E FOLK - Una figura minuta, quasi adolescenziale, che si fonde con la sensualità della voce. Sebbene faccia base a Firenze, la sua vita è in perpetuo movimento: gira in tournee con unePassante, la band che ha formato nel 2008, e tra un concerto e l’altro compone brani inediti, sempre più spesso trasmessi dalle stazioni radio nazionali. Tra pop e folk in lingua inglese, con una «dedizione per la scrittura che forza i limiti angusti di un genere traghettandolo fuori dai confini dello standard», scrive la rivista specializzata Rockerilla. Ma la musica di unePassante è ben recensita su molti magazine e webzine che si occupano di produzioni indipendenti: è con l'etichetta indie fiorentina Anna The Granny Records, infatti, che la band ha pubblicato quest'anno il suo primo album, «More than one in number», nel quale c'è anche il singolo Bats Rats And Cats.

LA POESIA - Eppure, se tornassimo appena indietro di qualche anno, troveremmo Giulia Sarno, la Passante, impegnata nella stesura di una tesi sulle epifanie nella letteratura contemporanea, decisa a far parte del prestigioso programma internazionale della Ècole Normale di Parigi, proiettata in una brillante carriera universitaria di critica letteraria. Poi, nel 2007, la rottura: «A Parigi, ho avuto una visione del futuro che mi ha messo paura. Mi sono vista seduta dietro una scrivania, ho sentito un senso di claustrofobia fortissimo e ho capito che avrei voluto vivere in prima persona la mia epifania, sulla strada», racconta Giulia, «Da lì è cambiato tutto: le prime composizioni, poi l’incontro con Gianmaria Ciabattari, che sarebbe diventato il produttore di unePassante». Ma la letteratura, la poesia, lo studio, non hanno mai smesso di influenzare la sua produzione: «Sono molto legata a Proust, Sartre, Camus, Tolstoj, Dostoevskij. E poi Baudelaire ovviamente. La sua poesia, A Une Passante, riassume in poche righe tutta l’etica della nostra società: rappresenta quel modo disperso, non narrativo, ma puntuale e scioccante, di fare esperienza del mondo, proprio dell’uomo contemporaneo: è un testo che ha interessato per molto tempo la mia riflessione sulla letteratura e sulla vita in generale, per questo ho voluto rendergli omaggio».

IL TOUR SICILIANO- E anche se Giulia parla di poesia e letteratura con una naturalezza quasi imbarazzante, per esprimersi in musica ha scelto un genere che parla a tutti, popolare per definizione. «Credo che la musica popolare oggi abbia un potere che nessun’altra forma di arte contemporanea possiede: è la sola in grado di veicolare riflessioni importanti, rimanendo comunicativa a livello di massa; la sola capace di farsi ascoltare da tutti». E per farsi ascoltare gli unePassante saranno in Sicilia dal 4 al 9 gennaio per cinque date del Rocketta light tour, la rassegna itinerante di musica dal vivo nata a Siracusa: si parte da Palermo e si chiude il 9 a Catania.

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Da piccola ricalcava i fumetti Disney

2011-03-03T22:06:00.000+01:00

oggi disegna nel team di Tim Burton

PALERMO - C’è chi da piccino sognava di fare l’astronauta e oggi ha paura dell’aereo, chi desiderava indossare tutù e scarpette e oggi veste la toga. Lei invece, che stregata dalle silhouette dei personaggi Disney sognava semplicemente di poter conoscere un giorno i creatori di eroi come la Sirenetta e Roger Rabbit, oggi, talentuosa cartoonist e animatrice 2D (ma anche musicista folk), siede addirittura nello stesso team di lavoro di quei mitici artefici. Valentina Ventimiglia, giovane artista palermitana, ha capito prestissimo che nella vita avrebbe disegnato cartoni animati: «All'inizio cercavo di coinvolgere anche i miei genitori nell’impresa. Ma né gli scarabocchi di dame di mia madre e neppure il cowboy e l'indiano di mio padre, riuscivano a soddisfarmi. A 4 anni ho deciso che avrei continuato da sola. Ricopiavo le copertine dei quaderni, e tutti i libri della Disney avevano dei solchi nelle pagine che raffiguravano la Sirenetta, perché ricalcarla dalla tv, mettendo in "pausa" il VHS, non ha mai funzionato bene».

LA CARRIERA - Oggi, dopo un diploma in Animazione tradizionale a Torino, un’Internship nella sede londinese di Cartoon Network, e varie collaborazioni con studi di animazione internazionali, il suo nome compare, in qualità di Storyboard assistant, nella «crew list» di produzione di «Frankenweenie», nuovissimo lungometraggio in stop-motion della Disney diretto da Tim Burton, in uscita nelle sale cinematografiche nel 2012. Eppure, Valentina sognerebbe di tornare in Sicilia: «Ho sperato più di una volta di poter lavorare nella mia città, ma in Italia purtroppo manca la fiducia nei giovani talenti, e anche la giusta considerazione per una forma di arte che prevede tempi lunghissimi di realizzazione. Molti di noi sanno, a grandi linee, che un'animazione è composta da una sequenza di disegni, ma ben pochi immaginano che, per ogni singolo minuto animato, si possano impiegare fino a 3 mesi di lavoro. In Italia la mia professione è ancora fortemente sottopagata; mantenersi da soli diventa impossibile».

IL NUOVO PROGETTO DI BURTON - Dopo Alice in the Wonderland (2010), l’ultimo progetto siglato Burton-Disney, è il remake di uno dei primi cortometraggi dello stesso regista americano, Frankenweenie (1984), concepito come parodia dei due film di James Whale, Frankenstein (1931) e La moglie di Frankenstein (1935), basati sul soggetto di Mary Shelley. «Franken-weenie», «Frankenstein-sfigato», racconta le vicende del piccolo Victor Frankenstein che, sfruttando l'effetto degli impulsi elettrici sui muscoli, imparato a scuola, tenta di riportare in vita il suo cane – Sparky – investito da un’automobile. «Sebbene da più di un anno un’instancabile squadra di storyboard artist, modellisti, pittori, scenografi, tecnici e produttori stia lavorando al lungometraggio, siamo ancora soltanto a metà dell’opera», racconta Valentina, «In questo momento stiamo sviluppando lo “storyboard”, fase fondamentale di ogni produzione cinematografica, che potremmo descrivere come un enorme fumetto in cui viene visualizzata l'intera storia, scena dopo scena. Il mio ruolo, in quanto assistente, è quello di dare una mano con le correzioni, ridisegnare personaggi, sostituirli, cambiare inquadratura o scenografia; ma ogni tanto arriva l'opportunità di disegnare delle piccole sequenze per intero, e non ci sono parole per descrivere l'emozione, immaginando poi il risultato sul grande schermo». E, mentre nella sede centrale dello studio di produzione, in quello che viene chiamato lo “storyboard department”, la sceneggiatura viene tradotta in materiale visivo, vengono definite le inquadrature cinematografiche e il modo in cui interagiranno tra di loro i personaggi, all’interno del «Puppet Hospital» (n.d.r. Casa dei Pupazzi), un gruppo instancabile di modellisti e scenografi è al lavoro per costruire le ambientazioni e i personaggi che, poco dopo, sul "set", prenderanno finalmente vita propria, per incantare e affascinare milioni di bambini in tutto il mondo.

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Ciak, e il borgo di Agira diventa fashion

2011-03-03T21:09:00.006+01:00

Cult sul web con i creativi di Mosaicoon

PALERMO - C’è un video, su Youtube, che in appena cinque giorni ha già ricevuto oltre 40mila visualizzazioni, classificandosi tra i più popolari nel canale di intrattenimento; un film poco più lungo di un minuto che, partendo da un piccolo studio palermitano nel golfo di Mondello, ha già fatto il giro del mondo, conquistando blog e siti web di fashion e style in Giappone, Europa e Stati Uniti. Sulla testata del video campeggia il claim: «Incredible Fashion Town in Sicily», e basta poco più di un secondo per scoprire che il paese più trendy del mondo è proprio Agira, quel piccolo centro del cuore dell'isola, storicamente conosciuto per aver dato i natali a Diodoro Siculo. Possibile? Provate voi stessi a dare un’occhiata al video e diteci un po’ se Antonino con il suo Experimental Scottish Elegance style, Giuseppa regina dell’Oriental Fashion Dream o Nino, ritratto in un esemplare Dolcevita Total Look, non potrebbero forse fare scuola per classe e originalità.

CLIENTI INTERNAZIONALI - Che si tratti di fiction o di realtà, ciò che qui merita attenzione è che quello che potrebbe sembrare il backstage di un film di Fellini, e che è finito in un video che promuove il Sicilia Fashion Village, è in realtà opera di un gruppo di giovani creativi, cuore pulsante della siciliana Mosaicoon, società per azioni nata a Palermo nel 2009 dall’unione della Belsito Media srl e del fondo Vertis Venture (primo finanziamento Venture Capital in Sicilia). Nonostante la Mosaicoon sia “apparentemente” una società di comunicazione online come potrebbero essere tante altre, a fare la differenza, catturando l’attenzione del fondo Vertis Venture prima, e di clienti internazionali come Telecom Italia, Microsoft, Lumen, Electrolux Rex, Tommy Hilfiger (per il lancio del profumo Loud), Birra Corona (per la campagna Extraordinary Taxi) , Gruppo Finelco poi, è stata la grande innovazione dei servizi offerti, e la qualità della loro produzione: «Siamo stati tra i primi, in Italia, a intuire la potenzialità dei video virali (video pubblicitari intriganti e divertenti che, grazie al principio del “passaparola”, si diffondono sul web come fossero dei virus, ndr)», spiega il 29enne Ugo Parodi Giusino, prima socio unico della Belsito Media, oggi Ad e socio della Mosaicoon spa, «La nostra forza è l’incontro di strategia, tecnologia e creatività. Seguiamo ogni cliente passo dopo passo, curando per lui la produzione, la distribuzione e il monitoraggio dei video online, le strategie di social media, gli advergame (giochi pubblicitari), le applicazioni per terminali mobili come iPad e iPod, e tutto ciò che possa garantire l’intrattenimento dell’utente finale».

RESTARE E' POSSIBILE - Ma questo è solo l’inizio. Quello che è nato un anno fa come un giovane quartetto di creatività, tecnologia e comunicazione – Juan Serrano Ortiz, Giuseppe Costanza e Marco Imperato, oltre a Parodi Giusino – oggi ha già quadruplicato la sua formazione, continuando a crescere esponenzialmente. «Vogliamo essere un riferimento per tutti quei ragazzi, siciliani e non, costretti a cercare altrove una struttura creativa, multiculturale e professionalmente stimolante», «continua Parodi Giusino, «Il nostro direttore clienti, Pietro Sorce, grazie alla Mosaicoon è tornato a Palermo dopo 10 anni di esperienza milanese. Speriamo che molti altri seguano il suo esempio».

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Il ritorno dei «balcanici» Matrimia!

2011-03-03T20:58:00.002+01:00

con l'orecchio a est e il cuore a Sud

PALERMO - Prendete suoni e alcune immagini di capolavori come il Tempo dei Gitani, Gatto Nero Gatto Bianco e Underground del regista bosniaco Emir Kusturica, aggiungete un cucchiaio colmo di musica Klezmer, una manciata di musica popolare greca, turca, araba, un bicchiere di chanson francese, alcune gocce di flamenco, qualche pizzico di rock, dub, reggae e una spolverata jazz all’Archie Sheep, ed ecco che, almeno in parte, avrete colto l’essenza del secondo disco dei «Matrimia!», “Zivili”, parola che in slavo significa propriamente «alla Salute!».

ORECCHIO A EST - Il lavoro, promosso sul web con un video realizzato da national Geographic al mercato di Ballarò, sarà presentato il 16 dicembre prossimo a «I Candelai» di Palermo. E sì, perché sebbene Daniele Tesauro, Dario Compagna, Gero Pitanza, Davy Deglave, Roberto Ferreri e Giacomo di Domenico, in arte i Matrimia!, siano formalmente un gruppo “siciliano” (tutti meno il cantante francese Davy Deglave), nato sei anni fa a Palermo, la formazione musicale e il gusto estetico di ognuno di loro ha invece trovato massima espressione in quella che è la musica popolare dell’Europa orientale e del Mediterraneo in generale. «Sin dall’inizio, è stata una scelta puramente estetica a spingerci verso simili tradizioni musicali», confida Tesauro, uno dei fondatori del gruppo, «in un certo senso si tratta di affinità elettive alle quali non puoi opporti. Senti che quel ritmo ti risuona dentro, ma non sai perché. Così cominci ad approfondire un genere musicale piuttosto che un altro, finché non diventa parte di te».

LA NEW ENTRY - Eppure, non c’è da stupirsi se il nome di un gruppo così vario e apparentemente lontano dalla musica popolare siciliana, sia invece un’espressione tipicamente nostrana come «Matrimia!» (mamma mia!). Se la loro musica, infatti, non è esplicitamente siciliana, le innumerevoli tracce di cultura magrebina, turca, ebrea, francese, greca, spagnola, latina che segnano la pelle della nostra gente, i gesti, gli sguardi, i colori dei nostri mercati, gli odori, i suoni delle strade, rappresentano però un chiaro collegamento. Ma non solo. Basta che i «Matrimia!» suonino in un concerto dal vivo perché la loro energica sicilianità appaia come per magia: nell’interpretazione dei brani, nelle improvvisazioni, nell’intesa con il pubblico. Ma “Zivili” non è soltanto una nuova raccolta musicale. Questo disco segna un passaggio importante nella storia del gruppo: «Due componenti sono andati via, lasciando un grande vuoto affettivo e strumentale», continua Daniele, «e, nella ricerca di un bassista che sostituisse Marko Bonarius, abbiamo trovato un eccellente sostituto nel basso elettrico del nostro fonico, Roberto Ferreri, al quale abbiamo accompagnato anche una chitarra elettrica». Differente è anche il linguaggio, non più unicamente diretto ai giovani, ma aperto anche a interlocutori più maturi. E poi ci sono racconti di viaggio, festival di musica, collaborazioni artistiche, esperienze personali; storie che ognuno di loro ha composto singolarmente e poi arrangiato insieme, «in grande democrazia».

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Mikele Ferra, il regista palermitano

2011-03-03T20:54:00.003+01:00

che realizza progetti in Medio Oriente

PALERMO - «Basta con chi dice che si parte dall’Italia perché lì non funziona niente. Che bisogna andarsene per avere successo. Sono luoghi comuni. La gente si muove perché è nella natura dell’uomo, è un’esigenza antropologica. L’italiano, poi, è un avventuriero; è dappertutto. È una tradizione che va ormai avanti da secoli». Esordisce così Michele Ferraro, in arte Mikele Ferra, regista palermitano. Siciliano. Italiano.

Lui da Palermo è partito 15 anni fa, ma non perché non ci si trovasse bene: «È difficile trovare altri luoghi con una simile qualità di vita. Il clima, il cibo, i mandarini in giardino. Sono andato via perché volevo ritrarre il mondo, prima con la macchina fotografica, poi con la cinepresa. Ma per raccontare qualsiasi cosa devi prima conoscerla; così è cominciato il mio viaggio».

Oggi, a 36 anni, Michele vive tra Berlino, San Francisco e Bangkok, dirigendo Miranfilm, Epoca e The Sleeper Ones, tre società di comunicazione, produzione cinematografica e teatrale, che stanno riscuotendo grande successo internazionale. «Ma non è che vai via e, puff, lavoro e successo ti cascano dal cielo. Per 10 anni, ho dovuto lavorare come buttafuori nelle discoteche di tutto il mondo – Firenze, Bucarest, Buenos Aires, New York, Madrid, Berlino - per guadagnare qualche soldo. E nel frattempo lavoravo in vari progetti, documentari, film. Di notte ho conosciuto la faccia peggiore della società. Ma ho imparato a parlare con la gente, a capirla. Questa è stata la mia vera formazione, altro che scuole di regia». Parlando con Michele, ti rendi presto conto che non sarà facile sintetizzare in poche righe il fiume idee che popolano la sua mente e il suo lavoro.

Più di 20 progetti sono già stati realizzati, e altrettanti sono attualmente in processo di sviluppo. Comune denominatore: l’interesse per il sociale; agire per contribuire al miglioramento della società. «Theatre in the Desert», ad esempio, nasce dall’idea di creare il primo archivio teatrale in Medio Oriente, aprendo due nuovi teatri dove raccogliere storie nelle quali poi la gente potrà riconoscersi. «Il teatro costituisce la base culturale di una società. Così è nata la tragedia greca: ciò che non si poteva dire in piazza, lo si poteva raccontare in teatro. In Europa Goldoni, Shakespeare, Manzoni, Moliere hanno creato in nostro archivio teatrale. Tutto questo in Medio Oriente non è mai esistito. Oggi, nei teatri di Damasco, di Beirut, si mette in scena Shakespeare, Ma non c’entra nulla con la loro cultura». Sebbene Michele abbia cominciato come artista, oggi sostiene di aver esaurito ogni interesse per il puro lato estetico delle cose. «Non faccio più nulla che non abbia un contenuto in senso sociale. Voglio utilizzare la mia energia per costruire villaggi in Africa. Dare cultura a quei popoli. Ormai in Occidente si è fatto tutto, troppo. Noi abbiamo bisogno di tornare a fare i contadini. Ma sì. Chiudiamo tutte le scuole e i teatri d’Europa e andiamo ad aprirli in Africa. Questo è il futuro».

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Portare i gusti del Cilento in Lussemburgo

2011-03-03T20:50:00.004+01:00

La missione dell'imprenditore Mario Notaroberto

SALERNO - In un ristorante che di nome fa «Notaro», davanti a una muzzarella di bufala della Valle di Sele, condita con olio extra vergine di olive pisciottane, e a un buon bicchiere di Aglianico che profuma ancora di Cilento, non possiamo che sentirci a casa. Eppure no, non siamo in Campania, e neppure in Italia. Ma in uno scrigno salernitano del Granducato di Lussemburgo, in compagnia di Mario Notaroberto (discendente di un certo «notaro» che si chiamava Berto), vero uomo del sud oltre che nobile buongustaio.

In Lussemburgo dal 1984, «per amore», Notaroberto ha fatto della promozione del Cilento, e del meridione in generale, una vera e propria missione. «Tutto è cominciato nel 1988 quando, insieme a un gruppo di amici - un cuoco calabrese, un aiuto cuoco sardo e un pizzaiolo napoletano - abbiamo dato vita alla Trattoria dei Quattro» racconta frugando tra i ricordi. Oggi, con il «Ristorante Pizzeria Notaro», uno dei più apprezzati del Lussemburgo, una bottega con prodotti Dop e Ipg del mezzogiorno, e una cantina con oltre 1.100 etichette italiane (che gli è valso il 1º premio per la migliore selezione dei vini italiani in Europa – 2005), l’instancabile buongustaio-enologo-imprenditore continua a battersi per la salvaguardia degli sapori del Sud Italia.

Ciò che tuttavia rende davvero unico il suo impegno, è la volontà di essere un autentico ristorante italiano, e non un «ristorante italiano all’estero». «Non è mica cosa semplice - spiega il Notarberto - Ti capita di imbatterti in clienti che pretendono un piatto di carne con contorno di spaghetti, magari alla bolognese e ben cotti. E se glieli neghi, stai certo che non li rivedrai più. Non molti altri ristoratori sono pronti ad accettare questa condizione. Qui in Lussemburgo la cultura della cucina italiana è stata tramandata dai primi immigrati che, per mangiare nei 15 minuti di pausa pranzo, versavano in un unico recipiente l’intero pranzo preparato al mattino dalle mogli, mangiando quindi primo e secondo insieme. È una cultura ormai radicata nella tradizione».

Ma al Signor Mario poco interessa di compiacere la gente, figuriamoci poi se con il rischio di tradire la cucina di «mammà». E, in effetti, la maggior parte dei piatti proposti dal Notaro nacquero proprio nella umile cucina di famiglia, a Palinuro, dove Mario, fin da piccino, passava le giornate ad assistere mamma Rosaria che lavorava ai fornelli. «Le Mulignani Muttinati (melenzane farcite) in menù, a casa mia erano il secondo piatto del giovedì, quando la carne si mangiava soltanto la domenica».

E quando ormai l’acquolina in bocca non può più sopportare tante parole, ecco che un profumatissimo piatto di spaghetti «alla chitarra» di Gragnano, con colatura di alici, mollica saltata in padella, aglio e prezzemolino, accompagnata da un bicchiere di Fiano del Cilento, si appresta a mandarci in paradiso.

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Petrella torna con Tubolibre/Slaves

2011-03-03T18:36:00.007+01:00

«Brani delle cover blues degli anni '30»

Gianluca Petrella, parliamo anzitutto dell’uscita del suo prossimo disco…
«È un progetto al quale tengo molto, si chiama Tubolibre/Slaves ed è prodotto dalla Spacebone, la casa discografica che ho voluto creare nel 2009; ne prevediamo l’uscita per fine Novembre. Tubolibre, in particolare, è il quartetto che ho formato nel 2008 insieme a tre musicisti straordinari: Gabrio Baldacci alla chitarra elettrica, Cristiano Calcagnile alla batteria e Mauro Ottolini al susafono (variante più leggera e trasportabile del basso tuba, spesso utilizzato per le bande). Io suonerò invece il Fender Rhodes, oltre al trombone ovviamente».
Che genere di musica ascolteremo in Tubolibre/Slaves?
«Cover di Blues degli anni '30, improvvisazioni, e alcuni brani inediti. Nonostante Tubolibre evochi probabilmente allegria e leggerezza, in realtà si tratta di un disco molto profondo e malinconico; una dura riflessione su ciò che di assurdo sta succedendo nella nostra società. Il titolo stesso, Slaves (schiavi), vuole raccontare tutti i tipi di schiavismo che attanagliano la nostra quotidianità: la schiavitù tecnologica, la schiavitù del denaro, quella del potere».
Un nuovo Petrella.
«Più che nuovo, direi che mi sentirete in una nuova veste. Non incido tantissimi dischi, ne faccio uno per anno e ogni nuovo disco rappresenta in un certo senso una nuova parte di me. Mi piace mettermi in discussione, giocare con sempre nuovi linguaggi. Ogni esperienza, ogni viaggio, ogni incontro, ogni pensiero influenzano ciò che creo, volta dopo volta. Sarebbe impossibile creare sempre la stessa musica».
Sebbene abbia solo 35 anni, suona il trombone da più 25 anni ormai. Più che uno strumento ormai una specie di terzo braccio. Come mai proprio il trombone?
«In effetti, non si tratta di semplice casualità. Il trombone me lo sono trovato in casa; mio padre è trombonista anche lui. Sarebbe difficile per un bambino di 10 anni scegliere uno strumento del genere. Io ho cominciato a suonare il trombone nell’85 accompagnando matrimoni e cerimonie funebri con la banda del paese. E di certo il fatto di suonare marce funebri ha influenzato moltissimo la mia formazione musicale. Poi mi sono lasciato travolgere invece dall’Happy jazz, suonando in piccole orchestre da ballo. A 20 anni, poi, ho lasciato Bari per Francoforte sul Meno e a 21 sono tornato in Italia dove ho cominciato a collaborare con Enrico Rava».
Basta guardarvi insieme in un concerto per poter cogliere il vostro grande affiatamento
«Suoniamo insieme da 15 anni, ormai ci conosciamo davvero benissimo. Tromba e trombone diventano uno strumento solo quando suoniamo insieme. Lui è stato un grandissimo maestro per me. Mi ha aperto molte porte, sia da un punto di vista culturale, che professionale. Sono cresciuto con lui, mi ha portato in tournee in giro per il mondo. Devo tantissimo a Enrico Rava; è un onore per me continuare a lavorare insieme».
Nei primi anni della sua formazione, invece, chi è stato il suo più grande riferimento musicale?
«Quando ho cominciato a suonare, studiando in conservatorio, i miei miti erano un po’ i miti di tutti. Posso dire di essere cresciuto a pane e J. J. Johnson, grandissimo trombonista. E poi ovviamente Ornett Coleman, Archie Shepp, Heret Dolphin. Negli ultimi 5/10 anni invece ho cominciato a trovare ispirazione in qualsiasi genere musicale, dal grande Giacinto Scelsi al rapper Snoop Dogg, e poi nella musica elettronica, nell’heavy metal. Direi in tutti i suoni in generale. Ma non parlatemi del Pop italiano. Quello no. Non sopporto quei personaggi che magari non capiscono un granché di musica e si divertono a gonfiare alcuni nomi, spacciandoli per i geni del terzo millennio».
Una polpetta difficile da digerire per uno come lei che ha studiato profondamente la musica
«Non ne faccio una questione di studio o di conoscenze; non è un problema di competenze musicali. Per me tutto è musica. Dalla musica d’orchestra a quella suonata dentro un garage. La musica è un bene comune. Quello che non sopporto è la presunzione di chi finge di capirne, speculando poi su alcuni artistelli. Non faccio nomi».
E la Computer Music invece?
«Una rovina. Sebbene io lavori spessissimo con il computer e mi piaccia molto l’elettronica, non riesco a considerare musica l’atto di comprare un computer, montarlo in cucina tra frigorifero e lavastoviglie, scaricare dei pezzi sonori e montarli insieme».
Su Youtube c’è un video in cui suona sommerso dall’acqua di una piscina. Le piacciono questo tipo di sperimentazioni?
«Ti riferisci al Festival Time In Jazz 2009. Quell’anno il tema del Festival era proprio l’acqua. E così, con Paolo Fresu, abbiamo pensato di giocare con l’acqua in maniera più fisica che teorica. E mi sono immerso in piscina; è stato divertente. Altre sperimentazioni… ho suonato a 2400 metri di altitudine, in montagna. E poi al buio, sotto la pioggia, per strada… Ogni volta è una nuova sensazione».
Guardandola suonare, sembra vada quasi in un’altra dimensione. Cosa c’è dentro la sua testa in quei momenti?
«In realtà quelli sono momenti di altissima concentrazione. Pensi alla musica, pensi ai suoni, pensi alle note che stai per comporre. Se vuoi creare ogni volta qualcosa di nuovo, qualcosa di inedito, come pretendo di fare io, devi liberare la mente da tutto il resto».

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Helena, 65 anni.

2011-01-18T11:19:00.000+01:00

Lussemburgo - Sophia e Felix sono venuti al mondo, senza urla, senza strilla. Sono due nuovi piccoli protagonisti di una storia che in parte è già stata scritta; una storia che a detta di alcuni non avrà futuro, ma che per altri durerà all'infinito.

Sophie pesa 2,2 kg; Felix 2,4 kg. Non male per due gemelli nati con 3 settimane di anticipo. Mamma Alice però non smette di versare lacrime sul bianco cuscino d'ospedale. La piccola Sophie ha infatti un problema renale, e quel suo piccolo corpicino di poche cenitinaia di ore è già stato violentato da aghi di ogni sorta, aghi che adesso infliggono la morbida testolina.

La nonna di Sophie e Felix si chiama Helene e abita in un piccolo paesino nel nord del Lussemburgo, al confine con il Belgio. Ogni giorno, per asciugare le lacrime della sua bambina, attraversa di fretta metà del pur piccolo Gran Ducato di Lussemburgo, paesino dopo paesino.

Ho conosciuto Helene ieri mattina, in una delle mie giornate fatte di corse e di ritardi. Il BUS 265, quello che da Dondelange mi porta ogni giorno in centro città, è passato con 2 minuti di anticipo, e quello successivo sarebbe passato 30 minuti dopo, troppo tardi per il mio corso di francese. Ho fatto l'autostop. Dieci automobili sono passate veloci senza neppure fermarsi (fare l'autostop è illegale in Lussemburgo), poi Helane si è fermata, e con un sorriso immenso mi ha accolta per alcuni minuti nel suo grande universo.

Abbiamo parlato in francese e in italiano. Helena ha una passione per l'Italia del sud e ogni anno, da quando il padre di Alice è venuto a mancare, con un gruppo di amiche, visita un posto nuovo del Meridione italiano. Quest'anno, a Settembre, sarà la volta della Sicilia: Palermo, Cefalù, Castelbuono.

Mentre Helena parlava, raccontandomi della sua prima volta a Parigi a 40 anni, e del suo matrimonio del 1970, dei suoi altri due figli e della restaurazione del rudere in cui vive tutt'ora, le sue guance, già rigate dall'età, si bagnavano di lacrime e di ricordi.

Dieci minuti dopo eravamo in centro città. Ci siamo salutate con affetto. Io sono tornata nella mia piccola vita di egocentrismo, lei nel suo grande universo di dedizione e di supporto.

Autumn Leaves Jazz Festival

2010-10-19T22:50:00.003+02:00

Luxembourg - Se il cadere delle foglie d’autunno e l’orgiastica energia della musica jazz si intrecciano in un romantico bacio alla francese nelle note di Autumn Leaves di J. Kosma, ben più elettrico è il sapore lasciato dal quarto appuntamento lussemburghese con l’Autumn Leaves Jazz Festival: 10 concerti (34 artisti) per 3 giorni (15/17.10.2010) di godimento sonoro e visivo nelle sale del Centro Culturale dell’Abbazia di Neumünster (ccrn.lu). Filo conduttore dell’evento, oltre alla promozione della musica jazz emergente (jail.lu), l’eterogenia di stili, la forte presenza scenica degli artisti e, nonostante chiare tracce di sperimentazione, l’assenza di vero e proprio free jazz. Tra gli ospiti italiani, eccezionale l’esibizione di Enrico Rava che, dando prova di grande generosità, ha saputo mettere in luce il virtuosismo artistico di Gianluca Petrella (trombone) e dei giovanissimi Giovanni Guidi (piano) e Pietro Leveratto (contrabbasso). Dal gusto raffinato, poi, lo spettacolo del trio di Oliver Strauch (batteria) con Kenny Werner (piano) che ha regalato una straordinaria interpretazione di Estate di Bruno Martino, e di Autumn Leaves. Rock jazz invece per il Trio di Christof Lauer (sax), con l’esilarante Michel Godard (basso tuba) e le sperimentazioni vocali di Patrice Heral (batteria). E se tra i giovani emergenti, la 25enne francese Anne Paceo ha saputo attirare l’attenzione della critica per la sensualità delle sue percussioni, l’ultima esibizione in programma, quella del trio francese dei Mèlosolex (Vincent Peirani, Denis Charolles e Fred Gastard), ha probabilmente rappresentato il livello più alto in termini di coinvolgimento del pubblico, eterogenia di stili (gipsy, rock, pop, folk) e strumenti utilizzati (fisarmonica, batteria, sax basso, sax tenore, sax soprano, bugle, utensili vari).

Pubblicato in giornaledellamusica.it

Cosplayers Mania al Frankfurter Buchmesse

2010-10-15T16:55:00.012+02:00

Sono giovani, amano i comics e i manga giapponesi e sono degli instancabili esibizionisti.
Si chiamano Cosplayers (Costume Players), formano una vera e propria comunità e approfittano dei più grandi eventi intercontinentali per sfoggiare i loro ultimi travestimenti.
In occasione della Fiera del Libro di Francoforte (6-10 Ottobre 2010), nella sezione COMICS, una giuria internazionale ha premiato le 4 migliori coppie di Cosplayers del 2010:

1. Christina Laverna in Goldene Hexe Beatrice & Marion Michiyo-hime in Maria Ushiromiya
2. Stephanie Nami in Jessie & Clarissa Lalue in James dei Pokémon
3. Nicole Yami-no-tenshi in Roxas & Lydia Xx_LiL_xX Sch. in Axel dei Kingdom Hearts II
4. Ronald Berry-tan in Prinz Edward & Claudia Nefeltari_Vivi in Giselle aus "Verwünscht"

Close-Up. Abbas Kiarostami.

2010-10-15T16:34:00.006+02:00

Se cercate un film che riassuma in 94’ buona parte del gusto cinematografico iraniano, lasciandovi tempo per riflettere sul concetto di arte e di popolarità, di verità e di finzione cinematografica, allora non perdete Close-Up (Nema-ye nazdik,1990) di Abbas Kiarostami, probabilmente uno dei più riusciti esempi di realismo cinematografico persiano. Close-Up, letteralmente primo piano, mette a fuoco, massimizzandone alcuni dettagli poetici, un singolare evento di cronaca che aveva particolarmente colpito il regista.
Il povero disoccupato Hossain Sabzian, appassionato di cinema e grande estimatore del regista Mohsen Makhmalbaf, sfruttando alcune fortuite coincidenze e la sua indubbia somiglianza allo stesso regista, viene accusato di frode e truffa per aver finto di essere Makhmalbaf in persona e aver convinto la famiglia Ahankah ad offrirgli cibo, denaro, e ospitalità in casa propria, dove avrebbe poi voluto girare il suo presunto prossimo film.
Sulla scena non ci sono attori. Il truffatore Sabzian, il regista Makhmalbaf e lo stesso Kiarostami sono protagonisti della cronaca così come della scena. La finzione cinematografica e la realtà della vita si fondono e si mischiano all’infinito, fino a confondere la loro stessa identità all’interno della classica struttura ciclica del cinema iraniano, riproposta qui da Kiarostami come i pezzetti di una matrioska russa.
La prima e l’ultima scena, collegate dal tema della ripresa in automobile, aprono e chiudono quello che sembra, a tutti gli effetti, un documentario giornalistico. Ma se inizialmente la chiave della narrazione è proprio la figura del reporter Hassan Farazmand (verosimile alter-ego di Kiarostami nella prima parte del film) che dopo esser venuto a conoscenza del fatto, si appresta a raggiungere casa Ahankah per effettuare lo scoop della sua vita, nella seconda parte è lo stesso regista Kiarostami a entrare in scena, all’interno dell’aula del tribunale dove viene effettuato il processo, con la propria telecamera. E per cucire eventuali buchi narrativi prende pure la parola, interrogando direttamente l’imputato/protagonista, in un duplice close-up, sia verbale che visivo.

LOUISE BROOKS' BDAY

2010-09-20T14:58:00.001+02:00

Bob c'è... ma anche la Mafia!

2010-06-14T10:06:00.007+02:00

Dal Taormina Film Fest

Puntuale, sorridente e apparentemente emozionato, Robert De Niro torna in Sicilia, in occasione del Taormina Film Fest, per la quarta volta nella sua vita. La prima era stata negli anni '60 facendo l'autostop, e le ultime due per le riprese de "Il Padrino", film che gli ha garantito l'Academy Awarld come migliore attore non protagonista, per il ruolo di Vito Corleone. Casual il look, casual lo scambio di battute con il Direttore del Festival, Deborah Young, durante la Master Class che si è appena tenuta al Palazzo dei Congressi di Taormina. L'incontro segue la proiezione di "The Good Shepherd" film che riassume l'incredibile eclettismo di De Niro come attore, regista e produttore insieme. Si parla dei progetti futuri, tra cui il sequel dello stesso "The Good Shepherd", per narrare la storia della CIA dal '61 con la Baia dei Porci e la costruzione del muro di Berlino fino alla sua caduta nell' '89, e poi di un terzo, dall' 89 a oggi. Si parla del rapporto con Scorzese, "caloroso e professionale", e del lavoro con il regista Micheal Mann sulla scena di Heat. Si raccontano piccole curiosità, tra cui l'approfondimento del metodo Strasberg per l'interpretazione di Travis Bickle in Taxi Driver, dove De Niro aveva studiato la psicologia e le debolezze del granchio, i suoi movimenti lineari e laterali, facendoli suoi; ci confida i suoi modelli di riferimento, da Elia Kazan e Marlon Brandon e l'importanza nel lasciare libera espressione alla creatività degli attori che vengono diretti: "Non c'è niente di peggio che chiedere a un attore di far qualcosa che non sa fare". Un'ora piena e intensa di cinema con un re di Hollywood. Non ci ricordiamo di essere in Sicilia finchè, terminate le domande dei giornalisti, un giovane di Gela non prende la parola, per urlare con voce tremante che la mafia non è finita, che la mafia esiste ancora, e che non smette di causare vittime tra la gente. Tra lo stupore generale, De Niro ascolta attentamente il ragazzo, che dice di aver appena perso lo zio e i cugini, proprio a causa della mafia. Siamo in Sicilia. Bob c'è, ma anche la mafia!

Taormina Film Festival

2010-06-13T10:49:00.001+02:00

Deborah Young si racconta

Nella cittadina sicula di Taormina, lungo vicoli intrecciati e salite nascoste, chiese preziose e piazze che sembrano dipinte a mano, tra granite di mandorla e caffé, limone e gelsi neri, ceramiche e boutique di alta moda, si è appena concluso il più atteso appuntamento cinematografico dell’estate, il Taormina Film Fest, giunto quest’anno alla sua 56ª edizione. Dall’alba al tramonto, il Palazzo dei Congressi dell’antica Tauromenion ha intrattenuto cinefili e giornalisti da ogni parte del mondo, con lezioni di cinema, dibattiti, proiezioni di film e ospiti di prestigio. All’imbrunire, poi, il Teatro Antico, affacciato sul mare e sul maestoso Etna, ha premiato alcune tra le personalità più influenti del panorama cinematografico nazionale e internazionale e, indossando gli abiti di cinema a cielo aperto tra i più suggestivi al mondo, ha offerto al grande pubblico una discreta selezione di film in anteprima mondiale. Ad arricchire la kermesse non sono mancate neppure polemiche istituzionali, intoppi diplomatici e piccole rivoluzioni del palinsesto, ma la macchina organizzativa, fatta di giovani dalle inesauribili risorse, è andata avanti senza palesi interruzioni. L’energia umana ha avuto la meglio contro una burocrazia macchinosa e a volte poco intelligente.
Ma la vera paladina di questa 8 giorni di pane e cinema per palati esigenti è una donna gentile e sorridente, anche nei momenti di maggiore tensione, un critico cinematografico di origini statunitensi che vive in Italia da oltre 30 anni e ancora oggi ne è perdutamente innamorata. E’ Deborah Young, direttore delle ultime quattro edizioni del Taormina Film Fest. E, tra un pranzo con Robert De Niro e una conferenza stampa accanto a Emir Kusturica, siamo riusciti a incontrarla facendoci raccontare di se e della sua Taormina.
Dopo mesi di lavoro e di programmazione, il 56° Film Festival di Taormina ha finalmente preso corpo. Lei che ne ha curato ogni minimo aspetto, può dirsi soddisfatta del risultato?
Un Festival è sempre una sorpresa, fino all’ultimo momento non si sa quello che succederà. Decide il destino. C’è chi promette di venire e poi disdice, oppure può esserci qualche conferma inaspettata dell’ultimo minuto, possono verificarsi dei problemi con alcune proiezioni e infiniti contrattempi. Ma nonostante questo, il 56° Festival è stato una favola, un vero sogno. Abbiamo ospitato un entusiasta Robert De Niro dopo due anni di trattative; Colin Firth è riuscito a trovare un giorno tra mille impegni per poterci raggiungere; Emir Kusturica è rimasto tutta la settimana. E poi Dario Argento, Jafar Panahi, Isabel Coixet, Francesco Alliata, Maria Grazia Cucinotto, Cristiana Capotondi, Francesco Scianna, Ambra Angiolini, Nicoletta Romanoff, Margaret Madè, Diane Fleri, Giorgio Pasotti, Ficarra e Picone, e ancora lo stilista Valentino Garavani per il premio Città di Taormina, Totò Schillaci per il premio Cinema e Sport. Non posso dire che il 56° Festival sia stato esattamente come lo avevo immaginato, è stato meglio!
Il Festival in quanto tale rappresenta un momento di incontro e confronto tra produttori, registi e attori, cosa difficile da ripetere durante il resto dell’anno. E’ come se questo tipo di connessioni, specialmente in Italia, fossero atrofizzate e spesso possibili solo attraverso scorciatoie e raccomandazioni. Perché?
Credo che oggi tutti i mestieri vivano un po’ la stessa situazione. Mi chiedo se nel mondo della moda non avvenga lo stesso. Adesso però mi viene in mente Totò Schillaci, con cui ho appena parlato, e forse almeno nel mondo dello sport il talento e la capacità fisica di un atleta è ciò che conta veramente. Però ho notato che anche qui in Italia tutti quei giovani che hanno davvero voglia di sfondare e che lavorano duro per raggiungere i propri obiettivi, alla fine poi ci riescono. Credo dipenda da ogni singolo individuo. Questo dimostra che sforzo e costanza sono le chiavi del successo, non le raccomandazioni.
Ogni edizione del Taormina Film Festival prevede un ospite d’eccezione. Quest’anno è stata invitata la Spagna. E’ stata una scelta mirata?
Negli ultimi quattro anni, da quando sono direttore artistico di questo Festival, abbiamo deciso di fare di Taormina il centro della cultura del Mediterraneo. Ogni anno un paese del Mediterraneo viene scelto come ospite d’onore, in modo da poterne sottolineare le novità cinematografiche. Negli anni passati abbiamo celebrato l’Egitto, la Turchia e la Francia. Quest’anno la Spagna si presentava con molti film particolarmente interessanti, nuovi e moderni, che dimostrano come un paese che per altri versi somiglia moltissimo all’Italia, possa essere capace di generare una produzione incredibilmente contemporanea. Per questo abbiamo chiesto al critico cinematografico Nuria Vidal di fare la selezione dei film spagnoli ed è stato un grande successo.
Anche il Brasile è presente con moltissimi film, possiamo dire che sia un secondo ospite d’onore?
In effetti il Brasile, senza formalizzarsi, è diventato per così dire il nostro fidanzato. E’ il secondo anno che la Camera di Commercio Italo-Brasiliana porta a Taormina il meglio del cinema brasiliano, ma la selezione di quest’anno è stata decisamente superiore a quella dell’anno scorso, quando avevamo dovuto dividere i titoli con il Festival di Roma. Quest’anno invece abbiamo potuto selezionare la Creme de la Creme del Brasile, e non soltanto per quello che riguarda la sua produzione cinematografica. Quest’anno infatti abbiamo anche goduto di un ospite eccezionale come Adriana Calcanhotto, tra i massimi esponenti della Bossa Nova, che il 17 giugno ha affascinato il pubblico del Teatro Antico con uno grande concerto.
Lei che è nata negli Stati Uniti, patria del cinema hollywoodiano, come mai ha scelto di vivere in Italia? E cosa l’ha portata in Sicilia?
Penso sia stato il destino a portarmi in Italia. Sono stata sempre molto affascinata dall’Italia e dalla sua produzione cinematografica del secondo dopoguerra. Sono arrivata in Italia dopo la mia laurea per stare un anno soltanto, ma poi ho avuto l’opportunità di scrivere qui la Tesi e di trovare lavoro presso Variety. Così sono diventata critico cinematografico, scoprendo poi il mondo dei Festival. Ho lavorato al Festival di Venezia con Felice Laudadio ed è stato proprio lui a portarmi a Taormina. E’ stato un passaggio del tutto naturale. Oggi posso ritenermi davvero molto fortunata. Adoro la Sicilia e non c’è nulla che mi faccia più felice che lavorare qui.
Sebbene Taormina non rappresenti esattamente l’esempio più verace della Sicilia…
Personalmente credo che Taormina sia il centro della Sicilia, e non un posto esclusivamente per turisti come dicono in molti. La vedo più come una sorta di porta per dare il benvenuto agli stranieri e permettergli di conoscere e apprezzare la cultura siciliana. Soprattutto durante il Taormina Film Fest. Da qui molti dei nostri ospiti partono per visitare il resto dell’isola e mi capita spesso di consigliare loro luoghi sperduti che adoro. Credo questo sia un ottimo modo per rendere accessibile una delle regioni più affascinanti d’Italia.
Tornando al Cinema, come vede lei il Cinema italiano contemporaneo?
Il Cinema italiano è sempre stato la mia passione. Sono specializzata in Cinema Italiano e la mia Tesi di Laurea trattava proprio il cinema politico italiano degli anni ’70 e ’80. Posso dire però che negli ultimi anni lo trovo piuttosto deludente. E non mi riferisco a esempi clamorosi come Gomorra o Il Divo che sono bellissimi film, ma all’industria cinematografica in se stessa, che ritengo molto addomesticata, televisiva e molto meno graffiante del cinema spagnolo ad esempio, al quale somiglia. Mi piacerebbe che i registi italiani più incisivi avessero maggiori possibilità di girare film. Almeno un film all’anno e non uno ogni tre o quattro anni.
Qual è dunque il problema della cultura italiana. Perché non riusciamo a essere innovativi e competitivi come altri vicini di casa?
Credo che gli italiani siano un popolo molto creativo. Il problema qui è legato al sistema industriale cinematografico. Il Cinema è un settore carissimo e realizzare un lungometraggio costa davvero tanto. In Italia il sistema produttivo è decisamente viziato e legato in maniera smisurata a una televisione che non vuole film moralmente inaccettabili. In altri paesi c’è maggiore libertà di espressione. Non perché in Italia ci sia la censura, ma qui si manifesta un fenomeno molto peggiore, che è l’autocensura produttiva ed economica. E’ questo il vero problema.

Palermo ladra. Palermo onesta

2010-04-11T11:41:00.004+02:00

Sono le 11.10 di un sabato di primavera palermitano, condizione ideale per una passeggiata in centro storico. La signora Paola esce di casa per prendere l’autobus alla fermata di Via Croce Rossa ed ecco come appena pochi istanti possano bastare per incupire la mattinata appena cominciata. Attraversando la via dei Leoni, due ragazzini in motorino strappano violentemente la borsa dalle mani della giovane signora, fuggendo via veloci. Criminali. Tutto avviene in una frazione di secondi, infinitamente pochi perché le urla della vittima possano spingere all’azione i passanti assopiti nella loro quotidianità, ma abbastanza per imprimere negli occhi sconvolti di Paola il giubbino bianco e il cappellino con la visiera di uno dei due ladruncoli. Nella borsa c’era tutto. O quasi. Il cellulare è rimasto nella tasca della giacca. La signora Paola chiama il 113, denunciando l’accaduto. Sono le 11.12. Il centralino della polizia diffonde la notizia alle pattuglie vicine. Un elicottero, chiamato a sorvolare la zona per una precedente denuncia, è ancora in quota. Trovati! La descrizione della signora Paola coincide esattamente con la vista di due giovanotti in motorino nei pressi di Pallavicino. L’allarme raggiunge le due pattuglie già in movimento. I due ragazzini vengono accerchiati. Presi! Sono le 11.27. Immediata la confessione. Addosso hanno soltanto il bottino: €140,00. E la borsa? (Dentro c’erano chiavi di casa e il portafoglio con tutti i documenti e le carte di credito). Dicono di averla lanciata in un cassonetto di San Lorenzo. Una pattuglia, accompagnata dai due minorenni arrestati, si mette subito alla ricerca della refurtiva; l’altra pattuglia ha già raggiunto la signora Paola, comunicandole il ritrovamento dei due ragazzini. Sono le 11.35. Sebbene la borsa non sia stata ritrovata dalla polizia, l’efficienza del suo intervento, la tempestività della segnalazione e la cattura dei due aspiranti Lupin ci lascia davvero di stucco. Ma non è finita qui. Sono le 14.30. La signora Paola, provata dalla mattinata, è appena rientrata a casa insieme al marito, e non può lasciarla finché la serratura non sia sostituita. Qualcuno potrebbe essere in possesso delle chiavi. Suona il citofono. Una ragazza con un dolcissimo sorriso ha trovato la borsa con tutti i documenti, il portafoglio e le carte di credito al lato di un cassonetto sotto casa; ha indossato i panni di Sherlock Holmes e si è messa immediatamente in cerca della sua proprietaria. Il quadro è chiuso. Il sole è tornato a splendere. L’onestà e il buon senso esistono anche qui.

Pubblicato su Livesicilia.it

"Palermo privata"

2010-04-06T15:16:00.004+02:00

Lo dice il New York Times

Palermo sporca. Palermo mafiosa. Palermo corrotta, provinciale, violenta, criminale. Lo sappiamo bene. Ce lo ricordano ogni mattina i quotidiani insieme al caffé; i telegiornali a ora di pranzo e cena; le stesse lagne tra noi concittadini al bar, o dal giornalaio, dal barbiere o al supermercato. Nessuna novità. Ma da oggi possiamo vantare un nuovo epiteto, che probabilmente sorprenderà tanti di noi: “Palermo Privata”. E’ il titolo di un recente articolo pubblicato da Jim Lewis sul New York Times. Una lunga, appassionata descrizione della nostra città, attraverso gli occhi di un visitatore americano che, sognando una città solare, energetica e latina, scopre invece una città chiusa su se stessa, privata, desolata. «Una città spettrale – la definisce Lewis - una città di fantasmi e rovine, tra le quali gli abitanti scivolano lentamente senza batter ciglio […]. Una città “dell’altro mondo” più che del terzo mondo (come la definisce un interlocutore al mercato), piena di segreti e molto, molto bizzarra». Nell’immaginario di Lewis la nostra Conca d’oro echeggia ora quei desolati paesaggi dell’artista Hubert Robert, ora la tacita sottomissione agli eventi raccontata in “L’Avventura” di Michelangelo Antonioni. Succede qualcosa di terribile, nessuno parla. Così è per la scomparsa di Anna (Lea Massari) nel film di Antonioni. Così per il trafugamento del Caravaggio dall’Oratorio di San Lorenzo nel 1969. Palermo è Palermo. Neppure parallelismi con altre città come Napoli o L’Avana soddisfano il giornalista del New York Times. «Come Napoli, Palermo è famosa per le sue depradazioni, per la criminalità e la disoccupazione; ma Napoli è decisamente più caciarona e mondana. Come L’Avana, Palermo trasmette quell’aria di solitudine ed eleganza decomposta. Ma se L’Avana è una città aperta e affacciata sulla strada, Palermo, nonostante i suoi mercati e i tanti ristoranti sui marciapiedi, nasconde la propria vita all’interno delle case, nascosta dietro le tende». L’autore deve aver girato per giorni alla ricerca di un cenno da parte dei palermitani, senza successo. L’unico ad avergli rivolto la parola sembra esser stato un venditore ambulante che, avendo vissuto in California 10 anni prima, deve aver imparato quanto sia piacevole sentirsi accolti in una città straniera. «Nessuno ti scoccia, nessuno ti assale, nessuno offre aneddoti o indicazioni per turisti, nessuno ti chiede da dove vieni». Questa è, e sarà, Palermo per Jim Lewis. Questa è l’immagine di Palermo per chiunque abbia letto la tua testimonianza. Una città diversa da quella per cui ci lagniamo noi palermitani. Una Palermo ripulita dagli affetti di chi la abita e dalla retorica dei nostri media.

leggi l'articolo su nytimes.com

Per favore non chiamatela Arancia Meccanica!!!

2010-04-01T21:17:00.005+02:00

Immagine pubblicata su Repubblica - Palermo

Autore satirico e illustratore, pittore e cittadino palermitano, Gianni Allegra è uno dei più illuminati artisti siciliani. Ha collaborato con l Siciliani, L’ora, Avvenimenti, Linus, L’unità, Tango, Cuore, Comix e dal 1999, con le sue irriverenti vignette sulle pagine di Repubblica, ci ha raccontato una società che sembra aver perso, ormai definitivamente, ogni briciola di originalità. Nella sua brillante carriera ha colorato più di 5.000 facce della Mafia e della criminalità siciliana; oggi, in un clima sociale che sembra voler ricordare, minuto dopo minuto, che la violenza esiste e persiste nelle case e nelle piazze, sui marciapiedi e nelle sacrestie, nelle migliori famiglie e negli autobus, in TV e nelle istituzioni, chiediamo a lui il perché di tanta violenza, e se esiste una ricetta che possa annientarla.

L’attentato di Fragalà, la testa di capretto a Campagna, le minacce agli assessori regionali, l’assalto ai controllori sul bus, stupri, atti di criminalità, cos’è tutta questa violenza?
Stiamo attraversando sicuramente un periodo di grande difficoltà sociale, ma si tratta di barbarie diffuse su tutto lo stivale. Palermo è certamente una cassa di risonanza perché qui è più semplice l’associazione ad atri fenomeni di criminalità, ma credo che se parliamo di violenza oggi, Palermo sia semplicemente una città globale, culla di una violenza cinematografica, come ogni altro angolo del mondo occidentale. Ma per favore non chiamatela Arancia Meccanica.

In che senso?
Mi capita spesso di leggere, su riviste e quotidiani, la parola violenza associata al più bel film della storia del Cinema. In Arancia Meccanica di Kubrick, il mio film preferito, la violenza c’è, ma è solo uno strumento per parlare del libero arbitrio, che è il vero tema del film. Una cosa ben diversa. Così si crea solo confusione.

Torniamo alla violenza in Sicilia. Nessuno stupore dunque?
No, oggi non potrei immaginare la Sicilia in maniera differente. Ma ammetto che è molto difficile identificare limiti e confini. Ogni cosa è tutto e il suo contrario. La stessa Mafia ha abbandonato i suoi antichi strumenti, si è spogliata delle coppole storte e dei kalashnikov e ha indossato colletti bianchi e abiti borghesi; è diventata educata, nonviolenta e diplomatica, ma quando non trova soddisfazione nei nuovi strumenti, torna a messaggi antichi, ai vecchi stereotipi.

Si riferisce alle minacce e alle teste di capretto?
Si, ma mi sembra veramente anacronistico parlare di cose simili nel 2010. Sembra di evocare atmosfere di 50 anni fa. E dire che negli anni Orlandiani si respirava un certo benessere intellettuale. Allora per lo meno “chi mangiava poteva far molliche”, oggi non c’è nessuna pietanza. C’è solo pietà. E la violenza è inversamente proporzionale alla cultura. Ma oggi in Sicilia non c’è spazio per la vera cultura, per la letteratura, per l’arte, per il cinema… Ci omologhiamo alla violenza televisiva. Che altro possiamo aspettarci da una simile condizione sociale? Lo stesso avviene nel linguaggio. Fino a 40 anni fa la trasgressione era l’utilizzo indiscriminato del turpiloquio. Oggi anticonformista è chi utilizza un linguaggio pulito e accurato.

Che soluzione intravede all’orizzonte?
Possiamo affidarci solo alle nuove generazioni, ma anche lì dobbiamo impegnarci. Siamo noi i modelli per i nostri figli. L’educazione, la cultura, l’arte, la musica sono le nostre ancore di salvezza. E un esempio come Barack Obama ci insegna che il nostro destino dipende dalle nostre scelte. Il cambiamento è difficile in certi contesti, ma è sempre possibile. Santo libero arbitrio…

Lei che è un artista, solito a rappresentare la società attraverso vignette e disegni, se dovesse rappresentare la violenza di questi giorni, cosa disegnerebbe?
Ultimamente ho pubblicato su Repubblica una vignetta sulla violenza. Era una citazione del film Ombre Rosse diretto da John Ford. Una squadra di indiani che assaliva un autobus. Ho abbandonato i soliti topi mafiosi.

La voce di Giorgia Meli protagonista al Mikalsa

2010-03-15T11:00:00.007+01:00

Domani sera, martedì 16 marzo, alle 22,00, la voce di Giorgia Meli, arricchita di nuove e intime creazioni musicali, tornerà a sedurre il pubblico del Mikalsa per la rassegna Singers. Passando dal jazz al pop, dalla ballata a ritmi serrati, Giorgia ricerca suoni che non siano estranei alle parole, come se gli strumenti musicali fossero una voce in più per raccontare piccole storie. Grazie al successo degli ultimi anni, insieme a numerose premiazioni (“Premio Massimo Urbani” nel 2000, Primo Premio al “My Way Festival” e al “Moncalieri Jazz Festival” insieme al gruppo vocale “Naima” nel 2009) e importanti collaborazioni (tournée al fianco di Mario Venuti nel 2008), la cantante palermitana ha finalmente liberato il desiderio di esprimere se stessa attraverso l’uso sempre più sperimentale delle sue doti vocali, accompagnata dalle dolci note del suo ormai inseparabile pianoforte.
Con lei, sul palco, il chitarrista Lino Costa, arrangiatore e produttore artistico del progetto, il contrabbassista Gabrio Bevilacqua e il batterista Fabrizio Francoforte.

Ingresso 2 euro
Mikalsa su Myspace
Giorgia Meli su Myspace

Faremo della musica popolare siciliana un Patrimonio dell’Umanità

2010-03-12T10:30:00.003+01:00

Dopo il grande successo del volume musicale Musica da Saloni, suoni e memorie dei barbieri di Sicilia (Nuova Ipsa Editore, 2009), elogiato dalla stampa e dalla televisione, sbarcato in America e vincitore di premi e riconoscimenti nazionali, adesso l’inarrestabile Compagnia di Canto e Musica Popolare di Favara sta già lavorando su nuovi progetti musicali ed editoriali. «Abbiamo cominciato a suonare quando avevamo ancora i calzoncini corti» racconta un entusiasta Maurizio Piscopo, curatore, insieme a Gaetano Pennino, del progetto Musica da Saloni; e oggi, che sono passati più di 35 anni, Giuseppe Calabrese alla chitarra, Antonio Lentini al contrabbasso, Nino Nobile al bouzouki, lo stesso Piscopo alla fisarmonica e il maestro Mimmo Pontillo a mandolino, mandola e contrabbasso, continuano, appassionati, a lavorare per realizzare quel sogno che li ha uniti fin dal primo giorno: «fare della musica popolare siciliana un Patrimonio dell’Umanità, come il Fado in Portogallo». Tra i progetti futuri, accanto a I canti dei Carusi di Solfatara e La Ballata degli Emigranti, il nuovo libro musicale, Le Serenate al chiar di luna, raccoglierà storie e memorie dei corteggiamenti musicali sotto i balconi delle fanciulle amate, usanza popolare diffusissima fino a 50 anni fa; un dono alla memoria per chi potrà ricordare e una favola per far sognare bimbi e nuove generazioni.

50 film, 5 oceani, 20.000 vincitori

2010-03-12T10:08:00.003+01:00

Il San Francisco Ocean Film Festival premia i pescatori siciliani di Franco La Cecla

Cosa spinge una giuria di professori, imprenditori e sportivi americani, riuniti attorno al tavolo di uno dei più importanti Film Festival di settore al mondo, a prediligere, tra gli oltre 50 film in gara, un documentario italiano che narra le vicende di una comunità di pescatori siciliani del golfo di Gloucester, a nord di Boston? La maggior parte dei film cavalcavano le onde con i surf e dipingevano le fantastiche scenografie dei mari del nord, con iceberg e pinguini; si inabissavano nel profondo blu per guardare da vicino cavallucci marini, delfini, e specie in estinzione; parlavano di ecologia e inquinamento, di paradisi da proteggere e di spiagge da sogno; uno soltanto, “In altro mare” dell’antropologo siciliano Franco La Cecla, parlava di persone, di 20.000 immigrati di 4° o 5° generazione, provenienti da Terrasini e impegnati in una lotta quotidiana, e impari, con la nebbia e con l'industria multinazionale della pesca che ogni giorno mette a dura prova la stessa esistenza della pesca tradizionale. Ed è stato premiato. Forse è stata la sorpresa di qualcosa di cui non si sospettava l’esistenza o magari l’anticonformismo dell’argomento trattato, fatto sta che i siciliani, seppur senza tavola da surf, sono ancora una volta sulla cresta dell’onda.

Il primo Venture Capital in Sicilia si chiama MOSAICOON

2010-03-12T10:04:00.004+01:00

Viral video & interactive, stats, target views sembrano, a noi profani del web e della tecnologia, vocaboli indecifrabili ed ermetici. Eppure sono la linfa di Belsito Media s.r.l., la società siciliana di giovanissimi cervelli, fondata a Palermo nel 2007 che, dopo un crescendo di successi internazionali e riconoscimenti, oggi ha ottenuto il primo Venture Capital in Sicilia, cioè il primo investimento di capitali su una società nascente scelta per le sue idee innovative e per il management di qualità. €650.000 che la Vertis sgr, società di Private Equity, ha scelto di investire sulla creatività e sull’innovazione siciliana. Sorprendente! Ma ancora più interessante è sapere che all’origine di questo importante successo vi è un giovanissimo siciliano, Ugo Parodi Giusino, un 28enne appassionato di video e tecnologia che, oltre ad essere fondatore e amministratore della Belsito Media, ha da sempre creduto nelle infinite risorse di creatività e sviluppo della sua Sicilia.

Dall’esperienza di Belsito Media e grazie al capitale di Vertis sgr nasce dunque MOSAICOON S.p.A., una società di comunicazione online, cui principale innovazione è la scelta di mettere l’utente al primo posto nella scala dei valori, creando campagne pubblicitarie “che non siano incentrate soltanto sul prodotto, ma che offrano un valore aggiunto in termini di narrazione, di storia, di diletto”. «Un po’ come il vecchio Carosello!» esordisce Parodi Giusino, amministratore della MOSAICOON. «Inoltre – continua - noi offriamo ai nostri utenti una pubblicità non-invasiva che, a differenza dei pop-up che si aprono mentre consultiamo una pagina, viaggia sul web attraverso i siti che ne parlano, i blog e le community. Creiamo dunque Viral Video: video, intriganti e divertenti, che si propagano sul web attraverso il passaparola della condivisione online.» Oggi, accanto a Ugo Parodi Giusino, sono tre le figure chiave del progetto: Juan Serrano Ortiz, art director, Giuseppe Costanza, esperto in tecnologia e Marco Imperato, “seeder”, che si occupa cioè della distribuzione in rete. Tutti under 30. Ma nei prossimi anni, grazie al finanziamento del Venture Capital, la MOSAICOON S.p.A. prevede di incrementare la propria produttività assumendo altre 20/30 figure altamente specializzate, scegliendo tra l’altissimo potenziale di cervelli nel territorio siciliano.

Dalla friggitrice al web…

2010-02-23T12:56:00.004+01:00

Ecco a voi PC…PANELLE E CROCCHé!

Farina di ceci e prezzemolo, patate, mentuccia e pangrattato, e poi ironia, comicità, informazione, e ancora attori e sceneggiatori di qualità, uno staff tecnico giovane e professionale, la passione per l’innovazione e l’anticonformismo, olio per friggere in abbondanza, un pizzico di sale e tanta sana sicilianità. Ed ecco a voi una vera prelibatezza “palemmitana”: PC…Panelle e crocché, la nuova web sitcom siciliana, prodotta da Serverstudio, Server e Novantacento, che andrà in onda, da febbraio 2010, su BlogSicilia.it, Livesicilia.it e Panellecrocche.it.
Personaggi esilaranti e storie di vivida attualità, raccontate attraverso i più semplici momenti della vita quotidiana, sono alla base di questo nuovo format online, capace di divertire le più diverse qualità di pubblico grazie alla grande finestra virtuale che però, come ogni situation commedy che si rispetti, prevede ogni settimana un appuntamento fisso con il proprio pubblico. PC…Panelle e crocché è un nuovo genere di commedia, un prodotto web che nasce su internet, dove si nutre, cresce e si distribuisce. Location della sitcom sarà la più antica e rinomata friggitoria palermitana, l’Antica Focacceria San Francesco, che ha accolto con grandissimo entusiasmo l’innovazione di PC…Panelle e crocché: «La fusione tra la storia pluricentenaria della Focacceria San Francesco e l’innovazione tecnologica del web, della sitcom online, e della presa diretta è la parte più interessante di questo progetto. Sono sicuro che ognuno di noi ne trarrà grandi soddisfazioni – racconta un’entusiasta Fabio Conticello, titolare, insieme al fratello Vincenzo, della Focacceria San Francesco che, dal 1848, accoglie quotidianamente, nella storica sede di Piazza San Francesco, migliaia di clienti di ogni ceto ed etnia, accomunati dalla passione per il fast food tipicamente siciliano, dalle panelle alle crocchè, dallo sfincione al pane ca’ meusa.

«La friggitoria rappresenta l’essenza stessa della società palermitana – racconta Fabiana D’Urso, sceneggiatrice e regista della web sitcom PC…Panelle e Crocché, con un brillante passato alla Rai e Mediaset – un luogo fisico che racchiude, non soltanto i più tradizionali generi gastronomici, ma soprattutto le più svariate prelibatezze dell’umanità». Protagonista della storia, è la famiglia Schillaci, titolare dell’omonima friggitoria, una famiglia di panellari da generazioni, di sani principi e dalle idee conservatrici, attorno alla quale si muovono, con “la grazia e la discrezione” di ogni siciliano che si rispetti, una dozzina di quotidiani avventori, personaggi sapientemente caricaturizzati che, con le loro storie e i loro racconti, condiscono la comicità di questa divertentissima sitcom online. Ma sono la presa diretta e l’interattività con l’utente, le eccezionali novità di PC… Panelle e Crocchè, il primo esperimento, tutto siciliano, di sitcom online ad essere mandato in onda senza alcuna post produzione o registrazione. «Richiediamo agli attori professionalità, massima naturalezza e disponibilità all’eventuale improvvisazione. I tempi sono quelli del teatro – continua Fabiana D’Urso – Inoltre non ci sarà alcuna scenografia. Poche luci. Nessuna inquadratura di stampo televisivo. La telecamera cercherà di ricreare lo sguardo umano, affinché chi guarda la sitcom dal monitor del computer, possa sentirsi, insieme ai personaggi, all’interno della stessa Focacceria». Nonostante la naturalezza dell’audio e delle riprese, dunque, tutto è stato meticolosamente studiato dal primo all’ultimo ingrediente. Tutto è ormai pronto. E come quel pizzico di sale che su panelle e crocchè calde non può davvero mancare, la folcloristica ed elegante sigla di PC, con le tre bellezze dalle ugole raffinate Jerusa Barros, Giorgia Meli ed Eleonora Tomasino con gli arrangiamenti di Lino Costa, è già sul web, cliccando su Panellecrocche.it. Spicca così il volo, tra le mura della più antica friggitoria palermitana, la coraggiosa avventura di PC…Panelle e Crocché, che andrà in onda, puntuale e in mondovisione, su BlogSpot.it, livesicilia.it e panellecrocche.it, subito dopo pranzo, ogni martedì, immediatamente prima della pennichella pomeridiana per intenderci. Buon caffè e buona visione a tutti!!

Bastardi modello

2010-02-05T13:22:00.005+01:00

“Il sangue ha lo stesso colore per tutti, da Guglielmo I d’Inghilterra a Totò, da Ray Charles a Leonardo da Vinci. Tutti bastardi, figli del libero amore” Progetto Terremoto di Oliviero Toscani

Sono 9 donne e 10 maschietti, tutti rigorosamente bastardi e tutti siciliani, i super modelli di Meglio soli che male accompagnati, la nuova campagna sociale contro il randagismo firmata da Oliviero Toscani, a favore della Lega Nazionale per la difesa del cane e resa possibile grazie al contributo di Almo Nature.
I 19 fotomodelli, originari di Castelvetrano, Marsala, Trapani e Palermo, immortalati nei canili delle suddette città, gireranno tutta l’Italia nelle pagine di Razza Bastarda, il calendario realizzato dai giovanissimi ragazzi del Progetto Terremoto di Salemi con il supporto de La Sterpaia, la moderna bottega dell’Arte della comunicazione, sotto la direzione artistica di un inarrestabile Oliviero Toscani. Un “bastardo modello” per ogni mese dell’anno; storie, informazioni e curiosità per ogni pagina del calendario. Bravissimi Giacomo Costa, 22, Emanuele Giattino, 25, e Federico Mauro, i fotografi siciliani che hanno realizzato gli scatti, ma quelle espressioni, la forza degli sguardi, quelle pose, quei caratteri così trasparenti non potevano essere progettati. Non vi è supplica, né pietà, nessuna ricerca di carezze, e neppure voglia di tenerezza; Razza Bastarda è la semplice espressione della realtà, così forte da bloccare il fiato, tanto vera da metter quasi paura. “L’arte contemporanea è, e deve essere, l’espressione massima della condizione umana, e non può che mostrarci la realtà in cui viviamo - dice Oliviero Toscani - l’arte è un mezzo di comunicazione e come tale deve essere utilizzato per diffondere e divulgare un messaggio”.
E se è vero che esiste una calendariomania che travolge tutte le generazioni, e una tendenza a clonare gli stereotipi da calendario, allora questi sono i “bastardi modello” da emulare, questo è il calendario da collezionare. Il messaggio è chiaro e semplice: “La combinazione di geni e culture differenti, non può far altro che generare sorprendenti evoluzioni. Razza Bastarda non è un insulto, non un’offesa; indica piuttosto quella moltitudine che caratterizza la realtà del mondo moderno”.

Il calendario, che verrà presentato alla stampa martedì 1 dicembre 2009, alle 12, presso il cortile Richiniano dell’Università degli Studi di Milano, sarà disponibile presso tutti i Pet shop che espongono prodotti Almo Nature e sul sito www.legadelcane.org al costo di €10. Il ricavato verrà interamente devoluto in beneficenza alla Lega Nazionale per la difesa del cane.
Guarda il videoclip

MARIA LAURA BACCARINI allo Spasimo

2010-02-05T13:14:00.000+01:00

Il jazz è sempre stato simile al tipo d'uomo con cui non vorreste far uscire vostra figlia
Duke Ellington

Provocante, seducente, intrigante, e mai uguale a se stessa come la musica jazz, la splendida voce di Maria Laura Baccarini sarà protagonista questa sera e domani, alle 21.30, della rassegna “Musiche del Nostro Tempo”, organizzata dalla Fondazione Brass Group, al Piccolo dello Spasimo di Palermo.
La Baccarini, cantante, attrice di teatro e ballerina, trapiantata a Parigi da 5 anni, interpreterà le melodie dei più grandi autori di musica jazz di tutti i tempi: da Cole Porter a George Gershwin, da Joni Mitchell a Burt Bacharach, da Kander and Ebb a Stephen Sondheim, accompagata dai giovanissimi Roberto Brusca al piano, Diego Tarantino al contrabbasso e Gaspare Costa alla batteria.
Curiosando dietro le quinte e sbirciando alle prove abbiamo avuto modo di apprezzare la donna oltre che l’artista, e il suo incredibile appeal verso i musicisti appena conosciuti, così come nei confronti di un pubblico improvvisato e incantato dalla sua voce. Ironica, irresistibilmente dolce e piena di grinta, la Baccarini emana un’aurea di luce quando parla come quando canta, e si diverte, ride e il buon umore non la lascia mai un attimo. “I get no kick from champagne… Mere alcohol doesn't thrill me at all… So tell me why should it be true… That I get a kick out of you?” canta il suo adorato Cole Porter in un inglese perfetto, segno di molti anni di lavoro negli Stati Uniti e, tra una strofa e l’altra, traduce in italiano ai musicisti, perché “è necessario che la musica evochi lo stato d’animo delle parole. E se i musicisti interpretano un pezzo partendo dal suo significato, magicamente anche il pubblico ne capirà il messaggio”. Maria Laura ci racconta che da piccola era incredibilmente affascinata da Ella Fitzgerald e Billie Holiday, poi con gli anni si è distaccata da questi riferimenti, trovando una propria forma di espressione, ma quelle voci sono rimaste parte di se. E si vede. “La musica è per me come un paesaggio o un’atmosfera che ho visto, che mi ha colpita, e che mi rimane dentro come riferimento per tutto quello che vedrò in seguito – racconta la Baccarini - E’ come il colore del mare di Favignana, al quale non posso far altro che paragonare tutti gli altri mari del mondo”.

Venerdì 4 e sabato 5 dicembre - alle 21.30 - al ridotto dello Spasimo - €6

Maria Laura baccarini è una Performer completa.  Attrice, ballerina, cantante e showgirl. La sua carriera nel musical inizia con "A Chorus line", nel ruolo della protagonista Cassie; sarà in seguito protagonista de "Il giorno della tartaruga", "Cabaret" e "Gigi" e nel ruolo di Anita in "West Side Story”. Nel '97 è protagonista di "Stanno suonando la nostra canzone" per la regia di Gigi Proietti, "Taxi a due piazze" (ancora regia di Proietti), "Promesse Promesse" per la regia di Johnny Dorelli e della versione italiana di "Chicago" (Roxie Hart).  Da 4 anni Maria Laura è impegnata in Francia in vari concerti, uno dei quali "Nuit Américaine" insieme alla star francese Lambert Wilson e alcuni dei più importanti musicisti del panorama jazz contemporaneo francese.  Nel 2009 è protagonista insieme a Maurizio Micheli della farsa “Il Letto Ovale”.  Attualmente è in scena in Francia insieme a Régis Huby e il suo Quintet (violino, contrabbasso, chitarra elettrica, clarinetto e batteria) con il concerto “FURROW – A Cole Porter Tribute”, un repertorio Cole Porter con gli arrangiamenti e la direzione musicale di Régis Huby, presentato in prima assoluta lo scorso anno al Roccella Jazz Festival e al festival Voci dal Ghetto di Trieste.  

Vita, morte e miracoli del quotidiano

2010-02-05T13:10:00.001+01:00

Di progenitori latini - si chiamavano Acta Diurna Populi Romani le prime pubblicazioni quotidiane risalenti alla Roma del 58 a.C. sotto l’imperatore Giulio Cesare – e nonni cinesi - il primo giornale su carta stampata risale al 748 a Pechino – il primo giornale periodico di informazione ufficiale, La Gazette, viene fondato a Parigi nel 1631 dal Cardinale Richelieu, governatore di Francia insieme a Luigi XIII. Ma dovremo aspettare fino al 1783 perché venga pubblicato in America il primo giornale quotidiano così come lo concepiamo oggi: è il Pennsylvania Evening Post, che sarà diffuso nel resto mondo solo nel corso del 1900.
Sopravvissuto alla nascita dei nuovi media, alla tv, alla radio, il quotidiano ha continuato a riprodursi e moltiplicarsi senza sosta. Fino a oggi. Attualmente, nel mondo, si contano più di 10.000 giornali quotidiani ufficialmente registrati. Il quotidiano si adegua alla realtà. Si modifica in base alle esigenze dei consumatori. Il formato diventa tabloid, più compatibile con la mobilità della nostra società, più piccolo, più pratico, più giovane. Tutto sembra roseo per il suo futuro. Quasi tutto. Alla fine degli anni ‘90 nasce, infatti, il fratello eclettico, innovativo e dinamico del quotidiano, che in brevissimo tempo si dimostra decisamente più attraente per i consumatori più giovani: è il primo quotidiano online. I dati Istat dicono che negli ultimi 10 anni gli utenti più giovani si siano via via lasciati conquistare da questo nuovo canale di informazione, gratuito, costantemente aggiornato, dinamico, intuitivo, determinando così la crisi del media che più di ogni altro ha contribuito a dare una lettura critica dell’attualità. Dimenticando per il momento di soffermarci sulla qualità delle informazioni della carta stampata, rispetto all’overdose di informazione formato web, interessiamoci, per il momento, del pane quotidiano del quotidiano: il fattore economico. La concorrenza gratuita ha determinato negli ultimi anni un pericolosissimo calo nelle vendite dei quotidiani su carta stampata (negli Stati Uniti l’Audit Bureau of Circulation ha annunciato un calo del 10,6% nelle vendite dei quotidiani nell’ultimo anno) con effetto diretto sugli incassi pubblicitari e sui bilanci delle aziende; il primo quotidiano degli USA per diffusione, il Wall Street Journal, ha dichiarato la chiusura della sua sede di Boston, provocando numerosi licenziamenti; Bill Keller, direttore del New York Times, ha dichiarato un’ulteriore riduzione del personale (a casa oltre 100 giornalisti entro la fine dell’anno, che si aggiungono ai 100 licenziamenti del 2008); molte case editrici d’oltre oceano hanno tagliato le edizioni del week-end. E’ crisi o piuttosto la chance per una straordinaria evoluzione del forse troppo statico mondo del giornalismo? Mentre Murdoch, il più grande magnate dei quotidiani del mondo, oltre 40 testate in tutto il mondo, reagisce proponendo newspaper a pagamento sul web, il governo francese punta invece sul pubblico più giovane, lanciando una promozione per riconquistare i ragazzi alla lettura del quotidiano. Si chiama Mon journal offert (www.monjournaloffert.com) e prevede un abbonamento gratuito a un quotidiano a scelta, per tutti i ragazzi di età compresa tra i 18 e i 24 anni. In Italia invece, come al solito, si preferiscono le parole, ed ecco che ogni anno un interessante convegno nazionale, Crescere tra le righe, riunisce i direttori e i presidenti dei più importanti quotidiani italiani, per studiare la situazione dell’editoria italiana, riflettendo sulle soluzioni da adottare per interessare il pubblico più giovane. Ossigeno. Massaggio cardiaco. Trattamento antibiotico. Tutte misure generose e positive per salvare la vita del caro vecchio quotidiano. Ma se invece il suo cuore avesse invece già smesso di battere?

Il mito si fa film

2010-02-05T13:07:00.000+01:00

THIS IS IT

Se svegliarsi la mattina seguente la proiezione del film con il battito cardiaco travolto dall’emozione, l’energia dentro orecchie e il ritmo della musica nelle palle degli occhi, può essere indice di giudizio, allora sì, This is it è uno straordinario successo! Quello che si preannunciava come lo spettacolo più atteso del secolo: il grande ritorno di Michael Jackson in concerto, lo show che fans di tutto il mondo aspettavano dall’ultimo show del 1997, che avrebbe accolto più di 5.000.000 di spettatori, e per il quale erano stati spesi oltre 20 milioni di dollari, oggi si materializza, o meglio si smaterializza, nelle sale cinematografiche, in versione digitale. Medesima la regia (Kenny Ortega e Michael Jackson), stessa la musica (20 tra i più grandi successi), quasi completa la scenografia (mancava poco meno di un mese alla prima londinese dello spettacolo quando, il 25 giugno 2009, MJ è volato per sempre nella sua Isola che non c’è), uguali gli interpreti (12 ballerini, 7 musicisti, 4 coristi). Unica differenza: il This is it cinematografico non racconta lo stesso spettacolo che sarebbe poi andato sulla scena; svela invece il suo backstage, il dietro le quinte, una piccola briciola delle infinite ore di preparazione di quello che lo stesso Re del Pop aveva preannunciato come il suo ultimo spettacolo. E se le energie infuocate dei 12 eccellenti ballerini, selezionati duramente, sono da brivido, la scioltezza e la naturalezza nei movimenti di un MJ che pure cercava di risparmiare energie e voce, lasciano semplicemente a bocca aperta. Il suo stile è unico, la sua classe inclonabile, il suo talento soprannaturale. La fragilità della persona, l’ingenuità da bambino di 5 anni nascosta dietro una vita da star e la delicatezza di un essere impreparato alla malvagità del mondo umano, possono solo tradire la sua voce quando la musica è spenta. Ma sul palco Jackson, Michael Jackson è un vero super eroe. Un artista eccezionale. Un mito. Che nonostante la dote innata, però, non rinuncia a una professionalità maniacale, al lavoro durissimo, alla ricerca incessante della perfezione.

Non sappiamo se Michael Jackson avrebbe mai accettato la pubblicazione mondiale di un film documentario come This is it; ma se è vero che lui stesso viveva ogni esibizione come un regalo per il suo pubblico, come un gesto d’amore da condividere, come un debito per i suoi milioni di fans, allora sì, possiamo considerare questo film come l’ultimo vero grande dono della pop star più grande e discussa di tutti i tempi.

Sgarbi, l’altro

2010-02-05T13:04:00.002+01:00

Solo, davanti a un pubblico quieto e interessato, curioso di vedere l’insolito Sgarbi nei panni del solito, o il medesimo Sgarbi nelle vesti dell’altro, insomma “Sgarbi, l’altro” in scena fino a questa sera (fino al 15 novembre) al Teatro Ciak di Milano.
Il sindaco di Salemi, Vittorio Sgarbi, lo studioso Vittorio Sgarbi, il letterato, il critico, il politico, il televisivo, Vittorio Sgarbi l’opinionista, il collezionista, l’oratore, il narciso, l’uomo, si sono fatti, per oltre due ore, uno soltanto. Mancava il polemico, mancava l’iroso, mancava l’urlatore, mancava il seduttore. Meglio così. Ci ha dato modo di apprezzare quella sua voce, così limpida e profonda, come un vero attore di teatro. Lui sulla scena vuota, altro perché privo di quegli altri che lo fanno notoriamente irritare, felice di poter essere se stesso.
Entra sulla scena, in abito clericale, si posiziona davanti a un leggio e interpreta, con voce modulare, ora mite e sommessa, ora aspra e imputante, le parole dell’ebreo Yossl Rakover, nella sua lettera al Dio di Israele, sorde tra gli spari del ghetto di Varsavia, violente e toccanti nel silenzio della sala (Yossl Rakover si rivolge a Dio, di Zvi Kolitz). Legge per oltre 20 minuti, e il pubblico non batte ciglio, ascolta. Sgarbi esce dalla scena. E quando rientra, vestito alla Sgarbi stavolta, lo spettacolo ha inizio. Parla di storia e di attualità, di letteratura e arte, di poesia, di musica. E raccorda, con un’arte che gli è particolarmente congeniale, epoche distanti e argomenti apparentemente differenti per spiegare la realtà in cui viviamo. Dal crollo delle torri gemelle a quello della chiesa di San Francesco ad Assisi, dalle brutali demolizioni di testimoni della storia da parte dell’urbanistica odierna, al potere comunicativo della censura. Il riferimento alla Sicilia, poi, è costante. Dall’orrore delle pale eoliche a quella Unità d’Italia che non è solo politica, geografica o garibaldina, ma che ha origine nella lingua di Ciullo d’Alcamo, nella pittura di Antonello da Messina. E’ la testa dello Sgarbi più affascinante a parlare sul palco. La sua è una riflessione fatta ad alta voce. E per chiarire e fissare il suo pensiero, Vittorio Sgarbi, il maestro, fa continuo riferimento a testi e opere d’arte esemplari, e legge quei testi, proietta quelle immagini, e il suo discorso si distende senza far piega, pulito, lineare. L’altro Sgarbi non ha bisogno di sbraitare per dare ragione alle sue parole, non ha bisogno di fare il seduttore per avere tutti gli occhi puntati su di se. E tralasciando qualche riferimento politico, al quale non ha potuto resistere, l’altro Sgarbi, il vero Sgarbi, è decisamente quello vincente.

Panu ca’ meusa sotto la madunina

2010-02-05T13:02:00.006+01:00

Nomadi siciliani trapiantati in una sempre più filoterun Milano, è tempo di dimenticare parmigiane di melanzane e teglie di pasta “col forno” da asporto o spedite su da mammuzza; niente più cannoli e cassate da portare a boss e colleghi al rientro dalle vacanze, col timore che la ricotta vada a male e che la croccante armatura dei cannoli possa infrangersi. Da oggi, per sopportare quel mal di Sicilia che colpisce nuovi e vecchi colonizzatori milanesi, basterà fare un salto in via San Paolo, alle spalle della madunina di piazza Duomo, perché un paradiso di profumi e sapori siciliani possa travolgervi senza scampo. La Focacceria San Francesco, il più antico fast food della Sicilia, fondato a Palermo nel 1830, e approdata 6 mesi or sono in quel Princi di Brera, a Milano, con un angolo di specialità palermitane, adesso si rimette in discussione, aprendo un nuovo punto vendita del tutto indipendente, ed è già successo.
Alla serata di inaugurazione, domenica 15 novembre, c’erano tutti i palemmitani e siculi milanesizzati, e poi c’erano polentun, romani, calabresi, pugliesi, e ancora coreani, francesi, tedeschi e chi più ne ha più ne metta. Tutti alle prese con pane e panelle, crocchè e sfincionelli, panu ca’ meusa (pane con la milza) schietti e maritati (con o senza ricotta), arancine di carne o di burro, e poi ancora cannoli di ricotta e cassata, e dell’ottimo vino siciliano, selezionato tra le 7 più prestigiose cantine dell’isola: da Tasca D’Amerita a Planeta, da Duca di Salaparuta a Donnafugata, e poi Firriato, Milazzo e Benanti.
C’era chi conosceva già quei peccati deliziosi, chi li sognava da tempo, e chi era arrivato per semplice curiosità, scoprendo con grande meraviglia la farina di ceci delle panelle, la cipolla dello sfincione, e il caciocavallo del panino con la milza. «L’apertura della nuova Focacceria San Francesco intende essere un riferimento per siciliani a Milano - racconta Fabio Conticello, titolare, insieme al fratello Vincenzo, della Focacceria San Francesco - Ma non solo. Nel 2010 ci spingeremo fino a New York, portando con noi non soltanto la gastronomia, ma la cultura siciliana e italiana in generale. Organizzeremo eventi, presentazioni di libri, cena-forum per far risuscitare il carattere conviviale del cibo». E agli scettici sulla possibile convivenza tra espansione internazionale, conservazione della tradizione e cura del dettaglio, Conticello risponde che «il segreto per ottenere la persistenza dell’alta qualità è partire da un modello molto forte, tanto da potere essere replicato in altri luoghi del mondo, mantenendo però le stesse caratteristiche qualitative dell’originale».
Meno marcatamente tradizionale del contenuto di delizie e sapori, è invece il contenitore che ospita, a via San Paolo, la sfida dei fratelli Conticello. Gli arredamenti moderni e forse un po’ freddi, lamentati dai clienti più conservatori, sono prontamente difesi dal direttore: «La sede di storica di Palermo è irripetibile. Se avessimo tentato di riprodurla avremmo solo rischiato di farne una brutta copia. Abbiamo invece seguito l’idea di un filo conduttore che potesse essere riapplicabile in tutto il mondo: dal marmo di Carrara dei tavolini, in linea con il marmo dei pavimenti della Focacceria di Palermo, al ferro battuto del bancone, tutto in uno stile neutro replicabile anche altrove ». Diametralmente opposto invece il tema delle materie prime e del personale. L’autenticità siciliana è sinonimo di garanzia e inoltre crea indotto e sviluppo. I formaggi, la ricotta, la frutta candita, la pasta di mandorla e la base dei gelati arrivano tutti direttamente da aziende siciliane, così come il personale. Tutto rigorosamente siculo. E il menù? «Si mangerà come a Palermo, quindi pasta con le sarde, tonno al ragù, involtini di melanzane e di spada, sarde a beccafico, anelletti al forno, trancio di tonno alla griglia, la caponata di melanzane» e chi più ne ha più ne metta. Cara Madunina, la Sicilia è servita!

Chiacchierando con Luigi Lo Cascio

2010-02-05T12:57:00.000+01:00

Luglio 2009. Palermo. Appuntamento al bar del Giardino Inglese, alle 17:00.
Mancano ancora 15 minuti all’incontro con Luigi Lo Cascio e lui, puntualissimo, passeggia già per i viali alberati del giardino. Elegante, schivo, nerissimo. Mi avvicino al bar delle granite, e un gruppetto di bambini sedotti dallo zucchero filato mi distrae nell’attesa. Il grande orologio del bar, il mio e quello di Luigi Lo Cascio segnano ora le 17:00. Eccolo lì, educato e sorridente, sebbene poco incline ai convenevoli. Cerchiamo una panchina silenziosa. Accendo il mio registratore.
Ti conosciamo attraverso le parole di giornalisti, le voci di fans, i personaggi interpretati, ma chi è veramente Luigi Lo Cascio?
In realtà credo che la cosa più bella per me sia proprio fare un mestiere nel quale la mia stessa persona sia totalmente fuori gioco. Un attore dovrebbe comparire sulla scena come personaggio e poi scomparire subito dopo. La conoscenza della sua personalità può solo creare intralcio all’interpretazione professionale, portando lo spettatore a un inevitabile e continuo confronto tra la persona-attore e il personaggio interpretato.
Credo che il mito e il fascino degli attori del passato fosse proprio la scarsa conoscenza delle loro vite private, delle loro persone, quell’incognita sulla loro vita. Fosse per me mi piacerebbe lasciare una sorta di pudore nella mia vita, e non perchè la mia persona sia preziosa, ma perché anzi minuscola rispetto a quei personaggi che possono interessare altri. Non ho una vita così avventurosa, interessante da essere conosciuta da altri, altrimenti si farebbe un film su di me.
E se dovessi definirti in tre parole?
Non credo ci sia frase o espressione che possa veramente definirci ed esaurirci. Siamo tutti qualcosa ma anche l’esatto contrario. Al limite potrebbe esserci una interpretazione soggettiva, ma nulla di così nitido da poter essere detto. Se mi definissi in un modo, dovrei mettere più e meno davanti, con infinite sfumature e variabili.

Parlando di ricerca artistica, tu hai cominciato con lo studio in medicina, poi la scoperta del teatro e infine il cinema. Cosa sognavi da bambino? Avresti mai pensato di vivere tutto questo?
Da bambino non ho mai pensato a me da grande. Pensavo a che gioco avrei fatto dopo cinque minuti. In realtà, anche in età più matura non pensavo al mio futuro e, nonostante fossi bravo a scuola, per me era un continuo giocare; appartenevo a un gruppo molto goliardico. Poi alla vigilia della maturità ho pensato che avrei potuto diventare psichiatra; la carriera del medico mi attraeva molto e poi venendo da una famiglia di medici, mi iscrissi in medicina. Ma nel tempo libero, insieme a un gruppo di amici, inscenavamo un jukebox ambulante per le strade di Palermo. Era una sorta di teatro di strada, ci divertivamo moltissimo. Chiedere i soldi ai semafori era poi una vera trasgressione, vivevamo con il timore di incontrare uno zio (Luigi Lo Cascio è nipote dell’attore Luigi Maria Burruano), un familiare, un professore. Sarebbe stato un vero scandalo in famiglia. Dai semafori siamo poi passati alle piazze. La gente si divertiva e così abbiamo cominciato a fare spettacolini in alcuni locali di cabaret come il Convento e il Bradamante, in piccoli teatri a Palermo e poi al San Carluccio di Napoli. E in uno di questi spettacoli mi vide il regista palermitano Umberto Cantone e mi disse che secondo lui io avrei potuto fare anche prosa, perché il timbro e il tono della mia voce si prestavano anche al ruolo di attore, non solo di cabarettista, di teatrante di strada.
Così ho fatto un provino con Federico Tiezzi che stava dirigendo a Palermo lo spettacolo Aspettando Godot. Mi prese. Mi destinarono una parte piccolissima nello spettacolo in tournee per l’Italia. Ho conosciuto teatri bellissimi come il Quirino di Roma, il Carignano di Torino, lo Stabile di Brescia. Fu lì che mi innamorai di quel mestiere.
Cosa ti colpì del mestiere di attore?
La sua realtà più concreta. Quel lavoro di costruzione del personaggio, quello stare a tavolino, seduti, attori e regista, come fossero carbonai. Si può stare settimane pensando a come dire una battuta. Nella vita siamo abituati ad esprimerci, senza pensare. Nel teatro invece c’è tutto un lavoro artigianale, nel quale la battuta viene trattata con la sua intonazione, come fosse una frase musicale, come se fosse messa su un pentagramma. E poi mi affascinava tutta la preparazione prima di entrare in scena: quell’andare in teatro mezz’ora prima dello spettacolo; i camerini, quei piccoli appartamenti spartani che ricordano le celle dei monaci; il silenzio; quel ripetere la parte come fosse un mantra. Ci si veste e si guarda il palcoscenico, il legno, le quinte, la graticcia e poi anche l’emozione dell’andare in scena.
Quando capii che mi piaceva questo mestiere, avevo ormai 22 anni, ero al secondo anno di medicina. Così ho pensato che, se mi avessero preso in Accademia a Roma, avrei lasciato l’università, altrimenti avrei continuato a studiare medicina, inscenando spettacolini nel tempo libero.

Un po’ fatalista…
Più che altro, capii che non avrei potuto far l’attore senza una vera scuola. Era un momento cruciale. Se non fossi stato preso in Accademia avrei dovuto aspettare un anno, sarei diventato più grande. Il limite di età era 23 anni.
Insomma attori non si nasce…
Il mestiere dell’attore è il risultato di un apprendistato molto faticoso, molto complesso.
Spesso quando si comincia si ha la sensazione che basti avere un sentimento e metterlo in scena per garantire che quella cosa sia da guardare. In verità quella del personaggio in scena è una forma da plasmare, con uno scalpello, qualcosa da costruire, con un duro lavoro artigianale. E poi fare film non esaurisce il mestiere del recitare. Si può fare teatro, la radio, il doppiaggio, i laboratori nelle scuole, o può continuare a studiare, a sperimentare. E’ un mestiere molto articolato, complesso.
Ti emoziona più il cinema o il teatro?
Sono due tecniche molto diverse; non si possono paragonare. Sono come due sport così differenti da poter essere entrambi passioni.
Il teatro per me è come fare una maratona. Soprattutto quando faccio i monologhi, è un vero sfinimento fisico. Entrare in scena e stare sul palcoscenico per un’ora e mezza, da solo, richiede un’altissima concentrazione.
Il cinema, invece, è un po’ come la gara di velocità del centometrista. Prima c’è tutta la lunga preparazione: stai tutta la giornata ad aspettare, le luci, i fuochi, il trucco e poi devi fare la scena in 18/30 secondi. Tu che ti volti e piangi. Stop. Una roba da funamboli, un’acrobazia.
In questo momento probabilmente per me il teatro rappresenta un’esperienza più complessa del cinema, molteplice, perché ho da qualche tempo ho cominciato a scrivere e dirigere pezzi miei. Non è più soltanto una prestazione da attore.

Hai mai pensato di lavorare all’estero?
Non so parlare nessuna lingua. Credo che per me il ruolo dell’attore sia molto legato al linguaggio; poi certo c’è anche la figura, il fisico, lo sguardo. Ma per me vale soprattutto la lingua, la parola. Quindi dovrei non soltanto imparare la lingua, ma conoscerla talmente bene da poter fare lo stesso che faccio con l’italiano. Certo, se dovessi fare dei lavori occasionali, andrei con piacere, ma sempre recitando in italiano.
Raccontami qualcosa sul film che stai girando attualmente.
Si chiama Noi credevamo con la regia di Mario Martone. E’ tratto da un romanzo di Anna Banti ma, nonostante ci sia una forte componente romanzesca, si raccontano fatti reali, cronache storiche. Anna Banti, in particolare, si riferisce a suo nonno, Domenico, che è poi il mio personaggio.
Domenico è un cospiratore del Cilento, una regione bellissima dell’Italia nel sud. Lì sono ambientate la parte iniziale e quella finale del film.
Il film racconta le avventure di tre amici (Domenico…,…) che sognano la Giovane Italia e che hanno a cuore l’Unità d’Italia. Si vedono anche personaggi storici importanti come Giuseppe Mazzini e Francesco Crispi, che però non sono i protagonisti. Protagonista è invece tutta quella gente comune a cui si devono le sorti dell’Italia, tutte quelle persone che hanno agito contro i propri interessi; quei benestanti che, pur di accarezzare l’idea dell’Italia unita, andavano contro il potere, che era invece dalla loro parte ed erano poi costretti a lasciare tutto e magari a vivere in una situazione di esilio.
Noi credevamo è un film relativamente lungo, racconta una storia che va dai primi dell’800 fino a oltre il 1860, vediamo come incide sui singoli personaggi il passare del tempo, li vediamo invecchiare. Credo sia un film molto interessante. Stiamo finendo di girarlo, uscirà al cinema nel 2010.
Non avevi mai lavorato con Mario Martone?
No, ci eravamo già incontrati in occasione di alcuni miei spettacoli teatrali ma questa è la nostra prima collaborazione. Lui è direttore dello stabile di Torino e nasce come regista di teatro a Napoli con Morte di un matematico napoletano. Da allora ha alternato teatro e cinema, cosa eccezionale per un regista. Per un attore è più semplice passare dal cinema al teatro, basta adattarsi a tecniche differenti. Per il regista è molto più difficoltoso, credo sia anche per una questione di tempi. Per un film devi avere l’idea, cominciare a scrivere la sceneggiatura, le varie stesure, poi devi trovare i finanziamenti, il luogo in cui girarlo, devi fare i casting, le riprese, il montaggio, la colonna sonora, poi devi andare in giro a presentarlo, i festival; ci vogliono almeno un paio d’anni.
Uno spettacolo teatrale invece ti prende circa un mese di tempo.
Parlando di film storici, se potessi rinascere in un periodo del passato, dove ti troveresti?
Mi piacerebbe risvegliarmi una mattina ad Atene, qualche secolo prima della nascita di Cristo. Sapere che da lì a poco andrò a vedere l’Edipo Re di Sofocle, che nessuno ha mai visto prima. Se ne parla perchè magari qualcuno ha sbirciato un po’ le prove, ma chissà come sarà affrontato il mito. Sarebbe un’esperienza unica. Potrei tornare da questo viaggio e raccontare in che cosa consistesse esattamente la tragedia. Della tragedia noi conosciamo soltanto quello che ci è arrivato tramite i testi, anche se delle centinaia o migliaia di tragedie scritte, ce ne sono arrivate pochissime. Ma non sappiamo come fosse la musica, come danzavano.
Riprendendo Nitche “Il nostro melodramma nasce come tentativo di risposta a come poteva essere la tragedia, dove il rapporto tra musica e la parola era fortissimo!” Scoprirei l’importanza del coro e della danza, questi giganti mascherati che entravano in scena. E poi potrei vedere come era Atene, com’era il pubblico, la loro capacità di concentrazione. Noi oggi siamo abituati a un tipo di spettacolo dove è molto importante il silenzio, il buio. Ad Atene, invece, si assisteva agli spettacoli alla luce del sole, magari bevendo. E si assisteva a ben quattro spettacoli di seguito: tre tragedie e un dramma satiresco. Oggi non siamo più capaci di concentrarci così a lungo.
Andresti come spettatore quindi, non come attore?
No, no, per carità. Assolutamente in veste di spettatore. Altrimenti si realizzerebbe quello che mi capita spesso di sognare: trovarmi in scena e non ricordare la parte a memoria. E per di più trovarmi in Grecia, in mezzo ai greci e dover recitare in greco. Che incubo!

Il Riccio

2010-01-21T10:20:00.000+01:00

Il Riccio è una storia d’amore. Una delicata, contemporanea e drammatica fiaba d’amore che svela, attraverso la lucida e impeccabile analisi dell’undicenne Paloma, i più comuni malesseri della nostra umanità. La storia si svolge all’interno di un elegante palazzo della borghesia parigina, al numero 7 di Rue de Grenelle, che sembra racchiudere, accanto ai più banali meccanismi di relazioni interpersonali, imprevedibili e quanto mai affascinanti circostanze. Reneè è la portinaia dell’edificio, “vedova, bassa, brutta, grassottella” con i calli ai piedi e l’alito da mammut, senza alcun titolo di studio, e povera dal primo vagito. O almeno questo è ciò che la stessa protagonista è disposta a mostrare al mondo. Se non fosse che la Signora Michel, come la conoscono i condomini, nasconda invece, dietro i suoi grossolani e rudi modi, un’anima “terribilmente elegante”, oltre che una impressionante raffinatezza intellettuale. Ma se nessuno nel palazzo riesce a vedere più in là della boccia di vetro attraverso la quale, “proprio come pesci rossi”, la gente oggi si presenta al mondo, quel nascondiglio misterioso non può invece sfuggire all’intelligentissima Paloma, né tanto meno al nuovo condomino giapponese, Kakuro Ozu, l’unico che riesca a cogliere, tra le parole di Reneè, le continue e sottilissime citazioni dell’Anna Karenina di Tolstoj…

Tratto da L’Eleganza del riccio, grande successo editoriale di Muriel Barbery, il film Il Riccio presenta immediatamente il suo biglietto da visita francese: ambientazioni, colori, riprese non possono nascondere la scuola cinematografica d’oltralpe. Ma se la giovanissima regista, Mona Achache, è riuscita a ricorrere, senza far rumore, a qualche intuivo accorgimento narrativo, realizzando un film molto delicato e comunque sia fedele al libro, i brevi tempi cinematografici hanno dovuto necessariamente dimenticare molte delle deliziose descrizioni del testo originario, alcuni preziosi personaggi e non pochi riferimenti letterari, lasciando così però, a chi ha visto il film senza aver già letto L’Eleganza del riccio, molto ancora da scoprire nella sua meravigliosa lettura.

Telefono Azzurro: ”Ente morale” per antonomasia

2010-01-07T10:46:00.000+01:00

«Siamo fuori!» lamentano i 25 ex lavoratori dell'Associazione S.O.S. Il Telefono Azzurro Onlus Telefono Azzurro, davanti alla sede di Via Puglisi a Palermo. Categorica è stata dunque la chiusura da parte dei vertici di Telefono Azzurro (TA) ai danni dei 25 Operatori di Risposta Telefonica (ORT) che avevano in gran parte rappresentato, dalla sua origine nel 2003 fino al 31 dicembre 2009, il servizio di emergenza infantile 114 del Telefono Azzurro. Questa, la conclusione all’incontro del 5 gennaio 2010 tra i vertici della Organizzazione Non Lucrativa di Utilità Sociale Telefono Azzurro e i rappresentanti sindacali della CISL. Una fine che macchia di ambiguità quell’ “Ente Morale” (grazie al decreto del 1990 del Presidente della Repubblica Francesco Cossiga) che, per oltre 20 anni, si è erto a modello di civiltà nazionale, garantendo 24 ore su 24 “la qualità dell’ascolto e dell’intervento con i bambini e gli adolescenti”, per utilizzare le stesse parole del suo Fondatore e Presidente, Ernesto Caffo. Un “Ente Morale” solo in parte dunque, che tutela i diritti dei bambini e degli adolescenti, dimenticando forse quelli dei lavoratori? Quegli stessi lavoratori che, per oltre 2 anni, hanno svolto il loro mestiere con “passione e professionalità”, oggi infatti raccontano di aver dovuto lasciare il campo di battaglia senza alcuna garanzia di informazione o sia pure di sostegno.
«Sapevamo che i nostri contratti sarebbero decaduti il 31 dicembre 2009, insieme alla scadenza dell’intero progetto 114 Emergenza Infanzia (assegnato in gestione al Telefono Azzurro, a partire dal 2003, da parte dei Ministeri Italiani di Comunicazioni, Pari Opportunità e Lavoro, e Politiche Sociali) – racconta Monica, una di quei 25 operatori tagliati fuori dal Telefono Azzurro - O almeno così ci era stato ufficialmente comunicato. Il 28 Dicembre 2009, infatti, a 72 ore dalla decadenza del nostro contratto, visitando casualmente il sito del Ministero delle Pari Opportunità, abbiamo scoperto che “il servizio pubblico 114 Emergenza Infanzia sarà garantito fino ad aprile 2010” essendo stata sottoscritta la proroga tecnica della convenzione in atto tra il Ministero delle Pari Opportunità e l'Associazione S.O.S. Il Telefono Azzurro Onlus (proroga pubblicata sul sito del Ministero il 23 dicembre e firmata il 17 dicembre 2009 e che prevede fino ad aprile 2010 un contributo di €400.000, un terzo dell’intero contributo di un anno)». E cosa avrebbero dovuto pensare i 25 professionisti se non che il “pacchetto 114” sarebbe stato prorogato completo del suo prezioso contenuto? Illusi. Nella riunione assembleare del 30 dicembre 2009, ai 25 operatori di 114 Emergenza Infanzia (tra cui due giovani mamme da appena 4 mesi) è stato infatti comunicato che, per mancanza di fondi, il decadimento del loro contratto è definitivamente accertato, sebbene il servizio 114 verrà prorogato “garantendo (come?) gli stessi livelli di qualità ed efficacia anche attraverso l’impiego di Volontari del Servizio Civile”.

Arrivederci e grazie cari operatori! E a nulla sono valse le controproposte portate avanti dai rappresentanti sindacali della CISL per l’utilizzo di ammortizzatori sociali (Cassa Integrazione Guadagni e mobilità), mantenendo però quel contratto lavorativo di 40 ore settimanali che garantirebbe agli ORT una continuità del lavoro e dell’impegno prestato. «A noi sembra che il Telefono Azzurro abbia ragionato non da ONLUS, ma da azienda! – esordisce Mimma Calabrò, segretario generale CISL Sicilia - Cosa sarà dunque dei €400.000 garantiti al TA, fino ad Aprile 2010, dal Ministero delle Pari Opportunità? E che ne è stato del contributo della Regione Siciliana assicurato dal DECRETO Assessoriale del 23 gennaio 2009? E delle generose donazioni del sultano dell’Oman destinate alla sede di Palermo? E ancora del 5 per mille, e delle eredità concesse?». Singolare è pure il caso di Valentina, capo turno al nono mese di gravidanza, alla quale, in data 30 dicembre 2009, era stata confermata la decadenza del contratto perché in stato di gravidanza. «Fino a questa mattina ero fuori, perché al nono mese di gravidanza, oggi, soltanto oggi, si sono ravveduti e hanno deciso di riconfermarmi fino ad aprile 2010» racconta Valentina a poche ore dalla conclusione della trattativa sindacale del 5 gennaio 2009. Eppure vien da chiedersi: perché mai tanto scompiglio? Perché tanto stupore? Disinformazione e ambiguità sembrano infatti costanti all’interno dell’ “Ente Morale” Telefono Azzurro, sia all’interno del servizio 114, che nel resto dei servizi a disposizione dei cittadini. «E’ sempre stato così – racconta Giulia, una ex operatrice del Telefono Azzurro – ho lavorato nella sede di Telefono Azzurro a Palermo da marzo 2007 a gennaio 2009, con contratti a progetto della durata di 6 mesi e, puntualmente, nello stesso giorno della scadenza, il contratto veniva rinnovato automaticamente. Fino a ottobre 2008, quando, senza alcuna giustificazione qualitativa, il rinnovo è stato invece negato a me, come ad altri 4 miei colleghi. E lo stesso è successo poi, a maggio 2009, ad altre 2 colleghe. La precarietà è di casa al Telefono Azzurro, questa situazione non mi stupisce affatto!!» E tra la polvere e le sorprese, i lati oscuri, oggi, sembrano moltiplicarsi di minuto in minuto perché, a trovarsi in una situazione di difficoltà non sembrano essere solo i 25 ORT mandati a casa. «La continuità della qualità e l’efficacia del servizio, “garantita” nel comunicato stampa del TA del 5 gennaio, non può che essere fittizia – racconta Paola, una degli 8 capi turno ancora in servizio al 114 Emergenza Infanzia – Non solo la qualità del servizio, ma il servizio stesso non può essere garantito senza i 25 ORT. Attualmente al 114 stiamo lavorando in una situazione di assoluta follia. Un solo capo turno non può gestire e seguire contemporaneamente sia i volontari del Servizio Civile Nazionale (SCN), di età compresa tra i 18 e i 25 anni, che i casi di bambini e adolescenti con bisogno di assistenza. In questo modo, ogni qualvolta ci sia un caso da seguire, 6 dei 7 computer a nostra disposizione devono essere spenti e le linee scollegate, almeno che non si voglia far gestire casi gravi ai ragazzi del SCN che lavorano con noi soltanto da ottobre 2009 e che hanno ancora bisogno di supporto e formazione». Molte anche le lamentele da parte degli stessi volontari del SCN per l’inadeguatezza del ruolo da dover svolgere in completa autonomia.
Ancora molti dunque i lati oscuri su cui cercheremo di far luce nei prossimi giorni, ma per farlo abbiamo bisogno delle testimonianze attive degli ex lavoratori, come di quei pochi che, ancora all’interno del TA, possono raccontare con assoluta tempestività e fedeltà lo svolgersi delle vicende in corso.

I nomi dei testimoni sopra riportati sono fittizi, per esplicita richiesta degli stessi.

Pubblicato su livesicilia.it

Vittorio Sgaribaldi

2009-12-27T23:13:00.001+01:00

Sicuramente salemitano, ma ancor più certamente scarlatto, sarà il capodanno 2010 di Vittorio Sgarbi; rosso nella biancheria intima, rossissimo nella camicia. Il primo cittadino di Salemi, allo scoccare del 2010, inaugurerà pure il suo Festival dell’Unità, celebrando, per primo, il 150esimo anniversario dell’Unità d’Italia.
E sì, perché se nel resto della penisola, a 150 compleanni dalla nascita dell’Italia, le celebrazioni avranno luogo soltanto il 17 marzo del 2011, a Salemi l’anniversario ricorrerà addirittura un anno prima. Perché qui, se non lo sapeste, Giuseppe Garibaldi arrivò il 14 maggio 1860, ancora prima di incontrare, a Teano, quell’ “altro” Vittorio (Emanuele II di Savoia). E fu allora che Salemi divenne, per un giorno, la prima capitale dell’Italia unita.
E allora spazio alla creatività, via libera all’inventiva, non c’era occasione migliore per presentare, in prima assoluta, una lista di oltre 100 avvenimenti che, rincorrendosi per tutto il 2010, vogliono (sperano) di riconfermare alla città, e alla sua amministrazione, quel titolo di primi della classe. Prima capitale d’Italia, ma anche prima capitale culturale. Nel 2010, a Salemi, verrà inaugurato il primo Museo della mafia e quello risorgimentale; sarà proiettato, in anteprima assoluta, il primo film di Ciprì e Maresco sul grande jazzista salemitano, Tony Scott, e nascerà il primo museo del mondo a portare il suo nome; sarà organizzato il primo picnic sulla spianata di Rampisnello, dove 150 anni fa si rifocillarono i garibaldini e, per la prima volta insieme, il Comune di Salemi e il Giornale di Sicilia - anch’esso 150enne nel 2010 – pubblicheranno 150 pagine dedicate alla storia d’Italia. E ancora, grandi mostre di fotografia e arte, concerti di musica, sfilate di moda, e festival di teatro, danza e cinema.

In Sicilia...

2009-12-25T10:44:00.003+01:00

Il Natale vien… comprando???

Crisi, non crisi, povertà, ricchezza, sole, pioggia, sono dettagli, importanti, ma pur sempre dettagli. Il Natale è, e rimane, la festa di regali e di bambini, di abeti e di presepi, di pandori e panettoni, di abbuffate e di giocate. Anche quest’anno. E anche in Sicilia. Perché, nonostante noi siciliani siamo tra quel 41% degli italiani che, nel 2009, hanno tentato di risparmiare un po’ di più, e partire un po’ di meno, anche per noi, e anche quest’anno, un Natale senza balocchi non sarebbe un Natale coi fiocchi. E allora stringiamo i denti, chiudiamo un occhio, tiriamo fuori il salvadanaio, e compriamo, spendiamo, consumiamo. Uno studio svolto da Confesercenti mostra che quest’anno, in Italia, per gli acquisti natalizi, sono stati spesi circa 6,2 mld di euro della nostra carissima tredicesima, con un leggero risparmio, di 259 mln, rispetto allo scorso anno. Federalberghi sottolinea invece che ben 11 milioni di Italiani partiranno per le vacanze - il 20% in più rispetto al 2008 - ma che, allo stesso modo, il 15% in più degli italiani non passeranno fuori casa neppure una notte. Si acuisce dunque il divario tra chi può e chi non può. Soprattutto in Sicilia, dove “Cu troppo e cu nenti” come dicevano le nostre nonne.
Ed ecco che, se da un lato c’è qualcuno che è arrivato a spendere oltre €1000 tra doni di griffe e tecnologia, e dall’altro c’è chi ha eliminato del tutto i regali ad amici e colleghi, la maggior parte dei siciliani, per i regali di natale, ha speso tra €100 e €300, a testa. «Non ho un budget prestabilito – racconta Paola, una signora intervistata a Palermo, in Via Ruggero Settimo - Se trovo qualcosa che mi piace la compro. Ai miei 2 figli ho comprato un Ipod e un videogioco; a mio marito un plaid di cachemire; a mia sorella un forno a microonde per la casa nuova. Non mi sembra sia cambiato granché rispetto allo scorso anno». Non la pensa allo stesso modo Saro, un pensionato intervistato mentre passeggiava tra le bancarelle natalizie di Via Maqueda: «Quest’anno niente regali. Tutti i miei risparmi andranno nella cena della vigilia. Passare il Natale tutti insieme per noi è già un regalo di Natale». Per chi invece ha cercato di risparmiare senza rinunciare però a piccoli doni anche per gli amici, i libri e i cd hanno rappresentato quell’equilibrio giusto tra costo e funzionalità: «Le vendite dell’ultimo mese sono andate benissimo – racconta Gaetano, Responsabile libri alla Feltrinelli di Via Cavour - Nonostante la recentissima apertura di H&M e del nuovo Mondadori Multicenter, a pochi passi da qui, i nostri clienti più affezionati, attirati dalle promozioni molto vantaggiose, non si sono risparmiati negli acquisti. Davvero niente da rimpiangere rispetto al 2008». Ma se c’è un posto dove poi quasi nessuno ha pensato al risparmio, sia pure per un istante, quella è la nostra tavola, la regina indiscussa del Natale in famiglia!

Via libera dunque alla tradizione, con gli antipasti di “magro” (pesce) e sfincionelli, anelletti al forno e pasta con le sarde, timballi, sformati, e poi baccalà fritto, involtini di carne e pesce, anguilla al forno, agnello, e ancora sparaceddi e cardi in pastella, caponata e insalata di arance con aringhe e cipolle. E se c’è anche chi, poi, nel salato oserà qualche punta di innovazione con il tacchino con crema di castagne e puré di mele, per i dolci le cassate e i buccellatini, i mustazzoli e i cannoli della tradizione non hanno davvero concorrenti!

Un bianco Natale in Rosso

2009-12-20T23:19:00.002+01:00

Il rosso è sempre il colore del Natale, ma questo 2009 oltre che rosso è un Natale “in rosso”, ecco allora 10 idee sfiziose per decorare il tuo Natale, risparmiando.

Per i tuoi piccoli doni, ti consigliamo:
1. La penna da borsetta, Minnie. Rossa con pois bianchi o verde con pois rossi. Campo Marzio. €15

2. I Collant rossi, 50den. Tezenis. €2,90

3. La pinzetta per le sopracciglia/Ballerina di Flamenco. Pylones (in vendita da Feltrinelli). €10

4. Il Grembiule da cucina. Rosso con pois bianchi e stampa anni ‘70. Oviesse. €5,90

5. Look Natale Sephora: Rossetti - €12,50; Smalti - €5,90

La sera della vigilia:
6. Prima della cena fai un bagno nutriente e rilassante al latte e rose rosse:
Ingredienti:
1l di latte fresco
½ tazza di miele poco denso
½ tazza di olio d’oliva
1 rosa rossa
1 cucchiaino di olio essenziale alla lavanda
Preparazione:
Riempire una vasca con acqua calda, versando via via l’olio essenziale. Quando la vasca è pronta versare il latte e l’olio d’oliva. Infine aggiungere i petali di rosa, uno per volta. Dopo aver miscelato tutto il liquido, immergersi e rilassarsi per 10 minuti. Durante il bagno massaggiare la pelle con un guanto di crine. Sciacquarsi con una doccia di acqua tiepida.

7. Decora la tavola di Natale con piccoli tocchi di rosso
Per la scelta di tovaglie, bicchieri di vetro, tovaglioli, e candele, abbina il rosso al bianco, oppure il rosso con il verde.
Per il centro tavola utilizza melograni interi abbinati a rametti di vischio, pungitopo, abete o pino.
Per decorare il tuo menù di natale, dai un tocco finale cospargendo i piatti con chicchi di melograno. Ottimo l’abbinamento con carne, insalata verde, frutta e dolci.

8. Prepara un antipasto di Pupazzetti di Natale col basco rosso:
Ingredienti per 10 pupazzetti (10 persone):
20 mozzarelline ciliegina
200 grammi di prosciutto crudo tagliato a striscioline
10 pomodori secchi sott’olio
1 vasetto di pesto alla genovese
20 grani di pepe nero
10 bicchierini per finger food
10 stuzzicadenti
Preparazione:
Versare un cucchiaino di pesto in ciascun bicchiere per formare il prato. A parte, creare il pupazzetto di neve unendo, con uno stuzzicadenti, 2 mozzarelline, per testa e corpo, e un pomodoro secco, per il cappellino. Pressare due grani di pepe sulla mozzarellina che forma la testa, per gli occhi. Per la sciarpina, avvolgere una strisciolina di prosciutto attorno al collo del pupazzetto così creato. Posizionare il pupazzetto sul prato di pesto. Ripetere l’operazione fino a formare 10 pupazzetti. Servire a temperatura ambiente.

Ascolta:
9. The X Factor Christmas Album. €15,90

10. Brinda con un buon bicchiere di rosso siciliano.
Consigliamo:
Un ottimo blend di Nerello Cappuccio e Nero d'Avola, dal colore rubino intenso, con un unghia violacea e dal profumo di fragola e ciliegia. Calìo, Rosso Igt Sicilia. Vinicultori Associati di Canicattì. €7
Un ottimo Frappato Sirah dal sapore pieno armonioso, dal colore rosso rubino intenso e profumo di frutta rossa. Gurgò. Rosso Igt Sicilia. Cantine Paolini. €5

Che bel protocollo lungo che hai!

2009-11-28T00:47:00.000+01:00

Oliviero Toscani

Leggi e divieti, protocolli in entrata e in uscita, determine, delibere, approvazioni di bilancio, lettere d’intenti, verbali; eccoli qui i veri prodotti DOCG della nostra “odiamatissima” Italia.
E sì, perché accanto a pomodori di Pachino e limoni di Sorrento, pistacchi di Bronte, olive del Belice, cipolle di Tropea e cioccolata del Piemonte, sui campi e dagli alberi, negli orti e nei boschi crescono pure carte e cartacce, buste, lettere e foglietti da riempirci ministeri e uffici interi.
Più e più volte ci siamo visti soffiare da sotto il naso il primo posto nelle classifiche europee: le spiagge più belle alla Croazia, le città più vivibili all’Austria, l’aria più pulita alla Danimarca, i film più premiati in Germania, Francia e Olanda, per giunta l’esclusività e l’eccellenza del cibo vogliono mettere in discussione! E’ la fine della nostra gloria? Ma no! Bando a fazzoletti e musi neri, c’è una gara che noi italiani non perderemo: all’Italia il governo più burocraticomplicato che ci sia! Altro che Berlusca e paparini, qui governa Madame Burocrazia! Ma chi è costei e cosa rappresenta? Con burocrazia si intende l'organizzazione di persone e risorse destinate alla realizzazione di un fine collettivo secondo criteri di razionalità, imparzialità e impersonalità che tradotto in dialetto siciliano diventa la realizzazione di interessi personali secondo criteri di raccomandazioni, clientelismo e inefficienza. Il termine stesso Burocrazia poi, definito in maniera sistematica da Max Weber, per indicare il "potere degli uffici" (dal francese bureau=ufficio e da greco kratos=potere) diventa qui Braditocrazia “potere della lentezza” (dal greco Bradytes=lentezza).
La Burocrazia italiana, inseminata di feconda sicilianità, finisce per rendere complicato e infinito quello che altrimenti potrebbe addirittura risultare immediato, rendendo fin quasi giustificabile il voler aggirare con favoritismi e scorciatoie quelle procedure interminabili e il ripiegare nella formula del silenzio assenso l’assenza di una risposta tempestiva, sfociando poi in quel disastro estremo dell’abusivismo edilizio.

Per ottenere, ad esempio, dall’ufficio del demanio pubblico l’autorizzazione per fare uno scavo atto a fornire l’energia elettrica a una nuova struttura alberghiera bisogna:
1) Presentare una richiesta scritta alla Capitaneria di Porto
2) attendere che la Capitaneria di Porto mandi la richiesta all’Assessorato al Territorio della Regione di riferimento
3) attendere che i documenti vengano verificati
4) attendere che venga consegnato un benestare
5) attendere che l’autorizzazione con la domanda originale torni all’ufficio del demanio
6) attendere che l’autorizzazione con la domanda originale venga firmata dal superiore dell’ufficio del demanio
7) attendere che l’autorizzazione con la domanda originale e la firma del superiore dell’ufficio del demanio ritorni alla Regione
8) ritirare la benedetta autorizzazione alla Regione.
8 tappe per 8 mesi di gestazione, 8 mesi che hanno portato all’aborto culturale, politico e sociale di questa bella Sicilia nostra.

Cesare Inzerillo

2009-11-28T00:45:00.000+01:00

L’ANTICONFORMISTA

Ci sono artisti che giocano a tutti i costi al ruolo dell’enfant terribile, del genio ribelle dall’equilibrio psichico labile, che si atteggiano a divinità insaziabili di egocentrismo e che fanno della propria immagine, curata fino all’ultimo dettaglio, un biglietto da visita che spesso trascende lo stesso valore artistico.
Ce ne sono poi degli altri, oggi in netta minoranza, che neppure hanno mai creduto di appartenere allo status d’artista, che vivono, e a volte subiscono, l’arte come una necessità esistenziale piuttosto che come vera professione e rifiutano, senza indugio, quei giochi di potere di galleristi e collezionisti, critici e curatori che hanno trasformato l’arte in un business colossale.
Sono o non sono, questi ultimi, i veri anticonformisti in una società che spesso si limita a riproporre surrogati di Duchamp, Warhol, Oldenburg e Pollock del terzo millennio?
Tra gli artisti “per bene”, anticonformisti del XXI sec., brilla il nome di Cesare Inzerillo, scultore siciliano, scenografo di successo e collaboratore dei registi Ciprì e Maresco per oltre dieci anni, una macchia di umiltà e professionalità in un mondo che luccica di star e starlet da reality art shows.
Quella di Inzerillo è una vocazione anarchica e solitaria; non importa dove giri la corrente, suo fine è uno e uno soltanto: la sua soddisfazione personale. Una soddisfazione che Cesare raggiunge, quotidianamente, nel suo laboratorio a Cinisi (PA), tra le sculture di polistirolo, gesso e fil di ferro, toccandole, vestendole, curandole.

Una figura ordinata, longilinea, educata, quella di Inzerillo. Un perfetto finanziere, esattore delle tasse, un carabiniere. In un'altra vita forse. Sotto quei lineamenti sottili, dietro quegli occhiali squadrati, oggi vive invece l’anima di un genio creativo, di un uomo ossessionato dalla necessità di trasformare in materia le sue visioni, ma noncurante del giudizio che le stesse potrebbero suscitare. Rifiuto, curiosità, sdegno, paura, stupore, sorriso? Non importa. Certo è che le sue creazioni non possono lasciare indifferenti, come indifferenti non hanno lasciato il sindaco di Salemi, Vittorio Sgarbi, e l’Assessore alla Creatività, Oliviero Toscani, che le hanno volute mettere in mostra a Salemi, nelle sale del Castello Svevo-Normanno.
Mummie di cartapesta e cemento, polistirolo e gesso, fil di ferro e stracci, ognuna con una propria verità, con una storia da raccontare. “Biancaneve”, “Gemelli 6mesi”, “Duro da morire”, “Leonardo dal Palermo”, sono solo alcuni degli incredibili protagonisti di La Classe Morta di Inzerillo, una classe di persone, di uomini, indaffarati nello svolgimento quotidiano dei propri costumi, e poi di colpo congelati dalla morte. Una morte che, per l’immediatezza della sua venuta, ha immortalato i gesti e le espressioni di quei corpi, rendendoli immortali e rispolverando un’ironia che, forse, la velocità della vita non avrebbe potuto trasmettere.
Ciò che però rende davvero incomparabile l’opera di Inzerillo è l’atmosfera che l’artista-scenografo ha voluto creare: un percorso spettrale ma fortemente suggestivo, attraverso le sale e le torri del Castello di Salemi. Un viaggio che lascia spazio, e tempo, alla riflessione, a un vero dialogo con le opere stesse.
Dopo il successo di Salemi, “La classe morta” di Cesare Inzerillo ora vola a Spoleto in occasione del Festival dei Due Mondi. Inzerillo prende dunque il volo, speriamo solo non trascini con se anche la sua anima.

Flavia Mantovan e le sue “Facce di Mafiosi”

2009-11-28T00:44:00.000+01:00

Una ragazza elegante, delicata, quasi eterea, luminosa nella sua camicetta di seta bianca, si muove, in punta dei piedi, tra le tele, le sue, esposte negli spazi del Castello Arabo Normanno di Salemi. E’ l’arista Flavia Mantovan, pittrice romana, che da due anni vive e lavora a New York e che ha colto, senza indugio, la sfida del provocatorio e mai banale sindaco di Salemi, Vittorio Sgarbi. L’audace idea era quella della fondazione di un Museo della Mafia da realizzare a Salemi, e che si è poi concretizzata, lo scorso 23 maggio 2009, e non a caso, a 17 anni dall’omicidio del giudice Falcone. La mostra “Facce di Mafiosi” della Mantovan è il primo passo verso quello che è concepito come un museo della memoria e che, in questo senso, della Mafia, vuole auspicarne la morte.
“Facce di mafiosi è giornalismo, cinema, denuncia” scrive Vittorio Sgarbi sul catalogo della mostra “Il potere mafioso che vive nascosto trova volto e viene esibito, senza paura, senza ipocrisia”. Luciano Liggio, Giovanni Brusca, Bernardo Provenzano, Leoluca Bagarella, Matteo Messina Denaro, Stefano Bontade, Tommaso Buscetta, Michele Greco, Vito Genovese, Al Capone, Tano e Vito Badalamenti, Alberto Anastasia, Ignazio Salvo, Salvatore e Sandro Lo Piccolo, Michele Sindona e Totò Riina, o meglio, le loro “Facce di Mafiosi” nella mostra e nella memoria.

Oliviero Toscani

2009-11-28T00:43:00.000+01:00

CREO ERGO SUM

Pellicole, obbiettivi, filtri, creatività. Luce, esposizione, diaframma, creatività. Campagne pubblicitarie, condizione umana, creatività.
Oliviero Toscani è uno dei fotografi contemporanei più famosi e discussi in tutto il mondo. Provocatorio, insolente, strafottente, geniale. Al centro di polemiche internazionali e attaccato dalla morale pubblica per le campagne di Shockvertising create per Benetton e tanti altri, Toscani è protagonista oggi, insieme a Vittorio Sgarbi, della chiacchierata questione Salemitana. È lui l’Assessore alla Creatività, unico al mondo nel suo genere. Non poteva essere altrimenti. Del resto per Toscani la creatività è linfa, ossigeno, sangue. La sua mente è un vortice di sogni in perenne divenire. Sogna incessantemente, Toscani. E ogni giorno lavora perché anche il più piccolo sogno diventi realtà. Ma Toscani non è solo. Lui sogna, inventa, crea e i suoi ragazzi, i suoi collaboratori under25 lo aiutano affinché tanta preziosa creatività diventi materia. Sono grafici, fotografi, scrittori, giornalisti, PR, video-makers, talenti in embrione, stimolati dal genio creativo e stravagante del loro educatore. È educatore alla Creatività, Toscani. Ma la creatività non s’impara. La creatività ce l’hai o non ce l’hai. E se ce l’hai con Toscani impari a farne buon uso. Impari a metterti in discussione, impari a correre dei rischi. «Il conformismo è il peggior nemico della creatività. Chiunque sia incapace di prendersi dei rischi, non può essere creativo.» E impari a utilizzare la tecnologia come strumento al servizio della creatività e non come forma d’espressione. «Lavorate con la carta, con le cose» dice Oliviero Toscani ai suoi ragazzi «… L’ispirazione avviene per strada, nella natura, nella gente, non di fronte alla realtà liofilizzata della scatoletta di un computer.» E conclude «Adesso spegnete i computer ragazzi. Andate a guardare il cielo e quando trovate due nuvole esattamente uguali tra loro, allora riaccendetelo.»

VINCENZO AMATO

2009-11-28T00:39:00.000+01:00

Attore, artista, sognatore, palermitano a New York

New York, 11 maggio 2009, h 9:30
Sorridente e raggiante, in sella alla sua “due ruote a pedali” color giallo canarino, Vincenzo Amato, attore palermitano di successo internazionale, arriva puntuale nel suo studio di Norfolk Street, nel cuore del Lower East Side (LES) di Manhattan, dove, non appena libero dagli impegni cinematografici, si rifugia per coltivare la sua più grande passione, quella per la scultura.
Sì, perché, ancor prima di essere attore, Vincenzo Amato è soprattutto un appassionato artista. I suoi lavori sono stati esposti a New York, a Los Angeles, a Rio de Janeiro, al Cairo, a Roma, a Milano e a Palermo e, nel mese di novembre 2008, la Earl McGrath Gallery di New York ha ospitato la sua ultima personale.
Lavora con il ferro da quando ha 18 anni, Vincenzo, e, sebbene New York abbia rappresentato la chiave del successo sul grande schermo, grazie all’amicizia con il regista Emanuele Crialese, in realtà qui si trasferì, nel 1993, per lavorare come assistente del fabbro Norman Campbell. Da allora, non ha mai abbandonato quella che lui stesso ha sempre considerato la sua vera forma d’espressione e, non appena può, corre nel suo paradiso del LES.
Un grande atrio, realizzato con il più tipico dei brick wall newyorchesi, conduce ad una porticina di metallo sulla quale, a piccoli caratteri, si legge: Vincenzo Amato Studio. La porta si apre scricchiolando e un luogo incredibilmente affascinante sembra raccontare più di quanto non possano fare infinite parole.

Appena quattro gradini separano da quello che appare come uno scrigno prezioso, fatto di oggettini e attrezzi di lavoro, libri ed ellepi d’autore, vecchie fotografie, disegni e vasetti di vernice. L’edificio, che ospita il lavoro di Vincenzo da più di 15 anni, alla fine degli anni ‘60 era una vecchia scuola elementare, poi rimasta abbandonata per oltre 20 anni; lo studio sorge proprio nei vecchi bagni femminili di quella scuola. Si vedono ancora le basi dei piccoli sanitari e i lavandini formato Lilliput e le pareti sono interamente rivestite di mattonelle color giallo ocra. Sembra quasi di sentire in lontananza le voci allegre e squillanti delle bambine nell’ora della ricreazione, ma non solo. L’intero ambiente è ancora vivo e brulicante d’energia, di oggi come di ieri.
Alle pareti, alcuni personaggi dell“L’Iliade moderna”, un teatrino di marionette di ferro, tra i primi lavori di Vincenzo e da lui stesso inscenato, sembrano urlare e duellare animatamente; qua e là, sensuali, le piccole ma imponenti sculture in ferro laccato, nelle cui forme e colori brillanti riprendono vita l’opera di Jean Arp e alcuni degli Stabiles di Calder, appaiono tutt’altro che inanimate; gli attrezzi rurali, disseminati per tutta la stanza, richiamano le ricerche concettuali di Martin Puryear e i soggetti dei bassorilievi, in legno compensato, sembrano seguire con lo sguardo ogni minimo movimento.

Artista contemporaneo ma in un certo senso anacronistico, Vincenzo Amato è estraneo a quella prostituzione dell’arte contemporanea che inibisce la libertà d’espressione, è libero dalle ansie iperproduttive che rendono schiavi tanti colleghi e sconosce pure quella ricerca dell’eccesso ad ogni costo che affolla le gallerie più sperimentali. Il dialogo tra vita e abbandono attraversa invece ogni istante della sua creazione e, Vincenzo, sente l’urgenza di riportare in vita tutto ciò che di abbandonato e decadente trovi per strada. La sua produzione artistica è feconda quanto più lo sono i suoi ritrovamenti. “Fino ad alcuni anni fa lavoravo esclusivamente il ferro, per le strade di NY si trovavano lamiere di qualsiasi dimensione e forma” racconta l’artista “Adesso il ferro è diventato troppo caro. Per strada non se ne trova più e il legno compensato ha preso il suo posto.” E continua “A volte, mentre passeggio per New York, mi capita di sentire un forte richiamo. Mi giro e riconosco quella che sarà la mia prossima opera. A me non resta che raccoglierla e ospitarla nel mio studio. Quello che succede dopo non saprei spiegarlo.”

Vincenzo Amato nasce a Palermo nel 1966. A 18 anni parte per Roma in vespa e, nel 1993, con tanti sogni e una vecchia valigia del padre, alla scoperta del “Nuovomondo”. A New York incontra il regista Emanuele Crialese, suo vicino di casa, e, insieme a lui, ha inizio quell’avventura cinematografica che lo porterà al grande successo internazionale. Tra le interpretazioni più brillanti, lo ricordiamo nei panni di Pietro, protagonista del film “Respiro” (2002) di Emanuele Crialese. Nel 2006 ci ha affascinato nella parte di Salvatore Mancuso in “Nuovomondo” (Leone d’Argento Rivelazione, 2006) dello stesso Crialese e lo scorso ottobre 2008 ha catturato il pubblico del piccolo schermo, interpretando egregiamente Albert Einstein nel Movie TV di Liliana Cavani “Einstein”.

U pisci ca' parla

2009-11-28T00:37:00.001+01:00

“Piscispata, Piscispata locale! Talìa chi ran piscispata! Talìa chi bbeddu culuri! A ddec’euru u piscispata! Miiii, a ddec’euru! Piscispata locale!!”… “ Sìcci, Sìcci cù nìvuru! Taliassi chi ssù bbeddi sti sicci! Sìcci bbeddi, Sìcci cù nìvuru!!”
Forti, vibranti, colorate, assordanti, le “vuci” dei venditori di pesce nei mercati siciliani, incalzano e rumoreggiano, risuonando come vecchi canti popolari. Il loro impeto, il loro fervore sembra voler sfidare quei profumi e quei colori, poderosi anch’essi, della merce sui banconi. Ma non solo. Le “abbanniate”, termine utilizzato in Sicilia per descrivere le grida dei mercanti ambulanti per esaltare i propri prodotti, servono pure come strumento per concorrere con gli altri venditori. Chi punta sul basso costo “Occhiate a cinco euru. Io svendo, non vendo!!“, chi sulla freschezza “Sicci cà camìnanu! Fannu ciàuru i mari “, chi vuole invece risvegliare le papille gustative “Sàidde, sàidde bbiedde! Mii, chi rrùci a paista chi sàidde!!” e chi poi non perde tempo per dar spazio alla propria fantasia poetica ”C’aiu i mirluzzi cà pairlano! Talìa chi bbeddi sti mirluzzi! Mirluzzi cà pairlano!”… per un coro di botta e risposta davvero suggestivo.
La teatralità siciliana e l’identità della sua gente trova difatti, nel mercato (che ha origine dal suq arabo), la sua più vibrante espressione. Sipari e scenografie, attori e spettatori, comparse e scenette coesistono in questo “Teatro a cielo aperto” di cui il pesce, “Lu pisci Ri”, è protagonista indiscusso. Mmuccuna, rrizzi, cozzi, sàidde, sicci, tunnina, scrummu, spatu, mirluzza, cirennia, ricciola, calamari, anciovi, pesce d’ogni genere, gusto e colore, sono celebrati ed esaltati. Impreziositi da merletti di alghe ed erbe aromatiche, incoronati da limoni e peperoncini, decorati con fiori e ghirlande, offrono un trionfo cromatico, degno di questo spettacolo quotidiano, ma mai uguale a se stesso, che è il mercato del pesce.

L’allestimento ha inizio alle prime luci dell’alba. Gli scenografi si mettono subito al lavoro, disponendo sui banconi metallici la preziosa merce, con la cura e l’attenzione che solo un artista, nell’esposizione delle sue opere, potrebbe avere.
Nulla è lasciato al caso. Il colore rosso delle tende e l’uso di lampade artificiali, sempre accese, servono a intensificare la lucentezza e il colore del pesce, mentre i continui schizzi d’acqua e l’uso di legare la testa e la coda dei pesci, “aggammari u pisci”, per mantenerli in posizione arcuata, serve a conferire un’idea di freschezza assoluta, quasi fossero stati appena pescati. Anche la disposizione del pesce sui banconi ha il suo peso scenografico; le diverse qualità vengono accuratamente separate: il pesce di taglio viene messo da una parte, quello da frittura da un’altra e lo stesso vale per quello da zuppa e quello d’arrosto.
Sono le 9 del mattino. Tutto è pronto per la giornata. Il mercato è già affollato.
Che lo spettacolo abbia inizio!

L’albero dei desideri

2009-11-28T00:28:00.002+01:00

Ci sono luoghi dove natura e uomo vanno ancora a braccetto, si sostengono a vicenda e si supportano nei bisogni di ogni giorno. Succede in Brasile, in Sud Africa, in India, in Nuova Zelanda, in Egitto, in Guinea, nello Sri Lanca; lì dove il progresso tecnologico è un eco lontano e la creatività popolare trova espressione nelle foglie di palma e nelle noci di cocco, nelle canne di bambù e nelle foglie di mais, nei rami, nei semi e nelle cortecce delle foreste.
E succede a Palermo, a Piazza Indipendenza, dove maestosi alberi, già secolari confidenti di tanti e tanti che da quella piazza sono passati, diventano pure sentinelle al servizio di cari vecchi amici, over 60 per l’appunto. Sono i vecchietti di Piazza Indipendenza, che ogni giorno della settimana si riuniscono in quel paradiso alle spalle di Palazzo dei Normanni per chiacchierare e raccontarsi, “pi taliarisi u passiu” o semplicemente “pi passarisi lu tempo”.
Il salotto a cielo aperto di Piazza Indipendenza, lo stesso che di giorno vive nelle storie dei suoi frequentatori, all’imbrunire si trasforma in un Parco Incantato, silenzioso, affascinante. Dagli alberi pendono doni curiosi, giganteschi, inanimati. Ma basta avvicinarsi di qualche passo per scoprire, in quella suggestiva istallazione d’arte popolare, una preziosa collezione di sedie, seggiole e poltroncine, incatenate ai rami possenti come frutti pesanti, e ti parlano, raccontandoti della Sicilia e della pigra genialità che anima la sua gente.
Sì, perché quegli inconsapevoli artisti, i signorotti di Piazza Indipendenza, siciliani purosangue, “lagnusi” per definizione ma inesorabilmente fantasiosi, non potevano mica star seduti per ore sulle fredde panche di marmo, disseminate per la Piazza. Non sia mai. I loro fianchi, stanchi, e le ginocchia, arrugginite, pretendono vere signore poltroncine. E così, se le sono portate da casa, le sedie, e per evitare il fastidioso“trasi e nesci” quotidiano, ogni sera le lasciano lì nella Piazza, affidate a custodi di legno e foglie, ancora fiduciosi e fedeli. Quando poi la Signora dal manto stellato avvolge la Piazza, i nostri vanno a casa sereni leggeri, per ritornare ancora, giorno dopo giorno, a raccontare storie e custodire memorie.

L’ ”Effetto Salemi” colpisce ancora…

2009-03-24T11:19:00.000+01:00

E dopo il Capodanno di Rubens, per le vacanze primaverili a Salemi arriva il Caravaggio.

18 marzo 2009, Palermo

Una commissione di illustri e illustrissimi, politici e provocatori, ironici e irascibili arriva puntuale alla sede dell’ARS alla vigilia della festa di San Giuseppe: sono il sindaco di Salemi Vittorio Sgarbi seguito dall’Assessore alla Creatività Oliviero Toscani, il sindaco di Messina Buzzanca, il vicesindaco Ardizzone e il presidente dell’Istituto Regionale della Vite e del Vino Agueci; a fare gli onori di casa ecco invece, sorridenti e calorosi, l’assessore ai Beni Culturali della Regione Antinoro e il capogruppo dell’udc On. Maira.

Occasione dell’incontro è la felice vacanza Salemitana dell’ “Adorazione dei Pastori” di Michelangelo Merisi detto il Caravaggio, proveniente dal Museo Regionale di Messina ed ospite del Collegio dei Gesuiti di Salemi fino a fine maggio 2009.
L’evento, già miracolo culturale per la cittadina del trapanese, arriva pure a sancire e concludere quel miracolo anacronistico fatto di incontri, scambi e confronti di due artisti come Caravaggio e Rubens, che proprio in Sicilia a 400 dalla loro scomparsa hanno concretizzato quell’incontro che in vita non gli era stato possibile.
Le anime di Rubens e Caravaggio, infatti, racchiuse nelle opere omonime (l’Adorazione dei Pastori) e contemporanee (1608) dei due artisti si erano “incontrate, guardate e parlate” al museo civico di Messina per quasi tre mesi, catturando un’affluenza di oltre 16.000 visitatori.

“Le opere d’arte sono persone viventi, corpo fisico, supporto e colore e anima dell’autore e rappresentano a distanza di anni gli stessi artisti che le hanno create” dice l’irrefrenabile sindaco di Salemi Sgarbi, a cui si deve tra l’atro l’incredibile intuizione.
Protagonista del fenomeno culturale è ovviamente anche la città di Salemi che, avendo già ospitato Rubens per le feste di Capodanno prima del suo viaggio a Messina, accoglie oggi, dopo il felice incontro, il Caravaggio in concomitanza delle feste del pane di San Giuseppe. E l’effetto Salemi colpisce ancora!

Alexander Calder: LES ANNÉES PARISIENNES,1926-1933

2009-03-12T22:56:00.000+01:00

al Centre Georges-Pompidou

“Madame and monsieur… je vous prèsente le Cirque Calder!!!”
Una voce forte e matura. Un piccolo direttore di circo con pancia di sughero e gambette in fil di ferro domina il centro della pista; alle sue spalle un vecchio grammofono diffonde la melodia della marcia “Barnum and Bailey's Favorite” (1913) del grande compositore Karl L. King.
Che lo spettacolo abbia inizio!!!

Piccoli acrobati animati, clown e funamboli, trapezisti e domatori di animali, mangiatori di spade e lanciatori di coltelli si susseguono con i loro “incredibili” numeri sul palco di un Circo in miniatura, dove leoni ruggenti, cavalli del selvaggio west ed elefanti equilibristi fanno da cornice al “sensazionale” spettacolo.
I piccoli attori, pupazzetti o, meglio, sculturine di legno, gomma, carta, sughero, pelle e fil di ferro, camminano e danzano, saltano, fumano e parlano. La loro linfa vitale? Le mani sapienti e la voce di un grande regista e marionettista d’eccezione, l’artista Alexander Calder.
Non è un teatrino per i più piccini, si tratta piuttosto della performance “Le Grand Cinque Calder, 1927”, una delle opere più care allo stesso artista statunitense, immortalata nel 1955 dalla telecamera di Jean Painlevè, ed oggi una delle principali attrazioni della mostra “Alexander Calder: LES ANNÉES PARISIENNES,1926-1933” che sarà inaugurata al Centre Georges-Pompidou di Parigi il 18 marzo del 2009.

La mostra, realizzata grazie ad una collaborazione internazionale tra il Whitney Museum of American Art di New York e il Centre Georges-Pompdou di Parigi, ci regala uno dei momenti cruciali e al tempo stesso più affascinanti e reconditi della brillante carriera artistica di Alexander Calder: gli anni parigini (1926-1933) appunto, che videro la delineazione di quella che sarebbe diventata una delle figure più emblematiche dell’arte del XX sec.

Universalmente conosciuto per le sue sculture cinetiche, capolavori di ingegneria definiti “mobiles” da Duchamp (1931) e per le colossali sculture in metallo che colorano oggi alcune delle più importanti piazze del mondo (“stabiles” come li chiamò l’amico Jean Arp), Alexander “Sandy” Calder, che era figlio di due noti artisti statunitensi, aveva inizialmente deciso di intraprendere una carriera economicamente più stabile di quella dei genitori, laureandosi in ingegneria nel 1919. Ma la vocazione artistica era nei suoi geni, come dimostrano del resto alcuni giocattoli in legno che “Sandy” aveva creato all’età di appena 11 anni e fu proprio a Parigi, dove si trasferì nel 1926, che Calder maturò il suo eccezionale talento.

La mostra “Alexander Calder: LES ANNÉES PARISIENNES,1926-1933” ripropone passo dopo passo il percorso evolutivo di un genio che trovò nel gioco e nel movimento la sua più grande fonte di ispirazione. Troviamo qui le iIlustrazioni su carta che riproducono con intensità movimenti e atteggiamenti umani ed animali a partire da un unica e continua linea di inchiostro; ci sono poi le leggerissime sculture in fil di ferro, evoluzione tridimensionale delle prime illustrazioni, che ritraggono non solo celebrità dell’epoca (dalla star parigina degli anni ‘20 Josephine Baker all’attore Jimmy Durante e poi John D. Rockefeller, Helen Wills ed altri) ma anche alcuni tra gli amici più intimi dello stesso artista (il compositore Edgar Varesè, l’artista Joan Mirò e la modella Kiki de Montparnasse). Fulcro della mostra è indubbiamente l’opera “Le Grand Cinque Calder, 1927”, il Circo itinerante in miniatura, che Calder allestiva negli appartamenti privati e nei salotti parigini per guadagnare qualche soldo e grazie al quale l’artista sviluppò quel virtuosismo ingegneristico delle sue opere successive. L’esposizione si conclude infine con una ricchissima selezione di sculture: dalle prime creazioni cinetiche, animate da piccoli impeccabili meccanismi, passando per la serie delle “costellazioni” (sculture in legno e ferro che ricordano appunto le costellazioni), fino a quegli affascinanti “mobiles” che resero l’opera di Calder immortale.

Delivery-freak

2009-02-15T22:30:00.000+01:00

...la mania della consegna a domicilio!

Giapponese o messicano, libanese o vietnamita? Mmm…oggi ho piuttosto voglia di cucina creola!
Perché programmare pranzo e cena in anticipo, fare la fila al supermercato, affrontare freddo e neve o accontentarsi della solita minestra, quando basta alzare la cornetta, o meglio afferrare l’I-phone e ordinare uno tra gli infiniti piatti tipici del mondo che più stuzzica l’acquolina dell’istante? In men che non si dica un baldo giovane arriverà a casa, in ufficio o dovunque ci si trovi con l’oggetto dei desideri bell’e pronto su un vassoio.
A NY la parola d’ordine è DELIVERY!
Certo il delivery service non è una novità negli Stati Uniti, e neanche più in Italia dove è ormai moda in città come Roma o Milano; ma negli Stati Uniti la consegna a domicilio è diventata una vera e propria mania. Inutile quindi opporsi, cercando di andare contro corrente, anche il più rigoroso tradizionalista avrà difficoltà a resistere.
Musica, teatro, cinema, eventi, gallerie d’arte, New York è un vortice di novità, appuntamenti ed opportunità cui non è facile poter rinunciare; ma come riuscire ad incastrare tutto ciò nell’arco di 24 ore, quando più di un terzo del tempo lo si passa al lavoro? Ci si arrangia per come si può risparmiando fino all’ultimo secondo: c’è chi studia in metropolitana, c’è chi porta a passeggio il cane facendo jogging, c’è chi dorme 4/5 ore a notte e, taglia di qui taglia lì, a lavoro non c’è neppure tempo per la pausa pranzo! E quando quel certo languorino comincia a farsi sentire, che si fa? Food-delivery eccoti qua!

A NewYork non c’è ufficio, appartamento e posto di lavoro che si rispetti che non garantisca una selezione infinita di menu di bar, ristoranti e fast food per ogni età, gusto ed etnia, da contattare ad ogni ora del giorno e della notte per ordinare una delle incredibili specialità della casa: Yuca frita, Papa rellena e tostones da Cafè Havana, Toro-Tzukeyaky e Yasai-Itame dal giapponese Tomoe o ancora Arepas dal localino venezuelano dell’east village. Basta solo accontentarsi di quel minuscolo spazio vitale tra lo schermo e la tastiera del computer per pranzare sulla propria scrivania tra una email e l’altra ed il gioco è fatto!
Ma non è finita qui. Selezione illimitata si, ma mica solo in termini di menù. I newyokesi risparmieranno pure in tempo, ma la loro stravaganza non ha davvero limiti ed ecco allora il Delivery Service per ogni tipo di esigenza.
Per studenti e lavoratori notturni c’è “Insomnia cookies service” che dalle 20 alle 2.30 del mattino consegna biscottini appena sfornati per addolcire il lavoro e favorire il riposo. Per i cultori della linea c’è poi“The slimdown” che ti consegna direttamente a casa la dieta studiata apposta per te. E per chi proprio non ha un briciolo di tempo a disposizione c’è persino chi ti consegna a domicilio tutto quello che vuoi. Hai una voglia matta di mango, hai dimenticato di comprare il rasoio e di ritirare le camicie in tintoria? No problem, arriva”Max Delivery”!
Certo la consegna a domicilio ha un suo costo aggiuntivo e poi c’è la sacra mancia che non manca mai, ma che importa in fondo il tempo è denaro, no? Tu lavori, guadagni e con quei soldi paghi ad altri quello che poresti fare tu se non lavorassi tanto, logico no? Siamo in tempo di crisi…Almeno cosi lavorate in due.

La Semenza delle Tradizioni

2009-01-05T22:49:00.004+01:00

Una tavola imbandita di tutto punto, profumi della più tipica tradizione siciliana, pani cunzatu, pasta con le sarde, milinciane ammuttunate, buccellatini fatti in casa, cannoli con la ricotta, un centro tavola in maiolica raffigurante limoni ed arance della Conca d’Oro e tanto di Peppina e Carmelo, Giuseppe, Concetta, Salvatore e Rosa, Maria, Angela e Leonardo, Francesco, Gioacchino, Agata, tutti lì, attorno al tavolo, ad accogliermi come soltanto un siciliano DOC saprebbe fare. E dove collocare questo romantico quadretto? Ma negli Stati Uniti “ovviamente”!
In un viaggio a San Francisco con un amico californiano conosciuto a New York, durante i festeggiamenti di un battesimo a casa di amici di famiglia, la sua chiaramente, mi sono imbattuta in una situazione surreale, al limite tra il faceto ed il paradossale. Nel presentarmi ai padroni di casa è infatti bastato che pronunciassi appena la mia provenienza siciliana per ritrovami attorniata, in men che non si dica, da un branco di siciliani purosangue: tre intere generazioni di Baharioti (denominazione siciliana degli abitanti di Bagheria, in provincia di Palermo), più di 20 in tutto tra nonni, figli e nipoti, stavano lì, attorno a me, quasi fossi io una gocciolina di granita di limone caduta per terra, e loro, un branco di formichine pronte ad assalirmi. E per dimostrarmi la gioia di quel fortuito incontro, i miei compaesani, non la smettevano di abbracciarmi e riempirmi di domande, evidentemente orgogliosi di poter esibire quell’italiano o meglio dialetto siculo-americano quasi incomprensibile, nonché di farmi gustare le prelibate pietanze della cucina siciliana da loro preparate in occasione del battesimo.

I loro volti, le movenze, i nomi e i racconti, così impeccabilmente siciliani, sembravano essere stati ripescati da un quadretto di vita di un paesino della Sicilia degli anni ’50, quasi fossero rimasti ibernati per tutto questo tempo, congelati dai venti freddi dell’emigrazione transoceanica e rifioriti poi tra le tiepide colline californiane. E non solo, ma anche tutte quelle tradizioni culinarie, mentalità tipiche ed abitudini, oggi in allarmante processo di estinzione nella stessa madre Trinacria intaccate come sono dall’erosione del progresso e dell’evoluzione, avevano evidentemente attraversato l’oceano, quasi un secolo prima, insieme alla gente a cui appartenevano, avevano varcato confini affettivi, temporali e culturali ed erano approdati nel Nuovo Mondo dove, nutriti dalla nostalgia e dall’amore per la lontana terra madre, erano stati poi fedelmente tramandati di generazione in generazione.
Quella che sembra qui una sorta di parodia dell’emigrato italiano negli Stati Uniti è in realtà storia di vita vissuta per milioni di persone. Sono 16 milioni, quasi il 6 % dell’intera popolazione statunitense, i dichiarati italo-americani che risiedono oggi negli Stati Uniti, con un’altissima concentrazione nelle aree della East Cost, a New York, a Boston, a Chicago, a Baltimora, a Filadelfia e nelle San Francisco, San Diego e Los Angeles della West Coast. Sono loro i figli, i nipoti e i pronipoti di quella Grande Migrazione italiana negli Stati Uniti del primo quarto del XX sec e delle successive ondate migratorie degli anni ’50 e ’60 del Novecento, di cui i siciliani tra l’altro rappresentarono una altissima percentuale.

I primi emigranti erano principalmente contadini ed operai, gente umile, estenuata dalle guerre e dalla povertà ed attratta, come gazze, dal luccichio di un futuro migliore, in una terra, quella “Nuova”, dove si diceva piovesse denaro dal cielo e dove verdure e bestiame sembrava avessero dimensioni soprannaturali. Non sempre purtroppo le aspettative rispecchiavano la realtà dei fatti e spesso le difficoltà di una lingua incomprensibile, la denigrazione, la sottomissione e l’isolamento in un paese estraneo e sconosciuto spingevano al rimpatrio, ma altre volte il vecchio proverbio siciliano “Cu nesci arrinnesci” (“chi parte trova la fortuna”) sembrava avesse la meglio ed ecco che gli Stati Uniti rappresentavano la fruttuosa svolta, a volte onesta a volte meno, per tanta, tantissima gente.
Le ondate migratorie successive verso varie destinazioni in tutto il mondo, anche se meno colossali di quella prima Grande Migrazione del Novecento diretta agli Stati Uniti, rappresentavano sempre di più una soluzione, più o meno definitiva, alla frustrazione e all’insoddisfazione in una terra tanto promettente quanto problematica e riluttante al progresso come la Sicilia e, incredibile ma vero, quegli stessi siciliani tanto pigri, fannulloni, accidiosi e pantofolai tra le mura di casa, non appena varcato il lembo di costa che li separava dal resto del mondo, si trasformavano in imprenditori intraprendenti e volenterosi, propositivi ed irrimediabilmente solari, creativi e vincenti.
“Chissi ca partunu, sunnu comu la semenza ca si chianta nu terrenu cchiù fertili…chissi sunnu u futuro nostro” si sente nel film di Emanuele Crialese, “Nuovo Mondo” (Leone d'Argento Rivelazione 2006) che racconta appunto, con estrema intensità, l’avventura storica della Grande Migrazione italiana negli Stati Uniti, attraverso le vicissitudini di una famiglia dell’entroterra siciliano.
E come dar torto ad una simile premonizione? Tanti furono, infatti, i siciliani di prima, seconda o anche terza generazione che non solo ebbero successo nel Nuovo Mondo, ma che addirittura lasciarono un segno nella Storia. E come dar torto ad una simile premonizione? Tanti furono, infatti, i siciliani di prima, seconda o anche terza generazione che non solo ebbero successo nel Nuovo Mondo, ma che addirittura lasciarono un segno nella Storia. Chi non conosce ad esempio Frank Sinatra o Frankie Laine (orig. di Monreale) punte di diamante della storia della spettacolo e ancora maestri del Cinema come Frank Capra (nato a Bisaquino) o Martin Scorsese (orig. di Polizzi Generosa), e poi Al Pacino (di orig. Corleonesi) e Sylvester Stallone (orig. di Castellamare del Golfo), John Travolta e John Turturro (orig. di Aragona) o ancora l’attore palermitano Vincenzo Amato che ha lasciato l’Italia per trovare successo a New York, Joe Di Maggio stella del Baseball americano e chi più ne ha più ne metta? E se poi un Anthony Talamo Rossi, nato in Sicilia nel 1900 ed emigrato negli Stati Uniti nel 1921, non dirà nulla di per sè, la sua fortunata Tropicana Orange Juice, da lui fondata in Florida nel 1947 con appena 50 impiegati ed oggi Numero Uno al mondo per la produzione di succhi d’arancia, potrebbe rappresentare un valido esempio della brillante creatività siciliana al servizio della dinamica economia americana.

Che sia merito di geni conquistatori ricevuti dai nostri padri greci e romani, dotti fenici o bizantini, e ancora arabi, passionali spagnoli o raffinati francesi, o semplicemente la voglia di rivalsa sulla antimeritocratica terra sicula a spingere i siciliani più intraprendenti alla partenza e che magari poi sia colpa del “cavuru” di casa o la frustrazione per un sistema lento ed oligarchico a mediocrizzare e smorzare gli entusiasmi a chi rimane, davvero non si sa, certo è che se oggi, lontani dalle guerre e dalla forte povertà conosciuta dai nostri avi, quella tendenza migratoria di una parte preziosa del popolo siciliano continua a crescere, impoverendo drammaticamente ciò che rimane della nostra Grande Vecchia Trinacria, questo è il sintomo di un malessere ancora fortemente irrisolto che dovrebbe spingere gli uni e gli altri ad una profonda riflessione.

Due Babà, due cafè e… “Due Sanpietrini”

2008-11-13T15:01:00.000+01:00

Intervista a Baldo Diodato

Un ragazzino con la chioma candida, gli occhi trasparenti ed un caldo sorriso meridionale. Ecco come si presenta Baldo Diodato oggi, entusiasta ed appassionato come negli anni adolescenziali, ma con lo sguardo ricco di una saggezza che solo il tempo e l’esperienza possono regalare.

Baldo Diodato nasce a Napoli. Si forma artisticamente all’Accademia delle Belle Arti di Napoli e all’Accademia Albertina di Torino. A Napoli entra a far parte del “operativo 64” capeggiato da “Luca” insieme a Dentale, Carlini, Pattison, Rubino e Achille Bonito Oliva, teorico del gruppo; nel ‘66 la partenza per New York che, nata come semplice avventura, si trasformerà poi nell’esperienza più significativa della sua esistenza. A New York Baldo, o’ guagliò, si muove con disinvoltura per le vie di una città malleabile e spregiudicata, vitale ed accogliente che si appresta a diventare la Capitale Culturale del mondo. Sono gli anni della Pop Art, dell’Action Painting, dell’Arte Minimalista e Concettuale, dell’avvento della cultura di massa e della pubblicità, e Baldo entra a contatto con gli stessi Basquiat, Andy Warhol, Raushemberg, Lichtestein, Eric Fischle, John Torreano, Julien Shnabel ed altri. New York e la sua energia cinetica non possono che stuzzicare la creatività di artista e Baldo, nel suo studio/loft del Greenweech Village, progetta e crea di giorno, come un instancabile Stromboli, e la sera si diverte ad organizzare vernissage e degustazioni culinarie che profumano della sua cara vecchia Napulè. Nel ‘92, dopo quasi trent’anni di scorpacciate di quella Grande Mela, il ritorno in Italia.

Baldo Diodato, l’uomo, oggi a Roma, vive un nuovo capitolo della propria vita: il suo volto è sereno, rilassato, soddisfatto. Baldo Diodato, l’artista, continua a ricercare, sperimentare e creare senza sosta, forse, perchè no, attingendo ancora inventiva ed idee da quelle inesauribili riserve d’oltre oceano.

Lo incontriamo nel suo studio in Doria Panphili, nel cuore di Roma dove, tra babà, cafè e “Sampietrini”, ci racconta la sua ultima conquista creativa, ripercorrendo i sogni e le avventure che hanno disegnato la sua storia.

1. “Due Sanpietrini” e “Marco Aurelio” sono i sui ultimi successi espositivi. Calchi di pavimentazioni che risalgono alla Roma Papale (nel 1585 Papa Sisto V, nell’ambito di un’opera di rinnovamento urbanistico, fece pavimentare Piazza San Pietro con questi cubetti di selce, che dalla Basilica prendono il nome di Sanpietrini appunto), le sue opere racchiudono motivi minimalisti e concettuali, tracce di arte processuale ed happening; ci spieghi meglio di cosa si tratta questa sua nuova operazione artistica.

Nelle mie opere è possibile entrarci, viverle, uscirne. Tempo fa, a New York, guardando la gente, sempre in continuo movimento, ho provato la sensazione di assistere ad un vero e proprio spettacolo. Decisi così di farmi lasciare, inconsciamente e non, le loro impronte sulla tela bianca, le loro tracce, le loro immagini come "sculture viventi". Tornato a Roma, l'alluminio ha sostituito la tela dando vita a bassorilievi, iper-realisti e minimal, di strade e piazze romane.

2. Diceva Carlo Giulio Argan che “Esperienza estetica è quella che si fa attraverso i tre stadi dell’immaginazione: memoria, percezione, progetto (cioè passato, presente e futuro), e che si concreta ed esprime in un’operazione tecnica che produce oggetti economicamente privilegiati, le opere d’arte.” La sua ricerca sembra ricalcare nel dettaglio le parole dell’Argan. Storia, presente e futuro si sovrappongono nella sua opera. Lei cattura la pelle plurisecolare di Roma, con i suoi pori ingigantiti, le sue rughe, utilizzando delle lamine d’alluminio come fossero la pellicola di una polaroid tridimensionale, vi imprime il passo pesante e prepotente del contemporaneo ed infine lo appende alla parete di una galleria, conferendogli l’aurea luce di opera d’arte, dono per l’uomo di domani. E’ questo il frutto di un’idea che l’ha colpita come un fulmine a ciel sereno o è piuttosto il risultato di un più lungo percorso di ricerca?

Le illuminazioni, anche quando avvengono a ciel sereno, hanno radici profonde. I miei calchi su sanpietrini romani sono figli dei frottages su tela che facevo a New York, alla fine degli anni '60.

3. Il sampietrino, cosa significa per lei questo cubetto di selce e quando ha deciso di renderlo protagonista di una sua operazione artistica?

Del sampietrino mi interessa la forma quadrata molto più grande delle tessere per il mosaico: come nei mosaici questi cubetti s'incastrano l'uno nell'altro raccontando delle storie antiche, presenti e future. Dal 2000 ho effettuato dei calchi su laminati sottili di alluminio, per portarli poi nelle case come pavimenti, soffitti ed in gallerie di varie città.

4. Lei che ha vissuto in prima persona alcuni tra i momenti più significativi della Storia dell’Arte nel passaggio tra due millenni, come vede l’Arte contemporanea oggi e cosa pensa del modo in cui questa cerchi di farsi ascoltare?

L'arte contemporanea significa trovare il metodo per cambiare. Così è nata la civilizzazione, sin dall'invenzione della ruota; è desiderio di cambiamento. L'arte contemporanea oggi è una ricostruzione di particolari della natura, in cambio di soldi: arte= money. Nel '400 c'erano le botteghe, in seguito le gallerie e le fiere, oggi le aste.

“DEMON” HIRST

2008-10-13T20:36:00.000+02:00

BEAUTIFUL INSIDE MY HEAD FOREVER

Londra, 15 Settembre 2008, Sotheby’s Auction House.
C’è grande tensione oggi in casa Sotheby, la casa d’aste è gremita di gente. Visitatori, galleristi, collezionisti, critici e studiosi si muovono curiosi tra i corridoi e le sale espositive; il loro flusso rapido è sangue caldo, il loro passo frenetico è un battito tachicardico, i muri pulsano, le voci echeggiano. Sono loro gli ultimi testimoni di quella che passerà forse alla storia come la più sfrontata operazione di marketing mai registrata fino ad oggi nel mondo dell’arte. Oggi, Damien Hirst, il demone delle arti visive, l’artista più insolente degli ultimi 20 anni, sfida a viso aperto quel sistema dell’arte fatto di gallerie, collezionisti, critici e case d’aste, di cui lui stesso si è nutrito sin dall’inizio della propria carriera. L’artista, il cui lavoro è ufficialmente rappresentato dalle prestigiose gallerie White Cube di Londra e Gagosian di New York, ha infatti deciso, spinto dal suo fido manager Frank Dunphy, di vendere direttamente all’asta la sua più vasta collezione di opere, prescindendo, per la prima volta nella storia, dalla canonica figura intermediaria del gallerista. Le 223 opere, in mostra a Sotheby’s fino ad oggi pomeriggio, tutte create nell’arco degli ultimi 2 anni da Hirst e dai suoi 160 assistenti, saranno vendute dalla casa d’aste di New Bond Street tra oggi e la sera di domani.
Il mondo dell’arte freme. Siamo forse giunti all’inizio di una nuova era in cui non c’è più spazio per la figura del gallerista? E se oggi l’artista si traveste da gallerista, domani pretenderà forse di essere critico e poi curatore?

Londra, 17 settembre 2008, Sotheby’s Auction House.
Il match si è concluso ieri sera con la vittoria del Demone delle Arti visive. Solo 5 dei 223 lavori messi all’asta sono rimasti invenduti ed il ricavato complessivo, £111.000.000 (€140.000.000) ha superato le sia pur generose aspettative.

Provocazione o pura rivendicazione egemonica della figura dell’artista, Damin Hirst, punta di diamante degli Young British Artists (gruppo di giovani artisti inglesi che devono la propria fama ad una serie di esposizioni chiamate appunto Young British Artists, curate dalla Saatchi Gallery di Londra dal 1992 in avanti) nonché uno degli artisti più valutati e discussi del momento, ha concluso un’operazione plurimilionaria negli stessi giorni in cui l’economia mondiale tremava in seguito al crollo del colosso americano Lemhan Brothers.
Scriteriato o geniale che sia, l’artista inglese ha comunque trovato un ulteriore escamotage per attirare l’attenzione e far parlare di se.
Del resto non va dimenticato che tra le opere di maggiore successo nella Storia dell’Arte, numerose sono quelle che avevano destato scalpore tra gli ambienti culturali dell’epoca in cui furono presentate in pubblico. Il Caravaggio con il suo discusso utilizzo di prostitute, vecchi e storpi come modelli per raffigurare santi e vergini, Le déjeuner sur l'herbe (1863) di Manet, ritenuta oltraggiosa per aver rappresentato uomini con abiti borghesi contemporanei piuttosto che con veli e drappeggi dell’età classica, Coubert con la sua scandalosa L'Origine du monde (1866) che ritrae un organo genitale femminile in primissimo piano e poi Manzoni con la sua Merda d’artista (1961) e ancora Serrano che rappresentò un crocifisso immerso nelle proprie urine (Piss Christ, 1987). Ogni epoca ha avuto specifici parametri culturali di decenza e rigore morale e l’Arte, specialmente dall’Età Moderna in avanti, ha sempre tentato di metter in discussione tali limiti, per emergere, per farsi ascoltare.
Oggi, nell’età di Facebook e della globalizzazione dei rapporti sociali, di Google e dell’a-temporalità dell’informazione, oggi che pubblicità ed immagine dominano interi mercati ed economie, oggi che tutto è stato già visto e sperimentato, tranci di animali immersi in formaldeide, teste di vacche mozzate alla mercè di mosche affamate, cuori di buoi trafitti da spade ed esposti in vetrina, teschi tempestati di diamanti e decorazioni di farfalle stecchite, da soli non bastano più a generare lo scalpore desiderato. L’artista, si sente investito da una nuova responsabilità universale, sente la necessità di conquistare un ulteriore gradino nel podio dell’Arte e per farlo sceglie il gioco d’azzardo. Il rischio è alto, ma la posta in gioco, gloria ultraterrena e Jackpot plurimilionario, lo è ancora di più e Damien Hirst, sprezzante del pericolo e sicuro di se, si è infine assicurato il primissimo posto! Adesso che le carte sono state mischiate e la strada è stata spianata, chi sarà il prossimo sfidante?

New York – Havana, andata e ritorno:

2008-07-25T10:40:00.000+02:00

Cuba ieri..ieri e……ancora ieri!

Voglia di evasione e sete di conoscenza mi spingono ad una delle avventure culturali più interessanti mai sognate: New York – Avana, andata e ritorno.
Non appena tornata a NY, mi vien chiesto di scrivere un articolo sulla mia esperienza cubana, ed il cuore mi si riempie di gioia, rivivendo in un nano secondo l’intera settimana che mi ha visto ospite di questa incredibile perla dei Carabi. Politica, cultura, storia, volti, parole, emozioni, si muovono e si alternano sul palcoscenico cubano come protagonisti di una danza di gruppo, dove l’assenza di una sola figura renderebbe impossibile l’intera performance. Solo adesso mi accorgo di quanto possa essere difficile sintetizzare in appena poche righe tanto prezioso materiale. Scriverei per ore ed ore dell’architettura coloniale, degli splendidi palazzi e dei cortili memori di lusso e ricchezza, scriverei delle piazze barocche, degli imponenti monumenti, delle fantastiche vetture d’epoca, dei colori e degli odori, della natura e delle straordinarie sensazioni che hanno inebriato i miei occhi, le mie orecchie e la mia pelle in questa avventura cubana. Ma condizionata da tempo e spazio, mi limiterò a suggerire un’idea di cosa significhi vivere Cuba oggi, così come raccontato a me dallo stesso popolo cubano, unico e reale testimone della sua quotidianità.
Un diario di viaggio, il mio, che ripercorre parole, sguardi, confessioni e curiose domande di alcuni dei personaggi incontrati giornalmente. I miei interlocutori, a volte amici di amici di amici, altre volte personaggi conosciuti per strada o in albergo, su di un taxi o in spiaggia, con i loro spontanei commenti e le loro preziose informazioni, hanno arricchito le mie fallibili percezioni di straniera, offrendomi un’immagine più veritiera della realtà.
La fortuna di conoscere la lingua spagnola, si è rivelata poi una delle chiavi di lettura di questo prezioso e criptico volume che è Cuba ed al tempo stesso mi ha risparmiato la sconveniente etichetta di turista che mi avrebbe precluso un reale contatto con il Paese, o meglio, con la sua gente.

Il primo di tanti fortuiti incontri è avvenuto all’aeroporto di Nassau (Bahamas), uno degli scali obbligati per raggiungere Cuba dagli Stati Uniti. Gli Usa infatti, nemico numero uno del Governo Socialista Cubano, non prevedono alcuna connessione diretta con la perla Caraibica. Nassau in particolare è l’opzione più rapida ed economica se si vuole raggiungere l’Avana da New York. L’interminabile fila per il check-in (stile Sicilia anni ‘50) è stata piacevolmente intrattenuta dall’incontro con Adelfa ed il suo cucciolo di 5 anni, Fidel Ernesto. Adelfa, sociologa e professoressa universitaria, fa parte di quella copiosa parte di cubani non residenti a Cuba. Sia pur appoggiando fedelmente il Governo Cubano e le sue ideologie, così come si evince dal nome scelto per il figliolo, Adelfa ed il marito hanno optato per abbandonare l’Avana e spostarsi alle Bahamas dove, nonostante i limiti di una condizione di immigranti, i due possono ambire ad un degno salario, sogno irrealizzabile sull’isola di Cuba, e soprattutto alla libertà di viaggiare, dove e quando desiderato. Per la prima volta mi soffermo sull’assurda condizione di prigionia cui il popolo cubano è subordinato: i cittadini cubani non possono partire o tornare a Cuba senza un permesso ufficiale, che è del resto il più delle volte negato; chi parte non può tornarvi se non come turista e per un periodo di tempo limitato. Cuba è una roccaforte nel mezzo dell’oceano, inespugnabile, protetta da mura di una politica ed ideologia spesso estreme, appositamente edificate per impedire lo sguardo sul mondo ed il rischioso contatto con il virus del capitalismo.
Adelfa e Fidel Ernesto, passeggeri sul mio stesso aereo, mi riscaldano con il loro calore tipicamente latino. Adelfa poi, dopo avermi rimpinzata di consigli, indicazioni ed informazioni, mi fornisce contatti telefonici di tutta la sua famiglia, invitandomi per giunta a pernottare a casa della sorella, nel bel mezzo di quelle suggestive distese di tabacco della regione di Pinar del Rio. Seppur allettata dall’idea di seguire i due simpaticissimi personaggi, decido di proseguire la mia avventura solitaria, diretta all’Avana, tappa obbligatoria di ogni battesimo cubano.

Arrivata finalmente all’Avana, dopo un interminabile susseguirsi di controlli, attese ed improbabili servizi d’accoglienza, incontro il mio secondo interlocutore: il giovane tassista Miguel. L’enorme zaino da campeggio, il mio abbigliamento da safari e la guida della LonlyPlanet non aiutano a camuffare la mia condizione di turista novella e Miguel mi rivolge poche, brevi e glaciali battute in un inglese di primo soccorso. Rispondo istintivamente nel mio fluente anche se non perfetto spagnolo e Miguel, che fino a quel momento non mi aveva neppure degnato di uno sguardo, dopo avermi bucato le pupille con un’occhiata di stupore, si apre ad un interessantissimo dialogo. Miguel è un ingegnere navale, laureato con il massimo dei voti e, a causa del ridicolo stipendio che il governo cubano predispone per la sua professione, è costretto al lavoro di tassista. A Cuba infatti l’unico settore che permette di guadagnare discretamente è quello turistico. Non solo il turismo rappresenta una delle voci più importanti dell'economia del Paese, ma il contatto quotidiano con i turisti permette un accesso privilegiato al CUC, Peso Cubano Convertibile, la sorella ricca delle due monete ufficialmente in vigore a Cuba, quella destinata appunto ai servizi accessibili agli stranieri. Miguel mi spiega meglio l’assurdo concetto della doppia moneta. Il governo Cubano, fonte unica ed assoluta di reddito del paese, elargisce per il suo popolo stipendi, pensioni, servizi e prodotti di produzione locale in Peso Cubano Nacional; per i turisti e per tutti i servizi a loro accessibili lo Stato prevede invece il Peso Cubano Convertibile (CUC), che ha all’incirca lo stesso valore del dollaro statunitense ed è l’unica moneta di cambio accettata nel paese. Fin qui nulla di eccezionale, ma se consideriamo che $1 vale 24 Pesos Cubanos Nacionales e che lo stipendio medio mensile dei cubani è di circa 480 Pesos Nacionales=$20=€13 (medici, professori…), aggiungendo poi che tutti quei prodotti di importazione, ma pur sempre di prima necessità, come il dentifricio (2CUC), la benzina (CUC 0,90/litro) e l’abbigliamento, sono acquistabili esclusivamente in CUC anche per il popolo cubano, quello stesso che ne guadagna appena 5 in una settimana, ci rendiamo conto dell’assurdità di tale situazione e di quanto una mancia di appena $1, possa essere incredibilmente preziosa a Cuba.

La ricca conversazione con Miguel brucia in un sol soffio quasi un’ora di tragitto dall’aeroporto all’albergo sulla spiaggia di Santa Maria del Mar (20Km ad est dell’Avana) e, appena arrivata in camera, la vista su quello sconfinato oceano ed il caldo colore del sole pronto al riposo notturno mi riempiono completamente, cancellando ogni residuo dello smog, dei rumori e della frenesia della Grande Mela. Dimenticando poi la stanchezza di un viaggio cominciato alle 4 del mattino, corro felice giù per le scale, poi dritta fino all’oceano: la mia avventura cubana è finalmente cominciata! Dopo essere rimasta letteralmente ipnotizzata per alcuni minuti di fronte a quell’orizzonte infinito, mi rendo conto di non essere sola in spiaggia. Alle mie spalle una famigliola autoctona mi da calorosamente il benvenuto. Sono Miriam, Lluis, Derian e Yara e mi invitano ad un brindisi, sugellando in questo modo una nuova, vera amicizia. Miriam e Lluis, sposini novelli, sono ospiti del mio stesso albergo in occasione della loro Luna di Miele, mentre Derian (21) e Yara (18), figli di Miriam, sono solo di passaggio sulla spiaggia dell’hotel. Sin da subito i miei nuovi amici si aprono a confidenze, domande e curiosità, dimostrando grandissima voglia di parlare ed appagando così la mia mente assetata di sapere. Il governo Cubano, mi spiega Lluis, seppur negando ai suoi cittadini ogni libertà di movimento fuori dal paese, offre invece agli sposini novelli il contentino di una Luna di Miele di 5 giorni (all-inclusive) da trascorrere in una delle strutture alberghiere dell’isola. Cercando di celare il mio istintivo stupore, evito domande e commenti forse indiscreti, ma la mia mente si abbandona ai più azzardati pensieri. Sembra quasi che il governo cubano utilizzi la tecnica del “Bastone e Carota” limitando, proibendo, negando e, quasi consapevole del rischio di una irreversibile esplosione a tanto eccesso, tratti di concedere di tanto in tanto un regalino qui ed uno lì. Ed a dire il vero, osservando gli enormi sorrisi di Miriam e Lluis, felici e quasi increduli di vivere il lusso di una vacanza alberghiera che non avrebbero mai potuto permettersi, sembra che la vecchia tecnica funzioni perfettamente. Non va poi dimenticato che fino a pochi mesi fa, prima del 24 febbraio 2008, quando Raul Castro ha succeduto, dopo 49 anni di presidenza, il fratello Fidel, il soggiorno in una struttura alberghiera era altamente proibito a qualunque cubano. Oggi gli hotel sono finalmente legalmente/teoricamente accessibili alla popolazione, sebbene rimangano nella pratica un lusso decisamente off-limit. Quanti possono infatti permettersi di pagare 77 CUC (quasi quattro mesi di stipendio) per una sola notte di lusso e relax? Quanto il nuovo regolamento inciderà nella qualità di vita dei cubani, senza rappresentare invece un incremento della prostituzione?
Queste e tante altre le contraddizioni dei nuovi cambiamenti che il nuovo governo vanta di aver attuato nei suoi primi tre mesi di vita. Oggi i cittadini cubani possono addirittura acquistare telefoni cellulari, lettori DVD, forni a microonde, computer, assolutamente vietati fino a pochi giorni fa, ma quanti saranno in grado di concedersi tali privilegi?
Avvertendo un certo languorino, propongo all’allegra famigliola di continuare la conversazione nel ristorante dell’albergo. A tavola l’insaziabile conversazione non cede neppure per un istante, e questa volta si parla di NY, dell’Europa, dell’Italia. Miriam e Lluis non nascondono il desiderio di conoscere la realtà fuori dalla fortezza di massima sicurezza di cui sono prigionieri, e domandano, chiedono, riflettono…

La mattina seguente mi sveglio prestissimo, impaziente tanto di visitare l’Avana quanto di incontrare Caridad T., rinomata scrittrice cubana con la quale una mia amica newyorchese, scrittrice anche lei, mi ha messo in contatto. Tralasciando in questo contesto i miei entusiastici commenti sull’architettura della “Capital de todos los Cubanos”, che credo comunque essere una delle più grandi meraviglie cui i miei occhi avranno mai accesso, racconterò del mio incontro con Caridad e di quanto questo stesso mi abbia regalato in termini di nozioni ed informazioni.
Valutando inizialmente l’idea di incontrarci nella sede dell’istituto culturale per il quale Caridad lavora, optiamo infine per una più tranquilla cenetta e Caridad, in un atteggiamento che accomuna incredibilmente il popolo latino a quello siciliano, insiste per invitarmi a casa sua. Passeggiando per la suggestiva “Havana Vieja” (centro storico della città) in direzione del “barrio chino” (quartiere cinese) dove Caridad vive insieme al suo compagno Yuri, attraverso ora il quartiere di “Centro Havana”, dove sorge l’ottocentesca Universitdad de la Havana. Le strade sono affollate di giovani e, di tanto in tanto, una delle fantastiche Chevrolet d’Epoca si fa spazio tra la folla. Lluis e Miriam, rispondendo alla mia eccitazione alla vista di quelle fantastiche automobili anni ’50 che colorano le strade di Cuba, mi avevano raccontato che si tratta per il 90% di “taxi en divisa nacional” (Peso Cubano Nacional) accessibili per legge solo ai cubani (targa gialla); i taxi per uso turistico hanno invece la targa blu e prevedono tariffe in CUC. I taxi en divisa Nacional sono uno dei mezzi di trasporto pubblico più comuni a Cuba e, anche se la tariffa di 10/20 Pesos Nacionales li rende abbastanza cari, sono comunque molto popolari. Si tratta di taxi collettivi, che prevedono delle rotte prestabilite (quasi fossero autobus). Provo a fermarne uno, non resistendo al desiderio di viaggiarvi dentro, e sorprendentemente si ferma. Il tassista, un po’ infastidito dalla mia condizione di straniera, mi chiede la mia meta e, avvertendomi di non aprir bocca nel caso la polizia dovesse fermarci, mi porta a casa di Caridad. Il taxi è affollatissimo, siamo in 6, tutti cubani meno la sottoscritta; la musica tipicamente cubana emessa dall’autoradio mi ricorda di essere a Cuba, che meraviglia!!!
La casa di Caridad e di Yuri (lei trentenne, lui trentunenne), non rispecchia le mie aspettative e mi vergogno tra me e me avendo immaginato uno di quegli arredamenti coloratissimi, forse economici ma attenti al dettaglio ed alle mode, tanto comuni tra i giovani nel mondo al quale io sono abituata. Casa di Caridad ricorda invece una casa popolare abitata da una coppia ultrasessantenne, mobili anni ’50 un pò malandati, tappezzerie rattoppate, le mattonelle della cucina e del bagno crepate, in cucina una vecchia caldaia e le condutture dell’acqua a vista, in più l’illuminazione a neon non aiuta di certo a conferire al tutto un apparenza accogliente, ma nel centro della stanza una tavola accuratamente imbandita, cattura la mia attenzione: zuppa di ceci, carne di maiale ai ferri, riso saltato in padella, insalata mista, verdure di stagione, pomodori succosi e un delizioso frullato di mango, nella più tipica tradizione cubana. Gli alimenti basici non scarseggiano a Cuba e per strada la gente non appare certamente malnutrita, mentre sì che mancano quelle magrezze stile “voglio fare la modella” al limite della salute, così comuni nella nostra società dell’immagine e dell’apparenza. Sebbene qui il cibo non manchi, è comunque considerato un dono prezioso e Caridad mi racconta di come sia organizzata la gestione dell’alimentazione a Cuba.
A partire dal 1962, tre anni dopo la Revoluciòn che ha portato Fidel Castro a governare il paese per quasi mezzo secolo, lo Stato ha impiegato una tecnica di razionamento mensile di alimenti basici per ogni cittadino, così da assicurare la base di quella uguaglianza tra i cittadini, teorizzata dal partito comunista. Ogni cubano possiede tutt’oggi una “libreta de racionamento” (libretto delle razioni) con la quale recarsi al mercato e riscuotere la propria razione mensile di alimenti di prima necessità. La razione mensile per persona prevede 8 uova, 2 kg di zucchero bianco, 300 gr di sale, 1 pacchetto di caffé da 100 gr, 500 gr di olio, 100 gr di strutto, 2 kg di riso, 450 gr di legumi (2 tipi a scelta tra ceci, lenticchie e fagioli neri), 200 gr di pollo,1 panino al giorno, 1 ed 1 sapone detergente, mentre invece frutta, verdura e pesce, non facendo parte della razione di diritto, devono essere acquistate separatamente e a proprie spese.
La conversazione con Caridad e Yuri spazia da argomenti letterari a temi politici, da riflessioni storiche a sogni e speranze per il domani. Penso alle chiacchierate con Adelfa, con il tassista Miguel, con i miei amici Lluis e Miriam e mi rendo conto di come nessuno di loro, nonostante l’esplicito desiderio di moderazione nelle misure prese dal Governo, si sia spinto a critiche reali; tutti hanno invece dimostrato una lucida consapevolezza riguardo alle malattie della mia società capitalizzata. Mi chiedo se si tratti di reale consenso al governo o se piuttosto dietro questo atteggiamento si nasconda la paura o l’incapacità di opporsi ad un educatore decisamente autoritario. Caridad mi informa però dell’esistenza di numerose voci di disaccordo, critica ed opposizione al governo in auge.
“Porno para Ricardo” ad esempio, gruppo musicale punk rock di grande successo nazionale ed internazionale, fondato alla fine degli anni ‘90 dai musicisti cubani Ciro Javier Díaz Penedó, Luis David González, Gorki Águila e Oscar Pita, esprime attraverso i testi delle canzoni, l’insoddisfazione di una prigionia forzata, della mancanza di libertà e l’insofferenza di fronte alle insostenibili contraddizioni del governo cubano. Nel settembre del 2003 il leader del gruppo Gorki Águila è stato arrestato dallo Stato e condannato ad una prigionia di semi-isolamento fino al marzo 2005; da allora il gruppo, irreversibilmente sotto censura, continua a suonare ed incidere musica al riparo dall’occhio pubblico, ma sostenuto da un incredibile numero di fans.
Esiste poi “Generacion Y” (www.desdecuba.com/generaciony), un blog online fondato dalla giornalista e filologa Yoani Sánchez e dedicato a tutti quei Yanisleidi, Yoandri, Yusimí, Yuniesk, (generazione Y appunto) che come lei, figli degli anni ‘70 e ‘80, sono cresciuti con le bamboline russe e segnati dalle uscite illegali e dalla frustrazione. L’autrice, grazie al suo occhio inquisitore e alla voce tagliente riguardo alla quotidianità cubana, è stata recentemente premiata con la targa “Ortega e Gasset” in giornalismo digitale e selezionata dalla rivista americana “Time” come una tra i 100 personaggi più influenti del pianeta.
L’intensità degli argomenti trattati e l’entusiasmo nell’affrontarli mi fa perdere ogni cognizione del tempo, è ormai notte fonda! Mi scuso per il tanto parlare e, ringraziando per l’ottima cena culturale, mi dirigo verso l’uscita. Prima di lasciarmi andar via Yuri e Caridad mi donano il più autentico dei souvenir, si tratta delle ultime 6 copie del giornale ufficiale del Partito Comunista “Il Granma” (così chiamato in onore della storica nave “Granma” che portò alcuni combattenti rivoluzionari, tra cui Fidel Castro ed Ernesto Che Guevara, da Cuba al Messico durante la Rivoluzione Cubana del 1956). Un prezioso documento sulla diffusione dell’informazione sull’isola ed una evidente testimonianza di come ed in che misura i fatti del mondo siano filtrati al popolo cubano. Inoltre, due, tre o quattro volte la settimana, il giornale dedica una sezione speciale alla rubrica “Reflexiones del compañero Fidel”, nella quale l’ex presidente affronta e commenta, in prima persona, importanti argomenti d’attualità. Caridad e Yuri hanno perfettamente colto l’essenza del mio viaggio e il loro regalo gratifica gli affanni della mia ricerca.

Le parole sfuggono alla mia penna, rapide, incontenibili! Avrei ancora tanto da scrivere, tanto da raccontare, tanto su cui riflettere accompagnata dallo scorrere veloce della mia mano sulle pagine di questo diario, ma per il momento credo sia abbastanza; abbastanza per non sovraccaricare il lettore ed abbastanza per incoraggiarlo forse ad intraprendere una simile esperienza nell’isola che vive oggi, forse ancora per poco, nel suo indimenticabile passato.

Dance dance dance

2008-06-10T05:17:00.000+02:00

Moses Pendleton al Joyce Theatre di New York

New York City, città di opportunità, di business e di finanza, città di arte e di architettura, di grattacieli e di graffiti, è anche città di musica e di spettacolo, dei Gospels di Harlem e del RAP del Bronx, del cinema di Woody Allen, delle mille lucine di Broadway e delle sue sorelle minori, Off-Broadway e Off-off-Broadway, del più tipico dei balletti e delle coreografie contemporanee sperimentali.
Giornalmente migliaia di eventi, culturali e non, sono concepiti dal ventre sempre gravido e fecondo di New York City, la quale, da brava madre che si rispetti, premurosa ma anche perfetta educatrice, si preoccupa ogni volta di ricordare, commentare e raccontare ai propri cittadini gli infiniti appuntamenti in programma, grazie all’aiuto di specifiche riviste settimanali o mensili. TimeOut ad esempio, settimanale ideale per soddisfare il lettore più esigente, offre giorno per giorno un’accurata selezione degli eventi più interessanti della settimana, ordinatamente suddivisi per categorie d’interesse (arte, libri, locali, commedie, danza, cinema, bambini, musica, sport, teatro…).
E sebbene le selezioni di TimeOut abbiano difficilmente deluso le mie aspettative, colgo spesso l’occasione di una recensione particolarmente positiva per mettere alla prova e testare il gusto sopraffino di critici ed intenditori, adoperando a tal proposito quello di un palato grossolano come il mio. Sbirciando e curiosando tra gli appuntamenti di danza selezionati dalla rivista, lo scorso 1 giugno 2008, lo spettacolo Lunar Sea interpretato dalla compagnia di danza MOMIX, cui era dedicata attenzione particolare, ha catturato il mio sguardo famelico, portandomi di gran corsa sulla platea del Joyce Theatre di Chelsea.

Se solo avessi ignorato la vera natura dello spettacolo, la percezione fallibile dei miei occhi mi avrebbe lasciato pensare ad un gioco di stile della più sofisticata grafica digitale o ad un’opera di video art, o piuttosto alla proiezione di un intrigato caleidoscopio, nel quale forme bianche, fluorescenti e sottilissime si muovevano, si dilatavano, si ristringevano, apparivano e scomparivano sullo sfondo buio e nerissimo. Dietro quella fallibile apparenza d’immagini digitalizzate e computerizzate, si nascondeva in realtà l’arte, la tecnica, il sudore e la fatica dei 12 incredibili ballerini-illusionisti della compagnia di Danza MOMIX, diretta dal coreografo-illusionista statunitense Moses Pendleton. La selezione musicale poi, dalle creazioni del grande Hans Zimmer, agli esercizi di stile dell’artista Bruce Odland, ai pezzi da lounge bar tratti dall’album “Buddha Experience - Zen Trance”, suggeriva una perfetta atmosfera surreale, ricreando ora l’illusione di un sogno, ora la sensazione di un viaggio extra terrestre.

Lunar Sea, infatti, nuovo fiore all’occhiello di Moses Pendleton, vuole ricreare la fluttuante sensazione di una danza sulla superficie lunare, dove solo la presenza di 1/6 della gravità terrestre, potrebbe giustificare quei salti vertiginosi in slow-motion e quelle impossibili acrobazie mozzafiato.
Lo show è suddiviso in due parti e, sebbene la prima delle due possa apparire vagamente ripetitiva e un pizzico deludente dal punto di vista dell’arrangiamento musicale, il secondo set recupera in gran stile, colmando ed appagando l’aspettativa iniziale.
La tensione e la perfezione estetica rimangono elementi centrali dell’intera performance e, se tre delle diciotto coreografie rappresentate, lasciano facilmente distinguere figure e presenze umane, per il resto è addirittura impossibile individuare l’esatto numero dei ballerini sullo scenario. Si percepiscono i movimenti e le azioni, ma il più delle volte non si riesce a distinguerne la provenienza e le figure sembrano volare, nuotare, allargarsi, dissolversi. L’illusione infatti è l’altro ingrediente fondamentale di questo sofisticato banchetto. L’uso dei costumi disegnati dalla mano artistica di Phoebe Katzin, lo studio di luci ad opera di Joshua Starbuck, l’escamotage dello sfondo nerissimo e la direzione esperta e creativa di Moses Pendleton contribuiscono indubbiamente a creare straordinarie illusioni ed effetti ottici, ora nascondendo singole parti del corpo dei ballerini, ora addirittura celando intere figure ma, senza l’incredibile preparazione fisica dei 12 interpreti e protagonisti, sarebbe davvero difficile immaginare una rappresentazione di tale straordinaria bellezza.

In realtà, la bravura artistica dei ballerini sembra quasi non ricevere adeguato riconoscimento per l’intera prima parte dello show, alcuni di loro sono totalmente invisibili in scena e altri irriconoscibili perché avvolti da capo a piedi in tute super elasticizzate che non lasciano trasparire un solo centimetro di pelle; ma con l’inizio del secondo set la dignità artistica è degnamente ripagata; i volti e le espressioni sono finalmente riconoscibili, i capelli prendono corpo, la pelle e le possenti muscolature sono svelate! La comicità delle ultime coreografie poi, insieme con la personale e libera interpretazione concessa dal gran finale, sembrano addirittura regalare una traccia delle singole personalità, suscitando così un crescendo di esaltazione ed applausi da parte della platea che, a ritmo di musica, intende ringraziare uno spettacolo tutt’altro che comune!

OFFIcoffee…una moda firmata New York!

2008-06-10T05:01:00.000+02:00

Viaggiare, conoscere, sfidare la propria natura d’animale sociale, di siciliana avvinghiata a mamma orsa ed allontanarsi da tutto e tutti per cominciare un nuovo capitolo in terra straniera. E’ sempre stato il mio sogno e oggi, ventiquattrenne, camminando a passo svelto lungo le vie della mia vita, ora sfrecciando ora inciampando e rallentando, mi fermo, mi volto su me stessa e vedo alle mie spalle, come dita di una mano calda e familiare, cinque nidi che mi hanno protetto e sostenuto, cinque case che mi hanno ospitato ed insegnato a conoscere le due facce della libertà, dolcezze e amarezze dell’indipendenza. Palermo, Roma, Barcellona, Milano ed infine New York, cinque diverse, diversissime realtà ed uno stesso, identico processo d’appropriazione che da turista e straniera ti fa pian piano sentire a casa. In realtà è proprio tale processo ad affascinarmi maggiormente e a spingermi ogni volta ad una nuova meta. La novità, infatti, aguzza la vista e permette di cogliere dettagli e aspetti altrimenti inaccessibili a chi già permeato in un sistema.
Con gli occhi ancora per poco luccicanti di turista/cittadina precaria ricerco nella quotidianità di New York mode e stili di vita, quasi ormai banali per chi la vive giorno dopo giorno, ma incredibilmente affascinanti per chi la osserva con sguardo straniero.
Ecco dunque che fra tante, tantissime tendenze newyorchesi il mio occhio scrutatore individua gli OffiCoffee (Office Coffee>Cafè Ufficio). Ai freelance, ai lavoratori nomadi, alla miriade di scrittori, artisti, designer e liberi professionisti che prediligono il lavoro fuori casa e che non possono permettersi il prezioso affitto di un ufficio, la mente creativa di New York ha regalato dei cafè/librerie di nuova generazione, gli OffiCoffee appunto: luoghi discreti, silenziosi e accoglienti che, offrendo gratuitamente connessione internet a banda larga, permettono ai propri clienti di lavorare con il proprio laptop e al tempo stesso di usufruire di una ricchissima selezione di libri e riviste da acquistare o consultare semplicemente, tentati di tanto in tanto ad interrompere la concentrazione raggiunta con un caffè, un cupcake (dolce tipico, simile ad un plumcake monoporzione, ricoperto in superficie di crema di zucchero e amido), un sandwich o una sfiziosa insalata e perché no a scambiare due chiacchiere con i sempre sorridenti impiegati o con il vicino di sedia. I quartieri Bohemien di NY: Greenwich Village, Soho, Noho, Nolita, East Village, Lower East Side sono ormai disseminati di OffiCoffee (Epistrophy, Soy Luck Club, ThinkCoffee, Doma, Grounded, etc.) ma tra tutti, uno in particolare merita una più degna attenzione: McNally Robinson.
Ricordo ancora la mia illuminazione quando, passeggiando per il quartiere Nolita a pochi giorni dal mio arrivo a NY, estasiata dalle coloratissime vetrine delle boutique di Prince Street e dall’eccentrico abbigliamento dei giovani per le strade, mi sono imbattuta per la prima volta in McNally Robinson. Rimasi di stucco dinanzi alle vetrine di quella libreria, e osservandone l’interno me ne innamorai perdutamente: tanti piccoli tavolinetti circolari sormontati da altrettanti micro-computer occupavano la sala e, piegati su di essi e concentrati sul proprio lavoro, figure longilinee e stravagantemente eleganti animavano il locale. Nonostante la sala fosse piena di gente, quell’ambiente trasmetteva un senso di quiete che mi spinse ad entrare. Il profumo di caffé e pane tostato inebriarono la mia mente. Era un cafè, un cafè dentro una libreria e sembrava essere incredibilmente popolare! Chi sfogliava delle riviste su un grande tavolo in legno e chi scriveva rapidamente sulla tastiera del proprio computer, chi assaporava un cappuccino e chi scambiava due chiacchiere con un amico con tono di voce però assolutamente rispettoso del lavoro altrui. Un impiegato sorridente mi venne presto incontro intuendo che fossi nuova da quelle parti e mi informò sul programma di eventi offerti gratuitamente ogni giorno alle 7pm: letture, incontri con gli autori dei libri in vendita, workshop di scrittura creativa offerti gratuitamente; il cafè e la libreria restavano aperti lunedì-domenica, 10am-10pm; gratuita la consultazione dei libri e delle riviste, così come la connessione ad internet…Mi sembrò il Paese dei Balocchi della cultura!!
Da allora cominciai a frequentare McNally Robinson ogni qualvolta avessi del tempo libero, assistendo ai seminari e alle letture, sfogliando libri e riviste e, diventando da lì a poco io stessa una freelance in giro per NY con il mio macbook, feci presto di quel “magico” luogo una seconda casa. Dico “magico” perché in effetti una strana, “magica” energia popola McNally Robinson: una energia centrifuga che attrae in maniera inesorabile chi la assapora, una energia che ha ispirato la creazione di sceneggiature e libri destinati a grande successo, una energia che lega vite apparentemente lontane e le intreccia sotto forma di incontri inaspettati e coincidenze, talmente improbabili e surreali da suggerire a volte lo zampino di una mano tutt’altro che ingenua…

Pianeta New York:

2008-04-06T05:37:00.000+02:00

Una settimana lunga un mese

È un freddo lunedì di marzo e New York si è svegliata avvolta da un soffice manto bianco. Seduta, all’interno di un vagone della metropolitana, che da downtown mi porterà nell’Upper East Side, dove lavoro, mi guardo attorno, sorpresa da tanto silenzio e mi ritrovo circondata e riscaldata da una folla calma ed ordinata. Improvvisamente sento il mio sguardo levarsi dal mio corpo per osservare la scena dall’alto. Incredula ma divertita da tale assurdità, vedo me stessa seduta in quel vagone della metro, tra centinaia di persone; ognuno di noi, immobile, impassibile in uno di quei rarissimi momenti di pausa e riflessione che la città ci concede. Divertendomi ad immaginare il prossimo breve futuro di ogni singolo compagno di viaggio, vedo operai avvolti in pesanti giacche a vento, pronti a lavorare all’aperto in mezzo alla neve, nei cantieri di una città che cresce e cambia a vista d’occhio, vedo businessmen elegantemente vestiti in vista di un importante appuntamento di lavoro, designer alla ricerca di nuove idee, banchieri, avvocati, artisti, musicisti, studenti, sognatori, ognuno così impaziente di riprendere la propria corsa competitiva in una NY che tanto palesemente offre quanto tacitamente ruba alla nostra natura umana. Il mio sguardo curioso e scrutatore s’imbatte poi nella mia figura. È così strano vedermi dall’alto. Non riesco a percepire il mio pensiero, ma dalla mia pelle traspira sana trepidazione, e d’improvviso mi sobbalza in mente la mia meta della giornata: il Whitney Museum of American Art, dove lavoro da quasi 3 mesi.

All’improvviso la voce elettronica dell’auto parlante, annunciando la fermata “77th street”, mi desta dai miei pensieri e, ancor prima di rendermene conto, mi ritrovo catapultata sulla 74° strada. Mi faccio spazio tra la folla e corro verso la mia meta. Sento il mio sguardo sollevarsi ancora una volta dal mio corpo, in alto sempre più in alto. Davanti ai miei occhi gli interni dei lussuosi appartamenti di Park Avenue e poi ancora più in alto fino a veder le cime dei grattacieli. Seguo la mia figura cercando di non perderla d’occhio, ma il colore dei miei capelli e i miei abiti perdono chiarezza di dettaglio, e finisco per disperdere la mia sagoma in quella folla disordinata di formichine impazzite all’uscita del formicaio, ognuna con il suo obiettivo quotidiano, ognuna con la sua intricata rete d’appuntamenti, relazioni, orari, impegni. Corrono e si affannano, frenetiche. Sembra davvero che la gente a New York cammini e si muova più velocemente che nel resto del mondo, sembra che addirittura parli, mangi, scriva e pensi più velocemente. Tutto è relativo, il mio buon padre docet, mai come adesso gli do ragione. Tutto è davvero relativo, e NY sembra avere una dimensione temporale a parte. Credo che una settimana newyorchese corrisponda almeno a 3/4 settimane vissute nella nostra frenetica Milano e a circa 2 mesi della più rilassata Palermo. Le 24 ore di una giornata non sono davvero sufficienti per vivere “a velocità universale” tutto ciò che la Grande Mela offre e così si è costretti ad accelerare il ritmo delle proprie azioni a tal punto da dilatare il tempo in cui le si vive e le giornate durano settimane e le settimane durano mesi…

Personalmente, nell’arco di una sola settimana, le poche briciole d’impegni ripetuti quotidianamente (il lavoro al Whitney Museum, quello di babysitter, le lezioni di danza), sono prontamente spazzate via da una quantità sorprendente di mani strette, di nomi, di stimoli, d’occasioni desiderate o assolutamente inaspettate: partecipare all’esclusivissimo vernissage della Biennale d’Arte Contemporanea del Whitney Museum of American Art tra artisti, galleristi, collezionisti, critici d’arte tra i più rispettati al mondo e conoscere il grande artista Jonh Baldessari in persona; ricevere un invito a cena da “Cipriani”, uno dei ristoranti italiani più rinomati della città e, delusioni gastronomiche a parte, aver la fortuna di ritrovarmi davanti Tony Bennett in persona che ad intonar “For once in my life”; assistere alle riprese di un video d’arte all’interno di un modernissimo, quasi fantascientifico, loft di Soho, tra registi, cameraman, make-up artists e ballerini di fama internazionale e poi raggiungere gli amici squattrinati in un economico localino di Brooklyn per assistere al concerto dell’amico musicista messicano, Rana Santarcuz; adempiere ai doveri d’alunna-insegnante in una lezione bilaterale Italiano-Giapponese con l’amica Hiromi e poi acquistare un biglietto per il concerto di Aretha Franklyn; raggiungere degli amici italiani nel ristorantino di loro proprietà nel cuore di Nolita (Nord di Little Italy) e, bevendo un ottimo Sirah, sentirmi a casa e…

“The next stop is Bleecker street”! La voce elettronica della metropolitana mi risveglia ancora una volta dal mio fantasticare e mi riporta sul Pianeta NY. È la mia fermata, sono arrivata a casa. È domenica sera, un’altra settimana lunga più di un mese si è appena conclusa…chissà cosa mi riserverà la prossima…del resto come diceva qualcuno “Domani è un altro giorno e si vedrà…”

The New-New Museum

2007-12-05T15:37:00.000+01:00

A colossal 30hour-opening began last Saturday to welcome art and architecture lovers from all over the world in what could be considered the Newest New York Newness: the opening of a new home for the New Museum of Contemporary Art, located on the Bowery. The extreme challenge of a new art center’s birth in Downtown Manhattan, as a connection between the LES and SOHO, future and past art homes, was conceived in 2002, and after a five-year incubation, finally came to life on December 1.

Looking back at that Saturday morning, where a long and excited snake-like line of people ran alongside the corner of the building waiting to attend the New-New Museum first show in the Bowery, I see myself holding my precious ticket in front of the Building in an extremely excited mood. Great expectations, great predictions, powerful imagination, all at once sadly lost in a few minute-walk through the main door of the Building.

The event in fact, over publicized and over hyped child of the advertising industry, was lost at its first breath. Any surprise or revelation met visitors at their first walk into the Hall. What else could you expect from a white, aseptic, cool and square outside if not a white, aseptic, cool, neutral and square depth? Whether the outside of the building, $50,000 work of the Japan-born young architects Sejima and Nishizawa, could still give some excitement because of the expectation-rising tension, the inside, excepting some interesting details, is strongly disappointing because of its over-plain, over-consistent whiteness and the ugly and hospital-like illumination. But what definitely wins in the disenchantment competition is the Exhibition’s organization. A hodge-podge of “Un-monumental” objects, lost in their over melted placement and hardly linkable to the small white paper-cut labels upon the white walls, are arguably unconnected with any, doubtless invisible, line of meaning.

The building, after revealing a banal and expected soul, might had been conceived as modern in Mies Van Der Rohe’s ages where modernity as opposition to the Morris’ Art and Craft, was represented by square lines, where the minimum use of any tool was the purpose, where white was the most colorful color, where neon was the solution to energy waste. Indeed, what do these same ideas represent today, after unbelievable technological achievements, after over viewed glass buildings and light architecture concepts? What represents modernity if not advancing on what the present and the past already have shown us? It would be too much to expect a triumph of oppositions and contrasts in this building, conceived as house and window of Contemporary Art of the 21st Century? Was it too much to expect from a white, aseptic, cool and square outside a colorful, welcoming, warm and curvilinear interior or better something even not easily imaginable?

A Walker along untold paths

2007-11-26T18:28:00.000+01:00

Kara Walker at the Whitney Museum of American Art

“I didn’t want a completely passive viewer. Art means too much to me. To be able to articulate something visually is really an important thing. I wanted to make work where the viewer wouldn’t walk away; he would either giggle nervously, get pulled into history, into fiction, into something totally demeaning and possibly very beautiful. I wanted to create something that looks like you. It looks like a cartoon character, it’s a shadow, it’s a piece of paper, but it’s out of scale. It refers to your shadow, to some extent to purity, to the mirror.”
- Kara Walker -

Just walking into the Kara Walker show at The Whitney Museum of NY, “My Complement, My Enemy, My Oppressor, My Love”, the first US museum show of the artist, it is easily evident how completely the artist achieved her purpose. Moving through the black and white decorated walls of the exhibition, where black paper silhouettes over white walls tell stories, relationships, life, feelings, powers and weaknesses of a cruel past unbelievably relevant today, it makes standing at such powerful discernments as passive viewers impossible. Those attractive silhouettes in fact, delicate and charming protagonists of the exhibition, attract the viewer by recalling old fairy tales’ illustrations. But, getting closer and closer, those tricky shadows lose their innocent appearance and become alive, revealing a shocking truth.

Incest, oppression, secrets, paradoxes, hierarchies, races, African American slaves and white American owners are the ingredients of such subtle but open dialogue, a two-way dialogue, firstly between Kara Walker and her living silhouettes and again between those silhouettes and the viewers, a dialogue each time so diverse, so intimate, so personal.

The artist’s choice of black paper-cut silhouettes on white surfaces represents her intention of free access and open interaction with her work. Black color for black slaves and black color for white owners, black for oppressors and black for the oppressed. The black homogeneity reflects, in this sense, a deep and profound, dark and hidden equality. There are slaves and there are owners of course, and everyone is well distinguishable for clear details, traits and lineaments, clothes and shoes; there are also race issues and hierarchy rules, but the Kara Walker show is far away from antiracism politicking, it is distant from piety or anger for black slaves’ condition. There are new feelings in these works, revolting feelings that nobody had ever told of previously: there is active desire instead of passive assault, there is attraction instead of scorn, there is weakness for the oppressors and power for the oppressed, there is a true upheaval of the popular knowledge of race and slavery’s issues.

Particularly impressive resound the black words over the white surface, black feelings over white behavior, in “Letter from a Black Girl (1998)”, a wall-size communique addressed ”Dear you hypocritical fucking twerp”, a pure uncolored voice telling unspeakable secrets, an unworried voice summarizing the whole exhibition, a voice which reflects though the silhouettes’ hearts, the paper-cut’s feelings.

The Kara Walker: “My Complement, My Enemy, My Oppressor, My Love” show in NY represents an impressive proof of the indistinguishable artist’s value, a proof of her diverse approach to art, art as voice of untold conditions, art as escape from conventions.

Kara Walker Biography
Born in Stockton, California, Walker moved to the South at age 13 when her father, artist Larry Walker, accepted a position at Georgia State University and her family relocated to Stone Mountain, a suburb of Atlanta. Focusing on painting and printmaking in college, she received her BFA from the Atlanta College of Art in 1991 and her MFA from the Rhode Island School of Design in 1994. Walker was included in the 1997 Biennial exhibition at the Whitney Museum of American Art, New York. Later that year, at the age of 27, she became the youngest recipient of the prestigious John D. and Catherine T. MacArthur Foundation's "genius" grant, which launched a public controversy around her work. In 2002 she was chosen to represent the United States in the São Paulo Biennial in Brazil. Her work has been exhibited nationally and internationally and is included in the collections of major museums worldwide. The 2007 Walker Art Center–organized exhibition Kara Walker: My Complement, My Oppressor, My Enemy, My Love is the artist's first full-scale U.S. museum survey. Walker currently lives in New York, where she is a professor of visual arts in the MFA program at Columbia University

New York: artificio o realtà?

2007-11-18T23:48:00.000+01:00

Passeggio per le strade di New York, accompagnata dalla musica Jazz del mio Ipod (come vivere a NY senza possederne uno?), il vento gelido e tagliente aggredisce la mia pelle ma un sole caldo e brillante la ammorbidisce nuovamente, ed ecco che New York si manifesta ancora una volta nella sua intrinseca contraddizione. “NY” infatti, secondo il mio modo di leggere la città e le dinamiche che la contraddistinguono, rappresenta l’acronimo di NoYes (NoSi), “Betta cuntrariusa” la chiamerebbe piuttosto la mia nonna siciliana: tutto e il contrario di tutto, paradosso per definizione.
L’estrema socialità della gente che popola la Grande Mela, gente per lo più senza forti legami con questa terra, gente che vive Manhattan assorbendone e rilasciandole linfa vitale in un equo scambio di energie, si scontra con l’invisibilità del singolo individuo, solo tra la folla, solo tra le urla, solo tra i sorrisi; l’estrema apertura mentale di una città abituata e pronta a tutto, ad estremismi e rivoluzioni, si scontra col bigottismo ed il puritanesimo di stampo americano; la capacità di mediazione, la cordialità ed il rispetto per il prossimo così largamente manifestati negli ambienti lavorativi, nei cafè e nei locali pubblici si scontrano con la sorprendente maleducazione in alcuni ambienti familiari e con una irrimediabile resa al peccato di gola e all’ingordigia; l’estremo ed il paradossale si alternano e si combinano, si fondono e si amalgamano in un irresistibile e delizioso ripieno, farcitura per il più tradizionale dei tacchini della Festa del Ringraziamento, dando così vita alla città più spettacolare del mondo.
Nella quotidianità di una New York mai banale o lontanamente ripetitiva, vivo la continua sensazione di esser parte di un film, colossal americano o puntate di telefilm, scene già viste sul piccolo schermo, immagini così lontane dal quotidiano europeo che qui a New York prendono vita ed un ghigno di compiacimento e di curiosità colonizza il mio volto, perché questo è l’aspetto che di New York mi affascina maggiormente. Inaspettatamente mi trovo a “Colazione da Tiffany”, a pranzo con i personaggi di “Sex and The City”, ospite per il Giorno del Ringraziamento a casa dei personaggi di “Seven Heven” e a cena tra i personaggi di “Mamma ho perso l’aereo”, mi ritrovo sotto lo stesso tetto con i “Simpson”, mi riconosco nei colloqui di lavoro di Andy (Anne Hathaway) ne “Il diavolo Veste Prada”, mi trovo a parlare con un verosimile Willy de “Il principe di Belair” e faccio la spesa con “Il Professore Matto” in un supermercato nell’East Village di Manhattan…Trovandomi alcuni giorni fa ospite a casa di “amici di amici di amici di amici”, in un appartamento da sogno nel cuore di Tribeca, quartiere chic della downtown di Manhattan, tra opere d’arte e lussuoso arredamento, ho creduto davvero di trovarmi dentro uno di quei film per bambini dove la babysitter si trova legata ad una sedia e i diabolici bambini prendono il potere, distruggendo una casa intera. Quattro bambini apparentemente “normali”, rappresentavano il cast e la regia di quella surreale situazione: criceti liberi di correre per casa, pittura arancione dappertutto, urla, grida, competizioni di skateboard in salotto, candies, dolci e bucce di banana sul prezioso pavimento… il tutto artificio di quei quattro “innocui” diavoletti.
Immediatamente mi è venuta in mente la famiglia Simpson, popolarissimo cartone animato statunitense creato dal fumettista americano Matt Groening negli anni ottanta per la Fox Broadcasting Company. Seguendo le vicende dei Simpson, famigerata famiglia di Springfield, con il piccolo Bart che, con la sua sfacciata ironia e sfrontata impertinenza, ne combina di tutti i colori o ricordando la figura di Homer, improbabile padre di famiglia, incapace, ingordo, fannullone e pessimo esempio d’educazione per i suoi figli, credevo fosse frutto di una fantomatica esagerazione, esercizio di stile degli autori e parodia della quotidianità dell’americano medio. Nessuna fantascienza invece, I Simpson esistono davvero, anche nell’altolocato quartiere di Tribeca.
Seguendo serial Tv e Film americani, infatti, comodamente appollaiati davanti alla televisione in un salotto dell’anziana Europa d’oltreoceano, si ha come l’impressione che tutto ciò che scorre davanti ai propri occhi non sia altro che finzione, fiction per definizione, sogno americano e consumismo estremo, ma in realtà non è finzione e qui tutto prende vita. New York è autentica, viva e respira nel cuore di Central Park, sbuffa dai camini sui tetti e dai tombini lungo le strade, urla con i suoi camion ed i lavori in corso 24 ore su 24, si commuove e piange nelle piogge inaspettate, gioca con il vento, si dispera nella criminalità e negli atti di razzismo. Scorre sangue caldo nelle vene della metropolitana di New York e la città non si addormenta mai!

2007-11-15T23:11:00.000+01:00

The New Greek and Roman Galleries at the Metropolitan Museum of Art

What would the great Greek tragedians Aeschylus, Sophocles, and Euripides think if they could visit the New Greek and Roman Galleries at the Metropolitan Museum today? What about the philosophers Plato and Aristotle, the historian Herodotus, and the poet Apollonius Rhodius? What would they think? How would Pliny the Elder and his nephew Pliny the Younger react at the sight of the frescoes of the Boscoreale and Boscotrecase Villas in Pompeii? Would they quiver recalling the devastating eruption of Vesuvius that in 79 A.D. took Pliny the Elder’s life?
I can imagine the satisfaction written on the faces of the emperors Augustus, Caligula, and Caracalla at the sight of the marble effigies that have made their countenance and deeds immortal. Seneca, Cicero, Catullus and Ovid would certainly be grateful to us, citizens of the 21st century. They would thank us for the care in the way we conserve, worship and collect the works of art and daily objects that generations of connoisseurs have handed down throughout 3,000 years.

History consists in a succession of events. No one can modify its evolution, but one’s action can determine whether an event will be later remembered or forgotten. Similarly, art becomes immortal when it gains the consensus of art historians, collectors and dealers. It is an inevitable process and the only one that can ensure the transmission of a work of art across centuries; it is also the same that allows us today to benefit from such a precious artistic patrimony.

The Greek world’ s artistic finesse gained the immediate admiration of the Romans. Despite the fact they put an end to the Greek rule, the Romans are considered to be the first true amateurs and collectors of both the Classical and Hellenistic styles of Greek art. Although they offered an impressive example of architecture and urbanism to their successors, their figurative art did not reach the same originality of contents. (never reached the same originality as the Greek one). Indeed, most Roman sculptures tend to emulate and reproduce models from the Classical and Hellenistic periods; furthermore, Roman frescoes and paintings depict the deities and scenes of conviviality typical of Magna Graecia. In light of this, it is not surprising that the Roman copies of Greek works spurred the revival of Classicism in 18th century Europe.

Reacquired Artistic Dignity

On April 20, 2007, a sunny day framed what many have defined the most important event in the history of the MET: the reopening of the New Greek and Roman Galleries to the public. These were designed between 1914 and 1926 by architects McKim, Mead and White, and were converted into an upscale restaurant in the late 20th century. Today, after a fifteen year-long renovation, these spaces have reacquired the artistic dignity for which they were originally created.

This stunning exhibition accounts for over 35,000 pieces including marble statues and busts, bronzes, vases, utensils, precious gems and daily objects across 6,000 years of art history. The exhibition begins with objects from the Bronze Era, and continues chronologically with the Archaic, Classical and Hellenistic periods as well as Cypriot and Etruscan art. This historical path ends with the art of the Roman Empire spanning over 300 years. Surprisingly, most of the collection currently on view today has never been displayed to the public before.

The extensive Greek and Roman collection is showcased throughout a 20,000 square meter space, and offers an impressive variety of artistic subjects and media. Although labels next to each work give viewers relevant information and descriptions, the powerful visual impact and fine composition of some pieces require no explanation at all.
The majestic Ionic column from the Artemis Temple in Sardis, Turkey (300 B.C.) best exemplifies such impact. If its placement in the entrance of the Central Gallery confers it a special presence, it is only by standing in front of the statue, that visitors can realize its exceptional dimensions. Despite the fact that the section on display is only a third of the original twenty-meter column, visitors are deeply captured by its magnitude.

As one proceeds onto the neoclassical court, the elegance of three perfectly sculpted marble figures catches one’s attention. It is a depiction of the Three Graces: Aglaea "Splendor", Euphrosyne "Good Cheer ", and Thalia "Mirth”. The statue dating from the 2nd century A.C. is a copy of a Hellenistic work. The soft lines and perfect proportions of the Graces’ bodies suggest the canons of beauty of the times and evoke the festive atmosphere of Ancient Greece Symphosia.

An Eye to the Glorious Past

The scale of the statues and the solemnity of the Roman busts displayed in the Mary and Michael Jaharis Gallery and Leon Levy and Shelby White Court, take away from the noise of tourists and art aficionados visiting the galleries. Inevitably, the proud expressions and poise of brave warriors and glorious athletes captivate visitors. It is as if by moving toward these works of art, one gradually looses the perception of time and space. The noise starts to fade and one can almost hear the echoes from a far away battlefield.

Statues and objects become immediate conductors to a world that existed thousands of years ago. The marble, ivory, bronze and glass currently on display, once decorated the dwellings of past eras. Today, it is fascinating how one can touch a stone sculpted over 3,000 years ago and stand before a marble bust once admired by the Emperor Augustus. This embodies a fleeting concept of temporality and spatiality that thoughts and words can barely sustain. However, entering the New Greek and Roman Galleries is not a transcendental experience, instead it is a moment of real life worth an hour or a daylong visit. One in which a visitor, endowed with the curiosity of a child, can dream of an ancient journey lasted one thousand years.

2007-11-14T05:07:00.000+01:00

Le Nuove Gallerie dell’Arte Greco Romana al Metropolitan Museum of Art

Cosa penserebbero i grandi tragediografi greci Eschilo, Sofocle ed Euripide, i filosofi Socrate e Platone, lo storico Erodoto o il poeta Apollonio Rodio se potessero visitare oggi le Nuove Gallerie dell’Arte Greco Romana del Metropolitan Museum di New York? Come reagirebbero Plinio Il Vecchio e suo nipote Plinio il Giovane nel vedere gli affreschi delle ville pompeiane di Boscoreale e Boscotrecase, sui muri del MET? Sobbalzerebbero al ricordo della devastante eruzione del Vesuvio che, nel 79 d.C., causò la morte dello stesso Plinio Il Vecchio?
Immagino poi l’espressione soddisfatta sui visi degli imperatori Augusto, Caligola e Caracalla di fronte ai busti marmorei che hanno reso immortali il loro volto e le loro imprese. E che dire della certa gratitudine di Seneca, Cicerone, Catullo e Ovidio di fronte alla cura con la quale noi, uomini del XXI sec., continuiamo a tutelare, amare e collezionare le opere d’arte, gli oggetti della quotidianità e tutto ciò che di quel periodo d’oro ci è stato tramandato, da generazioni di estimatori, per oltre 3.000 anni?

La storia e’ costituita da avvenimenti che si succedono. Nessun essere mortale può modificarne l’evoluzione, ma la sua azione può significativamente determinarne la futura memoria od oblio. L’Arte può diventare immortale, ma solamente se accoglie il consenso di storici, collezionisti e mercanti d’arte. Si tratta di un processo inevitabile, ma il solo che possa assicurare la trasmissione di un’opera nei secoli e lo stesso che oggi ci permette di godere di un patrimonio artistico di tale incommensurabile valore.

La raffinatezza dell’Arte del mondo greco colpì fin da subito gli stessi Romani che ne avevano causato la fine; furono proprio questi ultimi i primi grandi estimatori e collezionisti dell’arte Greca, Classica ed Ellenistica. Sebbene i Romani siano stati un autentico esempio di Architettura e Urbanistica per tutti i popoli a loro successivi, la loro arte figurativa non raggiunge la stessa sorprendente originalità. Gran parte della scultura Romana tende, infatti, ad emulare e riprodurre modelli dell’Età Classica ed Ellenistica; perfino gli affreschi e la pittura non sono altro che rappresentazioni delle divinità e dei momenti conviviali tipici della cultura della Magna Grecia.
Non deve stupire inoltre, che furono proprio le copie Romane di modelli Greci a stimolare il ritorno al concetto di Classicismo nel XVIII sec.

La dignità artistica riconquistata
Lo scorso 20 Aprile 2007, una giornata di sole quasi estivo ha accolto quello che molti definiscono come il più grande evento nella storia del MET: la riapertura al pubblico delle Nuove Gallerie dell’arte Greco Romana. Queste furono progettate tra il 1914 e il 1926 dagli architetti McKim, Mead e White e convertite nella seconda metà del XX sec. in un lussuoso ristorante. Oggi, dopo un progetto di rinnovamento durato ben 15 anni, questi spazi acquistano nuovamente la dignità artistica in nome della quale furono progettati.

La splendida mostra conta di oltre 35.000 pezzi, tra statue e busti di marmo, bronzi, vasi, utensili, gemme preziose e oggetti di vita quotidiana, attraversando con assoluta continuità temporale 6.000 anni di storia dell’Arte. Il percorso espositivo ha inizio con l’Età del Bronzo, procede con la Grecia Arcaica, l’Età Classica e poi quella Ellenistica, l’arte Cipriota e quella Etrusca, concludendosi infine con gli oltre trecento anni della Roma Imperiale. Sembra incredibile come, prima d’ora, gran parte delle opere in mostra non fosse stata mai esposta al pubblico.
Si tratta di una collezione d’arte sorprendente per numero e varietà di soggetti, che si sviluppa in oltre 20 mila metri quadrati. Le didascalie a fianco delle singole opere regalano approfondimenti e descrizioni di particolare interesse, ma alcuni esemplari dell’arte Greca così come di quella Romana, non hanno neppure bisogno di essere raccontati, in nome del loro incredibile impatto visivo o della raffinatezza della composizione.
La maestosa colonna ionica, del 300 a.C., proveniente dal Tempio di Artemide a Sardi, ne è un particolare esempio; la sua studiata collocazione all’ingresso della Galleria centrale, le conferisce particolare importanza, ma trovandovisi dinnanzi, le sue eccezionali dimensioni ne accrescono il fascino, nonostante la sezione esposta rappresenti appena la terza parte dei 20 metri della colonna originale.
Procedendo poi, attraverso il cortile esplicitamente neoclassico, la delicata eleganza di tre figure perfettamente plasmate nel marmo, rende necessaria una ulteriore pausa. Si tratta di una rappresentazione delle tre Grazie, Aglaia "splendente", Euphrosyne "gioia e letizia" e Thalia "portatrice di fiori". La statua, risalente II sec. d.C. , è in realtà la copia di un’opera greca di Età Ellenistica. Le forme morbide e perfettamente distribuite, lasciano intendere i canoni di bellezza dell’epoca ed evocano dimenticate immagini di festa dei Symphosia della antica Grecia.

Con un piede nel più glorioso passato.
La magnitudine delle statue e la solennità dei busti di epoca Romana, esposti lungo la galleria “Mary e Michael Jaharis” e nel grande cortile “Leon Levy e Shelby White”, distolgono dalla confusione di turisti ed appassionati d’arte che visitano le Gallerie. Lo sguardo fiero dei volti e la disinvoltura nelle pose di valorosi guerrieri e di gloriosi sportivi cattura l’attenzione di chi vi e’ al cospetto. Sembra quasi che avvicinandosi alle opere si perda gradualmente la concezione dello spazio e del tempo, i rumori della galleria cominciano misteriosamente ad attutirsi ed in lontananza, pare di sentire l’eco della battaglia.

Statue e oggetti diventano in questo modo immediati conduttori con una realtà esistita migliaia di anni fa. Il marmo, l’avorio, il bronzo, il vetro innanzi ai nostri occhi, ornava le dimore di quell’epoca. Pare impossibile poter sfiorare una pietra scolpita oltre 3.000 anni fa o sostare di fronte ad un busto marmoreo sul quale si posò lo sguardo dell’Imperatore Augusto in persona. E’ un concetto di spazialità e temporalità talmente fugace e rapido che i miei pensieri e le mie parole riescono a malapena a sostenere; ma varcare la soglia delle Nuove Gallerie dell’Arte Greca e Romana non è nulla di metafisico o trascendentale, è un’esperienza reale che vale la pena di vivere per un’ora o una intera giornata, con la curiosità e l’attenzione di un bambino, per sognare ad occhi aperti un viaggio lungo migliaia di anni.

Pubblicato in Artscape Magazine - spring 2007